400 Discos del 2006 (110 - 101)

400 Discos del 2006 (110 - 101)

110. Lilly Allen - Alright, Still

Debut de la cantante y compositora inglesa Lily Allen.

Alright, Still es un disco impecable, envuelto por una producción muy creativa. Es pop puro y luminoso, donde la voz y la lírica de Allen se destacan por su frescura y estilo.

Pero a pesar de ser un álbum fresco y actual, Alright, Still es un trabajo que muestra una variedad de estilos como el reggae, el ska, el hip-hop, el calypso y cierta esencia retro en algunos de sus temas, como el easy-listening, el R&B y el jazz de antaño.

También cabe resaltar el uso de pro tools y la variada instrumentación empleada en el álbum, la cual se acopla perfectamente con la ensoñadora voz de Lilly Allen.

________________________________________________________

109. Spank Rock - YoYoYoYo

Debut del rapero americano Naeem Juwan, mejor conocido como Spank Rock.

YoYoYoYo es una precisa y estimulante mezcla musical de dirty rap y neo electro. Es un trabajo excitante debido a su hibridez sonora, que bebe tanto de la vieja escuela ochentera pre-gangsta, como del sonido grime actual.

Influenciado por Missy Elliott y A Tribe Called Quest, pero con un sonido muy similar a la base rítmica de M.I.A., Spank Rock logra un álbum directo y a la vez ambicioso, que busca darle un aire fresco a la escena del hip hop actual.

Cabe resaltar que este proyecto cuenta con los miembros Xxxchange, Chris Rockswell y Ronnie Darko.

________________________________________________________

108. The Twilight Sad - The Twilight Sad [EP]

La banda escocesa The Twilight Sad, debuta con este homónimo EP, el cual está integrado por cinco emotivos temas llenos de retrospección y comandados por muros de sonidos hechos a base de guitarras y mucho feedback.

Es un disco intimista y de tonalidades sombrías, pero barnizado con el amalgamador sonido de una guitarra característica y la voz desgarradora de James Graham (la cual tiene cierto parecido al tono de Tim Booth, vocalista de James).

En cuanto al género musical de esta banda, se podría decir que hacen un sonido noise pop influenciado en el shoegaze y el post-rock escocés. Aunque, también guardan mucha similitud con las bandas Interpol, Arcade Fire y The Long Winters.

________________________________________________________

107. The Lovely Feathers - Hind Hind Legs

Debut oficial de esta banda canadiense y la continuación de su primer disco del Demo/EP My Best Friend Daniel (2004).

Hind Hind Legs está compuesto por 13 temas, de los cuales cinco ya formaron parte de su anterior EP. El interés de regrabar estos temas, fue sencillamente lograr un sonido más inmediato, para adaptarse al resto de los temas que conforman el álbum.

Musicalmente hablando, Hind Hind Legs se aparta un poco del sonido rápido y de esa similitud con The Unicorns de su primer disco.

Ahora la banda se centra en hacer un indie pop más sofisticado y directo, donde de vez en cuando se notan esos guiños con The Unicorns, pero a la vez, aparecen melodías cercanas a los trabajos de Pavement y Arcade Fire, así como, una notable influencia por el sonido de los 80 de las bandas Pixies y Talking Heads.

________________________________________________________

106- The Raconteurs - Broken Boy Soldiers

The Raconteurs está integrado por Jack Lawrence (The Greenhornes) en el bajo y guitarra, Patrick Keeler (The Greenhornes) en la batería, y por los amigos nativos de Detroit, Jack White (The White Stripes) y Brendan Benson, ambos en el teclado, voz y guitarra.

El proyecto nace cuando Jack White y Brendan Benson deciden escribir y componer una canción llamada ''Steady As She Goes'' y dicha canción sirvió como inspiración para la creación de una banda a la que se unieron Jack Lawrence y Patrick Keeler, ambos miembros de The Greenhornes.

Luego de editar un single de siete pulgadas de su canción ''Steady As She Goes'' en enero del 2006, la banda decide lanzar su disco debut cuatro meses después, el cual rápidamente entró en las listas Top 10 de UK y USA.

El disco fue nombrado Broken Boy Soldiers y en éste, la banda recupera la esencia del rock de los 60 y 70, logrando una resonancia muy vintage, con algo de blues rock, garage, lo-fi, power pop e influenciados por bandas como The Kinks, The Rolling Stones, The Beatles y sonando muy similar a sus respectivas bandas como lo son The White Stripes y The Greenhornes.

La clara referencia a The White Stripes la encontramos en el tema que abre el disco ''Steady As She Goes'' la cual fusiona esas crudas guitarras con el ingenio compositivo de Benson. Igualmente en el disco nos encontramos con diversos temas como el pop ácido de “Hands” con cierto aire a The Beatles, el hard rock de “Broken Boy Soldier”, la delicada “Together”, la pieza cercana al prog-rock de los 70 "Store Bought Bones" y el blues en “Blue Veins”.

El disco fue lanzado bajo el sello XL.

________________________________________________________

105. Charalambides - A Vintage Burden

Tras la edición del disco “Joy Shapes” en el 2004, la banda de Houston, Charalambides, regresó el 2006 para editar un nuevo trabajo discográfico titulado “A Vintage Burden”.

Con éste disco, la banda ha decidido alejarse de ese sonido disonante y oscuro de sus previos trabajos y ahora han dejado entrar una enorme cantidad de luz a su sonido, tanto así, que la oscuridad ni se percibe en todo el álbum y su música se ha transformado en todo un mundo cromático lleno de vitalidad y espiritualidad.

De hecho, el aspecto lírico en “A Vintage Burden” ha cambiado también, ahora sus letras nos narran cantos a la vida y al amor, olvidándose así, de las letras que estaban llenas de contradicción en sus discos pasados.

En líneas generales, el álbum es un largo y pronunciado viaje acústico-atmosférico, apoyado por la sutil guitarra de Tom Carter y la sensual voz de Christina Carter, quienes prácticamente han sufrido una metamorfosis al igual que su música, para hacer así de este disco, el trabajo más hermoso y etéreo de su carrera.

En definitiva, “A Vintage Burden” es un trabajo plagado de sorpresas e imprevistos, cincelado a golpe de folk y mojado, fundamentalmente, por una perspicaz psicodelia de tintes introspectivos. Un universo dotado de infinitas tonalidades, utilizando tempos relajados, cargados de intimidad, pero impregnados de un extraño vigor y una espeluznante capacidad para hipnotizar al oyente.

________________________________________________________

104. The Pipettes - We Are The Pipettes

The Pipettes es una banda de Brighton, Inglaterra formada en el año 2004 por el productor Monster Bobby con el fin de revivir esa era dorada de las “wall-of-sound girl” de los años 50 y 60, como lo logrado por Phil Spector, Joe Meek, Carole King, Jeff Barry, Ellie Greenwich, Barry Mann o el sonido femenino del sello Motown.

Para esto Monster Bobby reclutó un trío de chicas (Becki, Julia y Rose) para completar su idea, la cual finalmente se concluyó con la adición de un grupo de chicos llamados The Casdettes, encargados de poner la música a este grupo de chicas.

Finalmente The Pipettes estaba completado, comenzando así los ensayos a lo largo de seis meses. Pero en pleno proceso de desarrollo musical a comienzos del 2005, Julia decide dejar la banda y ésta fue rápidamente reemplazada por Gwen, para comenzar así con el proceso de grabación de tres singles de edición limitada.

Los tres singles ("School Uniform," "ABC," y "Judy") resultaron un éxito en los charts ingleses y gracias a esto, consiguieron un contrato con el sello Memphis Industries, con el cual lograron mayor proyección musical, formando parte de la gira de The Magic Numbers, Graham Coxon, The Go! Team y British Sea Power, para luego finalmente lanzar su primer álbum debut We Are the Pipettes.

Un disco con un sonido fresco que evoca esa época de los grupos de voces femeninas de los años 50-60, plagado de melodías pegajosas y con el espíritu juvenil de Camera Obscura, pero retomando el juego de voces del pop y el soul de bandas como The Shangri-Las, The Dixie Cups, The Ronettes y The Shirelles.

Con esto The Pipettes, ha conseguido un sonido muy bien trabajado que combina lo mejor del doo-wop y el pop de esos años, con un interesante espíritu indie o punk reflejado no sólo en su música, si no en el aspecto lírico, el cual toma un rol más agresivo a diferencia de las“inofensivas” letras acerca de amores imposibles o drama adolescente propias de ese estilo.

________________________________________________________

103. Ghostface Killah - Fishscale

Quinto trabajo del rapero Dennis Coles mas conocido por su seudónimo Ghostface Killah y por ser parte de la agrupación Wu-Tang Clan.

Fishscale, es un título con clara referencia a las drogas, en especial a una clase de cocaína de alta calidad y muy valorada entre los consumidores. Pero mas que un título provocador, Fishscale representa el regreso de uno de los representantes con más peso en la escena del hip hop actual.

En éste trabajo Ghostface Killah, recupera la fuerza de 'Supreme Clientele' (2000) y decide juntarse con los productores MF Doom, Pete Rock, Just Blaze, Lewis Parker y Xtreme, para realizar un álbum variado, que bebe tanto de la escena actual, como del soul y el funk de la vieja escuela.

Por otra parte, destacan las ricas atmósferas y los efectos de sonido que recrean las historias de Ghostface Killah, ligadas al tráfico de drogas, pero con mucho contenido introspectivo, filosófico y surrealista.

________________________________________________________

102. Six Organs of Admittance - The Sun Awakens

Ben Chasny nos deleita con otro disco de estudio (el octavo de su carrera) editado exactamente diecisiete meses después de su excelente álbum “School of The Flower” (2005).

Al escuchar “The Sun Awakens” te darás cuenta, que es un disco, donde se reciclan todas las ideas sonoras de Six Organs of Admittance a lo largo de su carrera.

En los seis primeros temas del álbum, nos encontramos con su habitual sonido psych folk experimental lleno de arreglos de cuerdas muy delicados y el típico roce con el free-jazz.

Pero la diferencia, es que estos seis temas las guitarras eléctricas cobran más protagonismo que de costumbre, con mucha utilización del feedback y el noise. Por otra parte el disco experimenta con el drone, acentuando así el misticismo de sus pasajes instrumentales y obteniendo atmósferas más pulsantes sumergidas en una frágil oscuridad.

Oscuridad que alcanzará su máximo nivel en la última pieza titulada "River of Transfiguration", una hipnótica canción que resume estupendamente el concepto del disco, con casi 24 minutos de música bañada por una especie de droone folk y un dark ambient, similar a los pasajes de Sunn O))) o los trabajos de Richard Youngs.

________________________________________________________

101. Chihei Hatakeyama - Minima Moralia

Minima Moralia es el álbum debut del japonés Chihei Hatakeyama, un artista influenciado por la música electrónica y por todos esos lenguajes sonoros creados a partir de guitarras, pianos y vibráfonos procesados en una laptop

Se trata de un disco compuesto esencialmente por un sonido ambiental/drone vanguardista y minimalista, comandado por una atmósfera etérea en donde de vez en cuando se puede reconocer algún instrumento.

También destacan las capas de sonido que se acoplan incesantemente con una distorsión filtrada y una dosis de melodía que nacen fortuitamente de una amalgama de erupciones sonoras que Hatakeyama procesa a partir de los instrumentos anteriormente.

Un disco muy pausado y experimental, con mucha sustancia electro-acústica y una notable dirección musical que le acerca a los trabajos de Fennesz, Fripp & Eno y Christopher Willits.

________________________________________________________

400 Discos del 2006 (120 - 111)

400 Discos del 2006 (120 - 111)

120. Mika Miko - C.Y.S.L.A.B.F.

Debut en larga duración de ésta banda femenina formada en Los Angeles.

Al escuchar su debut llamado C.Y.S.L.A.B.F. miles de nombres les vendrán a la cabeza, en especial, todas esas bandas que poseen la actitud y el espíritu punk más clásico.

Plagado por la esencia de Red Cross, X-Ray Spex, Bad Brains, The Slits y The Germs, e influenciados por bandas como Black Fag y Bikini Kill, Mika Miko concentra en trece temas, el ruido y la energía necesaria como para estremecer a cualquiera.

Pero a pesar de contar con un sonido cargado de poder y guitarras afiladas, la banda le aporta mucho contenido bailable a sus temas, lo que le da cierto carácter new wave a su música.

No es nada del otro mundo, tan sólo es un disco crudo y directo, que en parte, evoca mucho de la escena riot-grrl de finales de los 80 y comienzos de los 90.

________________________________________________________

119. Oxford Collapse - Remember the Night Parties

Tercer disco de estudio de ésta banda oriunda de Brooklyn y su primer disco bajo del sello Sub Pop. En Remember the Night Parties, Oxford Collapse ha logrado cohesionar su sonido para lograr un trabajo más accesible y variado.

Siguen con canciones repletas de melodías y ritmos que van desde lo más calmado a lo más enérgico, pero lo interesante es que ya no se centran en sus influencias post-punk de sus previos trabajos, si no que deciden recrear mucho del sonido indie de la década de los 90, como el de los grupos Sebadoh, Pavement, R.E.M, Neutral Milk Hotel, Yo La Tengo y Guided by Voices.

________________________________________________________

118. Tenhi - Maaäet

Al escuchar “Maaäet” te darás cuenta que la banda continúa con el sonido y concepto que ha manejado a lo largo de su carrera, pero esta vez, con un toque más oscuro e introspectivo, donde el piano y las voces cobran más protagonismo.

Para los que no han escuchado la banda, su sonido, es una mezcla de folk melancólico y un post rock atmosférico que busca imitar a la naturaleza, todo esto conjugado por una variada instrumentación (violines, flautas, piano, guitarra, etc) que te hará transitar por los recónditos paisajes escandinavos.

________________________________________________________

117. The Necks - Chemist

En Chemist el trío australiano sigue mezclando el jazz y el krautrock a través de largas e hipnóticas improvisaciones plagadas de muchos sonidos cautivantes y ambientaciones propias del post-rock.

Chemist consiste en tres temas de 20 minutos de duración (cada uno) en donde se concentra una disonancia y un caos sonoro, marcado por constantes cambios de ritmos e impetuosos muros de sonido.

También destacan los pasajes de guitarra y algunos interludios más calmados, así como, mucho adorno electrónico y una instrumentación muy particular a base de pianos, contrabajos y marimbas, lo que le da más dinamismo al disco.

________________________________________________________

116. Triosk - The Headlight Serenade

En este trabajo del trío australiano Triosk retoma el concepto de jazz experimental empleado en su anterior trabajo “Moment Returns” y le da una orientación más producida y elaborada.

En ”The Headlight Serenade” el sonido post-jazz cristalino de tintes electrónicos te trasladará hacia terrenos recónditos, como si estuvieses flotando en medio del aire o siendo parte de una pequeña banda sonora que dibuja diferentes momentos de la memoria o pequeños sentimientos alojados en el inconsciente.

Un disco minimalista pero vanguardista con lo mejor del jazz del nuevo milenio, y en donde los loops y detalles electrónicos de Jan Jelinek y las deconstrucciones jazzisticas de Thelonious Monk se unen con una rica instrumentación post-rock que evoca los trabajos de Tortoise o Cinematic Orchestra.

________________________________________________________

115. Eluvium - When I Live by the Garden and the Sea [EP]

Segundo EP del músico Matthew Cooper, mejor conocido como Eluvium.

When I Live by the Garden and the Sea está compuesto por cuatro relajantes temas en donde el compositor Matthew Cooper sigue explorando texturas bañadas por mucho sentimiento y pasajes cristalinos.

Apoyado por una música ambiental, Cooper genera densas capas de sonido acompañado sólo de loops, guitarras y un piano que le de cierto carácter neoclásico a sus composiciones.

En When I Live by the Garden and the Sea el sonido tiene un poco de la experimentación sonora lograda en su tercer álbum Talk Among the Trees (2005), pero ahora el piano cobra mas protagonismo, combinándose perfectamente con el sonido droone y la plácida belleza que se respira durante todo el disco.

Es ambient, es instrumental, es post-rock, es shoegaze, pero más que una simple mezcla de estilos, es un experimento de las sensaciones a través del sonido más simple que se puede generar.

________________________________________________________

114. The Black Heart Procession - The Spell

Quinto álbum de la banda de San Diego, The Black Heart Procession y la continuación de su trabajo “Amore Del Tropico” del 2002.

The Black Heart Procession son conocidos por hacer un indie rock muy sombrío, combinando elementos como el post-rock y el folk y donde el dramatismo, la oscuridad y la depresión forman parte de su estructura musical. Pero dicha estructura musical, inesperadamente tomo cierto “color” con la edición de su previo álbum “Amore Del Tropico”, disco que sirvió para ponerle fin a esas tendencias opacas de sus primeros trabajos.

Y ese “color” que fue trazado en su anterior trabajo, se acentúa y se hace más evidente en esta nueva placa. Como por ejemplo en las canciones “Not Just Words”, “GPS” o “The Fix”, donde un pequeño rastro de luz y hasta ritmos más convencionales se filtran ante tanta tristeza y penumbra presente en el disco.

De resto, las ideas conceptuales de la banda se mantienen vigentes, como en los temas “Tangled”, “The Setter” o “Return To Burn” donde el sonido característico de la banda se hace presente. Una música oscura e hipnótica, con atmósferas nebulosas y excelentes arreglos de pianos, sintetizadores y violines, a la cual se le unen el uso de lap steels y de reverb tanks que sirven para aumentar el encanto en su música.

________________________________________________________

113. Metallic Falcons - Desert Doughnuts

Metallic Falcons es el proyecto formado por Sierra Casady (una de las hermanas CocoRosie) junto a su amiga Matteah Baim (una artista polifacética y cabeza del sello Vodoo-Eros) y ambas nos presentan su álbum debut llamado “Desert Doughnuts”, un disco inspirado en sus experiencias a lo largo del gran desierto Americano y en la cual facturan un sonido denominado por ellas mismas como una especie de “soft-metal”.

Pero cierta descripción se queda corta comparada al universo espectral concentrado en los catorce temas que dan vida a su disco “Desert Doughnuts”, ya que a lo largo de todo el álbum, se toparán con una amplia gama de ambientaciones infectadas por nostálgicas notas de piano, una quejumbrosa batería y unas incisivas guitarras, rociadas con lo más sutil del freak-folk cristalino, el post-rock, la opera y el rock experimental.

Un sonido que hechiza por completo y en donde las letárgicas y operísticas voces de Sierra y Matteah, juegan el papel fundamental en medio de las translucidas ambientaciones sonoras que se pasean por todo el disco.

En definitiva un álbum que fluye como una intensa, opaca y expansiva epopeya que te dejara flotando en medio del espectro musical de las Metallic Falcons.

“Desert Doughnuts” fue lanzado por el sello Voodoo-Eros y cuenta con las colaboraciones de Greg Rogrove (Tarantula A.D.), Antony Hegarty (Antony & The Johnsons), Jana Hunter y Devendra Banhart.

________________________________________________________

112. Evangelicals - So Gone

Álbum debut de esta banda formada en Oklahoma, con el cual condensan lo mejor del indie rock y la neo-psicodelia americana de bandas como The Flaming Lips y Grandaddy.

Pero en medio del histrionismo ácido de su música, se encuentran también las claras referencias de Pavement, Broken Social Scene, Modest Mouse y algo de Neutral Milk Hotel y Clap Your Hands Say Yeah.

Aunque lo que importa aquí no son tanto esas influencias, sino como Evangelicals juegan con ellas para crear un disco emocionante, marcado por un estilo propio y dotando a cada canción de un ambiente muy peculiar, donde sobran los detalles y las tonalidades sonoras.

________________________________________________________

111. Barbara Morgenstern - The Grass is Always Greener

La alemana Barbara Morgenstern regresó en el 2006, luego de un extenso tour mundial (ya sea en solitario o en compañía de Robert Lippok de To Rococo Rot) para entregarnos el sucesor de “Nichts Muss” del 2003.

El disco lleva por título “The Grass is Always Greener” y en éste, su música indietronic se torna hacia una onda más minimalista donde el piano aparece como protagonista y donde el sonido se muestra más orientado al electro pop.

Es un sonido más maduro en el cual predomina un ambiente sugerente, evocativo y etéreo. Una buena dosis de pop frágil electrónico, con el piano como instrumento básico y la delicada voz de Morgenstern adornando los ligeros envoltorios electrónicos de su música.

Por otro lado “The Grass is Always Greener” es definitivamente el álbum más confidente y personal dentro de la carrera de Barbara Morgenstern, influenciado en parte por la extensa gira de la cual formó parte y según sus propias palabras, toda esta experiencia intoxicante se convirtió en materia prima perfecta para el nuevo trabajo.

En “The Grass is Always Greener” Barbara Morgenstern se muestra interesada más que todo en la relación entre la calma y los momentos cargados de energía. También en la muerte, y en la vida en sí, buscando indagar en qué tiene ese lapso de tiempo en especial y cómo puede definirlo realmente.

________________________________________________________

400 Discos del 2006 (130 - 121)

400 Discos del 2006 (130 - 121)

130. Mission of Burma - The Obliterati

La banda de Boston, Mission of Burma, regresó en el 2006 para entregarnos su tercer disco de estudio en 24 años, y el segundo luego de su reunión.

Para los que no conocen esta banda, ellos fueron uno de los grupos más influyentes de la escena post-punk/american punk en USA, llegando a ser una clara influencia en el sonido de bandas como Sonic Youth, Fugazi, Nirvana, Superchunk y Yo La Tengo.

Su sonido es muy dinámico, combinando complejas estructuras y efectos de cintas con una fuerte dosis de abrasivas guitarras y ruido, influenciado por las bandas garage y los pioneros del proto punk, como MC5, The Stooges y The Velvet Underground.

Se formaron en 1979, y luego de editar un EP en 1981 llamado “Signals, Calls and Marches” la banda edito su primer disco llamado “V.S” (1982), un disco que ya es un clásico y que sirvió como punto de partida para las bandas nombradas anteriormente.

Un año después en 1983, la banda se separa, debido al fuerte volumen empleado a la hora de tocar, causándole una enfermedad auditiva a su guitarrista Roger Miller.

Luego de editar diversas rarezas y un sin numero de proyectos como Birdsongs of the Mesozoic, The Molls y Volcano Suns, la banda decide reagruparse en el 2002, para editar su segundo disco de estudio “ONoffON” en el 2004 y lanzado bajo el sello Matador.

Después de ese fuerte y bien criticado regreso, la banda retorna con su tercer álbum “The Obliterati”, el cual se convierte en su trabajo mas fuerte hasta la fecha, donde el dinamismo, la agresividad sigue en su lugar y demostrando que su anterior trabajo no fue una cuestión de “suerte”.

“The Obliterati” fue grabado los Q Division Studios y fue producido por Bob Weston (quien se convirtió en el reemplazo de Martin Swoope)

________________________________________________________

129. Mastodon - Blood Mountain

Blood Mountain es la tercera entrega de ésta banda formada en Atlanta y la continuación de su álbum “Leviathan" del 2004.

Este nuevo trabajo (al igual que su predecesor) es un disco conceptual. Blood Mountain se trata sobre escalar una montaña y de las diferentes cosas que pueden pasar cuando estás en medio de los bosques, perdido, hambriento, alucinando y corriendo de extrañas criaturas. Según su bajista Troy Sanders, el álbum se trata de cuando estás siendo cazado y de todo acerca de esa lucha.

En cuando al contenido musical de Blood Mountain, éste sigue con todo el arsenal sonoro propio de la banda, incluyendo partes de rock progresivo, trash metal, hardcore, sludge metal y metalcore, todo presentado en una complicada experimentación, largos preludios instrumentales y baterías de influencias jazz y percusiones étnicas.

Todos esos elementos inmersos en “Leviathan" aparecen de nuevo aquí, y toda esa unión de técnica con melodía se acentúa más con éste nuevo trabajo, así como la labor de su baterista Brann Dailor, la cual ya termina de encajar de una forma sorprendente y estremecedora.

Suenan más accesibles, pero no se olvidan de la agresividad, la tecnicidad, la dinámica y de toda esa maestría que los convierte como una de las bandas más contundentes de la actualidad. De hecho, con Blood Mountain la banda ha subido un peldaño más dentro de la escena del metal actual, haciendo un álbum de “proporciones Mastodónticas” y sabiendo combinar todas sus influencias con diversos elementos de varios géneros.

Blood Mountain fue producido por Matt Bayles (Isis, Soundgarden, Pearl Jam) y cuenta con las colaboraciones de Scott Kelly (Neurosis) en el tema “Crytal Skull”, Joshua Homme (Queens of the Stone Age) en "Colony of Birchmen" y de Cedric Bixler-Zavala de The Mars Volta en "Siberian Divide".

________________________________________________________

128. Voxtrot - Mothers, Sisters, Daughters & Wives

Segundo EP de esta banda oriunda de Texas, tras la edición de Raised by Wolves (2005).

En Mothers, Sisters, Daughters & Wives, el grupo sigue marcado por ese sonido entre Belle & Sebastian y The Smiths, así como mucha influencia de bandas británicas de las décadas de los 80 y 90. Pero lo interesante, es que ahora las adaptan y las fusionan con nuevos elementos, con el fin de crear una identidad propia.

Ahora forjan un sonido más compacto, donde destacan los arreglos orquestales y las atmósferas nocturnas que adornan sus temas.

Por otra parte, la guitarra cobra mas fuerza y las melodías a base de teclados siguen evocando el oscuro sonido de los 80.

________________________________________________________

127. Alamo Race Track - Black Cat John Brown

Segundo disco de estudio de la banda holandesa Alamo Race Track, en el que plasman un sonido más redondo y sencillo, orientado hacia el indie-pop, la psicodelia y el garage-blues.

Black Cat John Brown transita en una vía muy influenciada por el sonido pop de los 60 y 70. En este trabajo, su música se torna mas lineal y directa, muy a la línea de Peter, Bjorn & John o los primeros trabajos de Sparklehorse, pero sin olvidarse de las influencias de The Beatles, The Strokes, Radiohead y Lou Reed.

Un disco con esencia retro-pop pero con una gran variedad de estilos conjugados en una forma muy peculiar y pegajosa.

________________________________________________________

126. Kap Bambino - Zero Life, Night Vision

Zero Life, Night Vision es el debut en larga duración del dúo francés Kap Bambino.

Este trabajo reúne 12 canciones con lo mejor del espíritu devastador que ha mostrado Kap Bambino a lo largo de su corta carrera. Comandado por la voz enérgica de Caroline Martial y los arreglos electrónicos de Orion Bouvier, Kap Bambino te mete de lleno en una distorsión de beats y mucha esencia punk.

Un debut discográfico, plagado por un abrasivo electropunk, hecha a base de ritmos punzantes a toda velocidad

________________________________________________________

125. The Essex Green - Cannibal Sea

Tercer álbum de la banda neoyorquina The Essex Green y la continuación de su disco The Long Goodbye del 2003.

Cannibal Sea reúne mucho de lo expuesto en The Long Goodbye. Toda esa mezcla de indie pop con folk y mucha psicodelia sigue estando presente en este trabajo, pero con la adición de nuevos ingredientes y una producción cristalina.

Es un álbum muy fácil de digerir, debido a que todos sus temas contienen la formula del pop más clásico y accesible, donde abundan las sencillas melodías y los estribillos pegajosos.

Como si se tratara de una banda de la década de los 60 y con mucha similitud a los trabajos de Bob Dylan, The Byrds, The Beatles, Simon & Garfunkel y The Mamas & The Papas, pero con un sonido contemporáneo, muy a la par de grupos como Belle & Sebastian y The Ladybug Transistor.

________________________________________________________

124. Ratatat - Classics

En este trabajo titulado “Classics” el dúo continúa con la construcción sónica instrumental comandada por las guitarras de Mike "Snake" Stroud y la variada instrumentación de Evan "E*Vax" Mast, quien se encarga de los bajos, los sintetizadores y la electrónica hecha a base de laptop.

Toda esa experiencia sonora regresa en este nuevo aporte de Ratatat, pero la diferencia es que “Classics” se muestra más variado en cuanto a texturas e instrumentación en comparación a su disco predecesor.

El dúo ha bajado un poco la intensidad de sus riffs, pero ahora a su exquisito experimento musical le han añadido nuevos instrumentos como chelos, cascabeles y guitarras acústicas, lo cual realza las tonalidades de su peculiar sonido. También hay un mayor uso de efectos electrónicos ambientales y una producción más pulida en cuanto a melodías y composición.

Son unos Ratatat más estilizados, pero manteniendo el concepto de su música en donde convive lo orgánico con lo artificial, apoyado por un sonido que se encuentra a medio camino del dance rock neoyorquino y la electrónica de Daft Punk o Air.

En definitiva, toda una travesía introspectiva llena de melancolía y satisfacción, y con una peculiar ambientación que evoca las bandas sonoras del cine francés y la sutileza sonora de un videojuego de NES.

________________________________________________________

123. Professor Murder - Professor Murder Rides the Subway [EP]

Professor Murder es una banda formada en el 2004 en la ciudad de New York y está compuesta por Michael Bell-Smith (voz, percusión, bajo y teclado), Tony Plunkett (bajo), Andy Craven (bateria) y Jesse Cohen (teclado y sampleos).

Éste es su primer EP titulado “Professor Murder Rides the Subway”, el cual fue grabado en tan solo un mes y en donde el cuarteto musical ha decido juntar sus influencias de la escena post-punk de finales de los 70 y comienzos de los 80, para añadirle cierto color a ésta y crear alegres melodías.

A lo largo de dos años, la banda presentó su música en la ciudad de New York y hasta fueron teloneros de bandas como Radio 4 y !!!, grupos con los que guardan similitud musical, por el hecho de orientar su música hacia el dance-punk y también por el uso de percusiones marcadas en sus composiciones.

También emplean el uso de loops y programaciones dentro de su música, la cual está marcada por líneas de bajo funkies, sintetizadores, cowbells y ritmos bailables que les dan un excelente tratamiento festivo a su sonido. Además de esto, sus estructuras rítmicas se encuentran compuestas por progresiones y cambios constantes que ayuda a explorar más allá del simple post-punk pero sin afectar el groove de su música.

Toda una party-band que rescata el espíritu festivo de bandas como LCD Soundsystem o The Rapture y lo fusiona con la esencia post-punk de Fire Engines y A Certain Ratio.

________________________________________________________

122. Espers - Espers II

Regresa este grupo formado en Philadelphia, para entregarnos su segundo trabajo de estudio y el sucesor de su EP de covers del pasado año titulado “The Weed Tree”.

Para los que no han escuchado a Espers, la banda forma parte de la nueva oleada de psy-folk americano conocido como new weird america, movimiento inspirado en las bandas folk psicodélicas de los años 60 y 70, y en donde entran grandes nombres como los de Akron/Family, Devendra Banhart, Marissa Nadler y Six Organs of Admittence.

Así que ya saben por donde se dirige todo, mucha psicodelia y una excelente instrumentación que incluye arpas, teclados, violines, campanillas, guitarras acústicas de seis y doce cuerdas, dúlcemeles y hasta guitarras eléctricas.

En “II”, la banda continúa con su delicado sonido (que de momentos cobra fuerza gracias a las guitarras eléctricas) trazado por los instrumentos y la angelical voz de Meg Baird, pero añadiéndole más oscuridad a la hora de crear atmósferas. El resultado es una música con cierto aire atemporal, muy medieval y con ecos del barroco e inspirada en las bandas británicas de folk de finales de los 60 y comienzos de los 70, como Fairport Convention, Pentangle y The Incredible String Band.

El disco fue lanzado por Drag City.

________________________________________________________

121. The Mountain Goats - Get Lonely

Tras editar el 2005 su bien criticado álbum “The Sunset Tree”, John Darnielle regresó en el 2006 con la edición de un nuevo disco titulado “Get Lonely”.

Este disco de The Mountain Goats continúa con el camino trazado en sus previos trabajos, donde las enérgicas y melancólicas melodías características de su sonido se entrelazan con las fuertes letras autobiográficas de Darnielle.

En “Get Lonely” nos encontramos con un Darnielle menos intenso que en su disco predecesor, pero con cierto parecido (en el aspecto lírico) a los últimos temas de “The Sunset Tree”, donde la tristeza y la soledad son el tema principal de las canciones.

Por otro lado, el álbum se muestra menos pretencioso que “The Sunset Tree” y presenta una instrumentación mucho más áspera comparada a la de su antecesor. Igualmente, las ambientaciones musicales varían a medida que avanza el disco, alternándose los climas cálidos con los oscuros y en donde el principal elemento sigue siendo la cruda poesía de Darnielle.

En definitiva, un disco nostálgico, reflexivo y agrio que reúne todos esos sentimientos asociados con la soledad y que se une de forma perfecta con el sutil folk americano hecho por Darnielle y sus compañeros Peter Hughes y Franklin Bruno, quienes esta vez, aparecen acompañados por el cello de Erik Friedlander y la batería de Corey Fogel.

El disco fue lanzado por el sello 4AD y fue producido por Scott Solter

400 Discos del 2006 (140 - 131)

400 Discos del 2006 (140 - 131)

140. The Starlight Mints - Drowaton

Tercer álbum de la banda The Starlight Mints, con el cual vuelven a plasmar ese cóctel sonoro de pop psicodélico orquestado.

En Drowaton, las similitudes con The Flaming Lips siguen estando presentes, pero ahora se acentúan más las de The Kinks (influencia directa de la banda). También se perciben melodías cercanas al sonido de David Bowie de los 80 y arreglos similares a los trabajos de Camper Van Beethoven y The Beatles.

Igualmente, el álbum esta apoyado por una variada instrumentación a base de teclados, arreglos de cuerda, melodías silbadas, sugestivos cambios de tempo, armonías vocales, traviesas guitarras, trompetas y trombones, lo cual le da mas dinamismo al sonido pop lisérgico-luminoso del disco.

________________________________________________________

139. John Zorn - Astronome

Astronome viene a ser la continuación de Moonchild, su otro álbum del 2006. En Astronome, John Zorn se junto una vez mas con Mike Patton, Joey Baron y Trevor Dunn, para continuar con ese sonido que fusiona el metal y el hardcore con mucha experimentación vanguardista compuesta por el propio Zorn.

En este trabajo, Zorn optó por dividir el álbum en sólo tres temas, con el fin de acercarse más al concepto de una obra clásica. De resto, el álbum sigue la misma línea de su antecesor, aunque ahora con temas extensos, lo que ayuda a que su música cobre una exploración más avantgarde y arriesgada.

________________________________________________________

138. The Twilight Singers - Powder Burns

Cuarto trabajo discográfico de lo que una vez fue un "simple proyecto" iniciado por Greg Dulli líder de The Afghan Whigs.

En Powder Burns, Dulli aumenta la fuerza y el groove de sus guitarras, pero esta vez, con un sonido más urgente y lucido en comparación a sus antiguos trabajos. También, sigue con esa oscura ambientación que acompañan sus textos introspectivos, ligados a su lucha con las drogas y el efecto devastador del huracán Katrina en su querida New Orleans.

Igualmente, el carácter nocturno sigue presente, así como las inevitables comparaciones con su antigua banda The Afghan Whigs. Pero, a pesar de esto, el álbum muestra líneas cercanas al new wave y notorias similitudes al sonido de The Black Heart Procession, Public Image Ltd, Guided by Voices y Violent Femmes.

________________________________________________________

137. Wooden Wand & the Vanishing Voice - Gipsy Freedom

Wooden Wand & the Vanishing Voice continúa con esa unión entre el avant-garde y el freak-folk espacial, que bebe tanto del misticismo de Donovan, como de las influencias de Van Morrison, Crosby, Stills, Nash & Young y Acid Mothers Temple & the Melting Paraiso U.F.O.

En Gipsy Freedom, el colectivo aumenta esa variada exploración musical, bañada de psicodelia, noise, jazz, música tribal, rock progresivo, drone, krautrock, blues y garage, para hacer una vez más, un disco alucinante.

________________________________________________________

136. Drumcorps - Grist

Grist es el álbum debut de Drumcorps. Un proyecto que mezcla una fuerte dosis de grindcore con breakcore.

El disco está compuesto por once temas plagados de un ataque sonoro y riffs aplastantes típicos del grindcore, pero hecho a base de partes sampleadas y remezclas.

Un álbum cargado de mucha brutalidad, noise, gabber y mucha influencia de las bandas hardcore de los 90. Pero lo interesante es la forma en como ese copy+paste de riffs thrash/death se fusionan con voces agresivas y climas nocturnos.

En Grist encontraran un sonido similar al de Converge, Pig Destroyer o The Dillinger Escape Plan, pero con mucha mas personalidad, debido a la presencia de la electrónica en sus temas.

________________________________________________________

135. Clinic - Visitations

Tras la experimentación de Winchester Cathedral (2004), la banda inglesa Clinic, retorna al sonido característico de sus dos primeros álbumes.

La diferencia es que Visitations no se muestra tan lineal como sus primeras obras. Hay mucha variedad en los temas, así como una instrumentación y arreglos, que no estaban presentes en su música.

Suenan a su primer disco Internal Wrangler (2000), pero en esta ocasión reciclan esas citadas influencias de Wire, Can, Pixies, The Velvet Underground y Phil Spector, para juntarlas en una amalgama musical más accesible.

En líneas generales, es un disco que los regresa a su forma original: un sonido surrealista y primitivo, bañado de psicodelia de los 60 y mucho contenido introspectivo y psico-dramático.

________________________________________________________

134. Brazilian Girls - Talk to La Bomb

Segundo disco de estudio del grupo neoyorquino Brazilian Girls y la continuación de su homónimo debut del 2005.

En Talk to La Bomb, el sonido de Brazilian Girls se torna más oscuro y pausado en relación a su primer disco. Ahora hay más ritmos sosegados de down tempo, más ambientaciones chill out y una variada gama de elementos vocales por parte de su vocalista Sabina Sciubba.

Igualmente, el carácter cosmopolita de su música continúa presente, ya que Sciubba sigue cantando en múltiples idiomas como el inglés, el español, el italiano, el alemán y el francés. Asimismo, la variedad de estilos de su sonido sigue impregnado de mucho jazzhouse, electro, trip hop, bossa nova e industrial.

En definitiva un disco relajante donde se cruzan los ecos de Morcheeba, Zuco 103, Stereolab, Filla Brazillia, Gus Gus y Brigitte Fontaine.

________________________________________________________

133. The Radio Dept. - Pet Grief

En este segundo álbum, la banda se aleja de ese sonido shoegaze de su primer disco, cosa que ya venian haciendo en sus últimos EP’s publicados “Pulling Our Weight” (2003) y “This Past Week” (2005). Esta vez, The Radio Dept. se involucra en un mundo más electrónico, sin tantas guitarras disonantes y con melodías más pop y mucha ambición musical.

Si antes sonaban a My Bloody Valentine y a The Jesus and Mary Chain, ahora suenan a Prefab Sprout, New Order e incluso algo de Air. Ahora reina un sonido más synth pop, donde predominan las bases electrónicas y las guitarras cristalinas que evocan el lado más sutil de The Cure, rodeando de una atmósfera celestial y melancólica a casi todo el disco, donde también resaltan las voces tenues que logran un efecto muy apacible y confortable.

________________________________________________________

132. Amon Amarth - With Oden On Our Side

Sexto álbum de la banda sueca Amon Amarth, en el cual continúan con su aplastante propuesta de death metal melódico bañado de mucha mitología vikinga y un sonido dinámico de gruesas guitarras y constantes cambios de ritmo.

With Oden On Our Side es un álbum que destaca por una producción impecable y por contar con una sincronización musical de altura. Amon Amarth te traslada al corazón de las tierras vikingas, por medio de un enérgico viaje que va desde el death melódico más clásico y típico, hasta poco a poco ir evolucionando y meterte de lleno en la estela del progresivo.

También hay mucho del sonido death metal de los 80 y toques provenientes del metal más puro, como los trabajos de Iron Maiden y Judas Priest, así como parte de la vena progresiva del sonido de Opeth.

Igualmente, el sonido logrado por los guitarristas (Soderberg y Mikkonen) alcanza la fuerza y la energía necesaria para comandar esta majestuosa batalla épica llamada With Oden On Our Side.

________________________________________________________

131. Tilly and the Wall - Bottoms of Barrels

Bottoms of Barrels es la segunda placa discográfica de ésta agrupación procedente de Omaha, Nebraska (USA) y la continuación de su disco “Wild Like Children” del 2004.

En Bottoms of Barrels la banda continúa con la exuberancia, el dramatismo y la emoción adolescente conseguida en su álbum debut. Aquí su peculiar sonido twee pop/indie pop sigue intacto, retomando los retoques estilísticos del folk, el sonido lo-fi y sin olvidarse de su particular percusión, hecha a base de los taconeos de la bailarina de tap Jamie Williams.

Igualmente en éste trabajo, mantienen las armonías vocales de sus cantantes, ese cierto aire a Rilo Kiley, Bright Eyes o The Go! Team y los ecos de las bandas representativas del sello Sarah Records.

Aunque la diferencia es que ahora la banda se muestra con más experiencia, ganando confianza como músicos y aumentando su propuesta sonora, la cual aparece más calida y campestre que antes. Otra particularidad es la ganancia en texturas adornadas por acordeones, trompetas, panderetas, violines, chelos, saxofones y la ampliación de las tonalidades logradas con sus guitarras, pianos y unos órganos muy bien trabajados.

________________________________________________________

400 Discos del 2006 (150 - 141)

400 Discos del 2006 (150 - 141)

150. EF - Give Me Beauty...or Give Me Death!

Álbum debut de esta agrupación sueca, en el cual combinan elementos del ambient, el shoegaze, el post-rock y el dream pop.

Give Me Beauty...or Give Me Death! es un álbum netamente instrumental, en el cual intervienen violines, acordeones, melódicas, órganos y chelos. La banda hace un post-rock poco agresivo y sí muy melancólico, apoyado por guitarras cristalinas, crescendos majestuosos y una épica instrumentación acompañada por mucha armonía vocal.

Es un álbum para aquellos seguidores de bandas como Explosions In The Sky y Godspeed You! Black Emperor.

________________________________________________________

149. The Flaming Lips - At War with the Mystics

At War with the Mystics es un álbum inundado en una atmósfera sociopolítica e introspectiva que mantiene ese sonido característico de la banda, que combina el rock sinfónico, progresivo y el noise pop, pero con un carácter tan personal que resulta casi imposible encontrar a grupos que se le parezcan.

El disco abre irónicamente con “The Yeah Yeah Yeah Song", un tema con cierto aire a Paul Simon, continúa “Free Radicals” tema que parece una mezcla entre Prince y Daft Punk, igualmente siguen temas al muy estilo de “The Soft Bulletin” como "My Cosmic Autumn Rebellion", "Vein of Stars" y "The Wizard Turns On..." donde predominan la atmósferas espaciales similares a Pink Floyd.

Destacan las cálidas piezas “Mr. Ambulance Driver” y “Goin’ On”, el paisaje surrealista de “Haven’t Got a Clue” y “The W.A.N.D.”, así como la épica “Pompeii Am Gotterdammerung” donde Pink Floyd vuelve a ser la clara referencia.

En definitiva, la virtud de The Flaming Lips para crear una exótica amalgama de psicodelia y pop ensoñador, sigue intacta en At War with the Mystics, pero a diferencia de sus dos anteriores álbumes, éste no engancha tan fácilmente, cosa que no le quita mérito al disco, ya que a lo largo de varias escuchas descubrirás diversas tonalidades sonoras inmersas en el universo musical de los Flaming Lips.

________________________________________________________

148. Celtic Frost - Monotheist

Monotheist marca el regreso musical de esta mítica banda procedente de Zúrich, Suiza.

Conocidos por ser unos de las principales influencias del género Death Meatl, Celtic Frost retorna luego de dieciséis años de ausencia. Y parece que el tiempo no les cayó mal, ya que, en Monotheist la banda fortalece su brutal sonido, logrando un álbum totalmente negro, terrorífico y extremo.

Regresan más pesados que nunca, y con nuevos aires de vanguardia (hecho que siempre ha estado presente en su música) realizando un disco que figura como lo más relevante del avant garde metal actual. Mucha concentración de riffs lentos, que bordean las líneas del Doom y ritmos pausados llenos de contundencia, a lo cual le añaden pequeños toques electrónicos, para aumentar los matices de sus atmósferas.

Con este trabajo, Celtic Frost se reinventan una vez mas, al lograr combinar los ambientes oscuros y el profundo sonido de sus primeros álbumes con experimentaciones atípicas de la música extrema.

________________________________________________________

147. Luomo - Paper Tigers

El finlandés Sasu Ripatti regresa con su tercer álbum bajo el seudónimo de Luomo.

En Paper Tigers, el microhouse se expande y se transforma en un glitch-house de última generación. Ahora la electrónica cobra una experimentación rítmica más amplia, en comparación a sus previos trabajos bajo el nombre de Luomo.

Predomina una electrónica nocturna, sensual e hipnótica y con los elementos suficientes como para no agotar los recursos musicales de Sasu Ripatti. La mayoría de las canciones presentan una base que liga el microhouse con el minimal techno y el dance.

Aunque también hay pequeños guiños con el dub, el electro y un aderezo muy jazzy, gracias a la voz de su compatriota Johanna Iivanainen, quien canta en la mayoría de los temas que componen el álbum.

________________________________________________________

146. Magyar Posse - Random Avenger

Tercer álbum de ésta banda finlandesa y la continuación de su disco Kings of Time del 2004.

En Random Avenger, la música de la banda adquiere un sonido más aventurero y ambicioso. Magyar Posse, se olvida de las oscuras atmósferas de Kings of Time y opta por realzar la técnica de sus composiciones, con el fin de lograr un sonido más concreto.

Ahora, lo que más destaca en sus canciones, es un mayor uso de sintetizadores, sampleos y adornos electrónicos. Igualmente, hay más capas de sonidos y una minuciosa instrumentación, que va desde lo más clásico a lo más enérgico, como si se tratara de unos Godspeed You! Black Emperor fusionados con los primeros trabajos de Terry Riley o Steve Reich.

Suenan a un post-rock épico con tintes sinfónicos y espaciales. Con temas más minimalistas, elegantes, dinámicos y melancólicos, además de optar por mucha combinación de música cinemática y ambientes impregnados de fantasía y majestuosidad.

________________________________________________________

145. The Mars Volta - Amputechture

Tras la edición de su disco “Frances The Mute” en el 2005, la agrupación The Mars Volta presentó en el 2006 su tercer álbum de estudio llamado “Amputechture”.

Este trabajo de The Mars Volta presenta un cambio en comparación a sus dos previos trabajos. Esta vez la banda ha dejado un poco el lado agresivo de su sonido y se ha metido de lleno en una nueva onda más lisérgica y expansiva. Sí antes la música de The Mars Volta te parecía muy extensa, ahora sus composiciones se han vuelto mas largas que de costumbre.

Ahora lo que predomina son los medios tiempos sin tantas complejidades en la instrumentación, pero esto no quiere decir que se han olvidado de la experimentación y la psicodelia que los caracteriza, ya que en “Amputechture” la complejidad sonora se ha hecho de otra forma: menos violenta y enfocada más el prog-rock, el krautrock, el jazz, el blues y en los extensos pasajes psicodélicos.

En cuanto a Cedric, sus líneas vocales siguen tan estupendas como siempre, manteniendo sus excesos dramáticos en sus vocalizaciones y cantando con su peculiar tono de voz tanto en inglés como en castellano y algo de francés. Sus líricas en esta ocasión están inspiradas sobre las noticias actuales acerca de las marchas de inmigrantes mejicanos y de hechos como el de una mujer romana que fue encarcelada hasta su muerte por un sacerdote (por decir que hablaba del diablo).

En resumidas cuentas “Amputechture” habla sobre el temor del catolicismo al Ser Superior en vez del amor hacia el y enfocándose más que todo en la religión, como la principal causa del conflicto mundial actual, como lo explica en sus temas "Tetragrammaton" (nombre de dios en hebreo), Vicarious Atonement (en relación al calvario y expiación por parte de Cristo), Meccamputechture (sobre el Islam, la Meca y el terrorismo).

En definitiva un disco con una notable evolución en el sonido de esta banda, pero conservando las influencias de las agrupaciones que los han inspirado como Rush, King Crimson, Pink Floyd, Led Zeppelin y sin olvidarse de las raíces latinas de parte de sus integrantes.

“Amputechture” fue producido por Omar Rodriguez-Lopez y cuenta con la colaboración de John Frusciante en el tema "Asilos Magdelena".

________________________________________________________

144. Flying Canyon -Flying Canyon

Flying Canyon es una banda formada por Cayce Lindner junto a Glenn Donaldson y Shayde Sartin, ambos miembros de The Skygreen Leopards.

Y bajo este homónimo debut, este proyecto plasma un folk psicodélico, con muchas atmósferas oscuras y densos pasajes, con pequeños trazos del stoner y el country más tenue y clásico.

Es una música sobrecogedora, con mucha influencia del sonido de Neil Young, Skygreen Leopards, Leonard Cohen, The Eagles y David Crosby, pero adaptándolas a un sonido mas contemporáneo, como si se tratara de una especie de doom folk y con mucho parecido a los trabajos de Six Organs of Admittance o Boduf Songs.

________________________________________________________

143. DAT Politics - Are Oui Phony??

Segundo lanzamiento de los franceses DAT Politics en el año 2006.

Are Oui Phony?? es un mini-álbum de 22 minutos, compuesto por siete canciones en donde concentran parte de ese collage sonoro de glitch y electro pop logrado en su anterior placa.

Un álbum con mucha electrónica frenética hecha a base de laptop y canciones pegajosas, que sirven como el complemento perfecto de su hijo más cercano (Wow Twist).

Por si fuera poco, en Are Oui Pony?? invitan a la artista Kevin Blechdom, para que preste su voz en el tema "Motor Day".

________________________________________________________

142. The Appleseed Cast - Peregrine

En Peregrine la música de The Appleseed Cast mantiene esas simples melodías ejecutadas con gran frescura interior que logran cautivarte e inmiscuirte en un ambiente que, aunque superficialmente sencillo, es mucho más visceral y espontáneo de lo que parece a simple escucha.

En un disco bien estructurado que fusiona de gran forma las atmósferas sombrías con las luminosas y en donde la banda decide enfocarse más en el post-rock en vez de esa dirección emotiva que los ponía a la par de bandas como Sunny Real Date State.

________________________________________________________

141. Gnarls Barkley - St. Elsewhere

Gnarls Barkley está formado por el cantante, rapero, escritor y productor Cee-Loo, más conocido por ser miembro de Goodie Mob y por el DJ y productor americano Brian Joseph Burton, más conocido como Danger Mouse y por sus trabajos como productor del segundo álbum de Gorillaz el “Demon Days” (2005) y sus colaboraciones con Mf. Doom, bajo el nombre de Dangerdoom.

Esta combinación dio como resultado uno de los discos más variados del 2006 , forjando lo mejor del r&b, hip-hop, gospel, pop, soul, jazz y el funk con algunos toques de rock y electrónica a base de sampleos.

Un disco altamente recomendable que recoge la esencia retro de la música negra y el espíritu del Motown para adaptada a una fórmula neo-soul donde el sentimiento de Marvin Gaye y la espontaneidad de OutKast se unen con el drama de Jeff Buckley y la oscuridad de Nick Cave, al tocar temas como la necrofilia y temas introspectivos acerca de pensamientos suicidas.

Pero en el álbum no solo abundan las líricas oscuras y profundas, ya que también dan cavidad a letras más positivas o de carácter más cotidiano, como el amor, el desamor y el existencialismo.

En definitiva, Gnarls Barkley ha combinando las emociones humanas con una música colorida donde se exploran diversos sonidos y temas, lo que hace de “St. Elsewhere” uno de los álbumes mas llamativos del 2006.

________________________________________________________

400 Discos del 2006 (160 - 151)

400 Discos del 2006 (160 - 151)

160. Genghis Tron - Dead Mountain Mouth

Dead Mountain Mouth es el debut en larga duración de este trío oriundo de Poughkeepsie (Nueva York) y marca la continuación de sus dos previos EP's.

Bajo las influencias de bandas tan dispares como Kraftwerk, Skinny Puppy, Fugazi, Brutal Truth o Converge, la banda plasma su interés por fusionar dos géneros muy diferentes, como lo son el grindcore y la electrónica. Con su música se atreven a romper el molde para llevarlo a terrenos brutalmente desconocidos.

No es algo del otro mundo, pero si una nueva forma de mostrar un sonido grindcore más arriesgado, gracias al uso de mucho noise y sonidos electrónicos, que le aportan algo más llamativo a un género casi intocable o inmutable.

Dead Mountain Mouth es un álbum cargado y pesado, donde las atmósferas de ruido, los beats y un match core sintético se convierten en la médula espinal de un sonido que se consolida como una de las propuestas mas interesante de los últimos años.

________________________________________________________

159. aMute - The Sea Horse Limbo

Dos años transcurrieron desde su espectacular debut "A Hundred Dry Trees". Y en el 2006 el belga Jérôme Deuson alias aMute presentó su disco "The Sea Horse Limbo" donde expande su uso de guitarras y glitches para incluir baterías, chelos y voces, en una colección de temas luminosos cocinados al sol.

Un trabajo épico y cargado de detalles, osado y emocionante. A veces denso o plagado de texturas, muy similar a Tim Hecker o un Fennesz, otras mucho más frágil, bello y cargado de abrasiva energía.

________________________________________________________

158. Sally Shapiro - Disco Romance

Sally Shapiro es el seudónimo, de esta cantante sueca de nombre desconocido y del cual se sabe muy poco, debido a su bajo perfil y a la supuesta timidez que rodea su persona, ya que la misma, tampoco canta en vivo y no deja que los periodistas le tomen fotos.

Pero Disco Romance es su álbum debut y en el mismo se respira la más pura esencia del europop y el italo disco de los 80.
Como si estuvieses escuchando a las divas de hace dos décadas Valerie Dore, Sabrina Salerno y Sandra Cretu .

Mucho sonido nocturno y artificial, donde la dulce voz de Sally aparece bañada por sintetizadores, ritmos, baterías electrónicas y melodías propias del italodisco, el synt-pop y el electro.

________________________________________________________

157. The Most Serene Republic - Phages [EP]

Tras editar su fabuloso debut en el 2005, los canadienses The Most Serene Republic, retornaron en el 2006, con su primer EP titulado “Phages”.

Phages está formado por ocho canciones y es presentado como un “tour EP”, en donde continúan con sus desarrollos multi-instrumentales y sus raíces propias del indie rock, para conjugarlas finalmente en frescas y estilizadas melodías.

Siguen evocando tanto a sus colegas Broken Social Scene y a los Death Cabe For Cutie, y se siguen moviendo dentro de las estructuras musicales de su debut. La diferencia es que en “Phages” se enfocan en melodías más trabajadas y se funden en un sonido más dinámico, noisy y ensoñador.

________________________________________________________

156. Té - If That Is What Is Being Thought, Liberated Sound Talks the Depth of [Musical] World.

Debut de esta banda japonesa, quienes hacen un post-rock instrumental influenciado por Mogwai, Appleseed Cast, Tristeza, Slint, Godspeed You Black Emperor y Mono.

La instrumentación de su música bebe mucho del math rock y se apoya mas que todo por los muros de sonidos a base de guitarras, así como, de variados elementos del noise y disonancias que recuerdan mucho a los trabajos de Sonic Youth y Explosions in the Sky.

Un álbum épico, impregnado por mucha fuerza, momentos calmados y delicadas ambientaciones que ayudan a variar el clima sonoro de su música.

________________________________________________________

155. Neil on Impression - The Perfect Tango

Segundo trabajo de los italianos Neil on Impression, en donde reúnen cuatro temas de carácter épico y con mucha influencia del post-rock y los trabajos cinematográficos de Riz Ortolani y Bruno Nicolai.

La dulzura y la melancolía de sus composiciones son el eje central del disco, donde la instrumentación es construida a base de pianos, violines y trompetas, que se fusionan con gran variedad de sonidos propios del post-rock.

The Perfect Tango también está cargado por diversas capas sonoras, así como también, retazos de un sonido muy jazzy y mucha influencia de la música clásica, lo que da como resultado un sonido atmosférico, con aromas misteriosos.

________________________________________________________

154. Hanne Hukkelberg - Rykestraße 68

Segundo álbum de la noruega Hanne Hukkelberg y la continuación de su disco Little Things del 2004.

Rykestraße 68 esta envuelto por una atmósfera más oscura que la de su debut. Pero sin olvidarse de esa calidez e hipnotismo de su predecesor. Por su parte, el eclecticismo sonoro se hace presente una vez más, ya que, en Rykestraße 68, hay esa gran variedad de instrumentos y sonidos encontrados de su primer disco.

Igualmente la calidad vocal de Hukkelberg continúa a la altura, comandand un trabajo de tintes cinéticos, en donde el jazz, la electrónica y el post-rock se mezclan con las marcadas influencias de Kings of Convenience, Björk, Stereolab y Tori Amos.

________________________________________________________

153. Triarii - Pièce Héroique

Pièce Héroique marca el regreso del alemán Christian Erdmann, tras el lanzamiento de Ars Militaria en el 2005.

En Pièce Héroique, el dark ambient, el folk, el industrial y las marcadas marchas orquestadas vuelven a ser el corazón dentro de la música comandada por Christian Erdmann.

Como si se tratara de los soldados legionarios de la antigua Roma, la música de Triarii, se vale de las marchas apocalípticas para marcar el ritmo del álbum. Aunque en esta ocasión, el sonido se afianza por un aire neoclásico y por atmósferas más densas, lo cual le aporta más variedad a su sonido.

Igualmente, Pièce Héroique muestra un mayor número de ideas a diferencia de su debut, ya que, en el álbum la instrumentación cobra más protagonismo, buscando el uso de melodías más suaves y experimentando más con los coros y los sampleos.

Por otra parte, siguen las desasosegadas atmósferas marciales, así como melodías que evocan los trabajos de H.E.R.R., Ordo Rosarius Equilibrio, Arditi, Wappenbund y Der Blutharsch.

________________________________________________________

152. Oh No! Oh My! - Oh No! Oh My!

Oh No! Oh My! es una agrupación formada en Austin, Texas (USA) por tres jóvenes, con el simple hecho de dar a conocer su música a través del mejor estilo de DIY, “Do It Yourself” (Hazlo tú mismo).

La banda esta integrada por Greg Barkley (voz, guitarra, bajo, banjo, acordeón, percusión y pianos tipo Rhodes y Wurlitzers), Daniel Hoxmeier (guitarra, banjo, acordeón, teclado, pandereta, percusión, sampleo y programación) y Joel Calvin (batería, teclado, pandereta, campanas y una gran variedad de instrumentos de percusión).

Comenzaron tocando en Nashville bajo el nombre de The Jolly Rogers y con un estilo de música más depresivo, pero todo esto cambió cuando la banda optó por cambiarse el nombre a Oh No! Oh My! (Nombre tomado de una canción de The Robot Ate Me) para así darle un tono más colorido a su música.

Juntos reunieron sus ideas musicales e influencias de grupos como Belle and Sebastian, Magnetic Fields y The Shins, para hacer (según ellos) una especie de “post-pop” pegadizo de frescas melodías y con cierto toque de encanto.

Y el resultado logrado se encuentra en este homónimo debut distribuido por ellos mismos, donde su simpático y alegre sonido es delineado por once coloridas canciones de fácil escucha. Como si The Unicorns sonaran menos arriesgados y con una estructura musical similar a Clap Your Hands Say Yeah, The Boy Least Likely To y Of Montreal.

En definitiva, un primer trabajo compuesto por un sonido sencillo, inteligente, divertido y adictivo, con letras irónicas y elementos del twee pop, folk e indie rock.

________________________________________________________

151. Psapp - The Only Thing I Ever Wanted

Segundo álbum de este dúo londinense formando por la cantante, tecladista y violinista inglesa Galia Durant y el multi-instrumentista alemán Carim Classmann, el cual ha trabajado con artistas de la talla de Einstürzende Neubauten y Natacha Atlas.

En este nuevo disco, continuan con su propuesta sonora a base de una gran cantidad de instrumentos, como violines, teclados de juguete, xilófonos, guitarras y pianos, lo que le da cierto aire folk a su música.

Además, a esto le añaden una electrónica sofisticada a base de laptops, lo que da como resultado un sonido muy cristalino y cautivante, cercano al pop y al post-rock, pero con una instrumentación como eje fundamental de experimentación, donde se aprecian los ecos de Piano Magic, Stereolab, Camera Obscura, Colleen, Broadcast, Laika y Múm.

400 Discos del 2006 (170 - 161)

400 Discos del 2006 (170 - 161)

170. Mono - You Are There

El cuarteto oriundo de Tokyo, retornó el 2006 para entregarnos el sucesor de su “Walking Cloud and Deep Red Sky, Flag Fluttered and the Sun Shined” (2004).

You Are There es un disco que continúa con la misma línea de su anterior trabajo, basado en una fuerte dosis de post-rock/noise experimental de carácter instrumental, pero mostrando un sonido más comprimido, sin llegar a los agresivos momentos de álbumes pasados.

El disco está compuesto por seis temas de carácter épico, carentes de letras y en donde el juego de contrastes entre la intensidad y la sutileza, te da la oportunidad de respirar entre cada canción.

Canciones que se expanden al mejor estilo post-rock como los temas “The Flames Beyond the Cold Mountain”, “Yearning” o “Moonlight”, donde el ruido, las guitarras corrosivas y los crescendos te sumergirán dentro de la tempestad sonora de Mono. Por otra parte se hacen presentes las melodías paradisíacas en “A Heart Has Asked for the Pleasures” o “The Remains of The Day” que sirven como introducción a los temas más fuertes.

En definitiva un disco envuelto por atmósferas inquietantes y con cierto sentimiento musical que lo pone cerca de bandas como Pelican o Isis.

You Are There ha sido producido por el genio Steve Albini.

________________________________________________________

169. Klaxons - Xan Valleys [EP]

Debut de esta banda inglesa, a la cual la revista NME le adjudica la etiqueta de new rave, género inspirado en revivir gran parte de la esencia de la escena rave de los 90.

Pero más allá de una simple etiqueta o un nuevo estilo, Klaxons forja un sonido que rescata el color y la luz de la ciudad de Londres de los 90s y la fusiona con elementos del new wave, el dancepunk y mucha esencia indie.

Mas que un nuevo estilo, es una nueva propuesta por revitalizar el pasado, haciéndolo de una forma fresca, bebiendo tanto de la electrónica mas luminosa y festiva como de las guitarras y los teclados mas estridentes.

________________________________________________________

168. Goodnight Loving - Cemetery Trails

Debut de esta banda de Milwaukee, que hace una especie de pop/folk atemporal, cargado de mucha instrumentación clásica y melodías que evocan nostalgia. Pero al mismo tiempo, su sonido emana frescura, ya que este es muy limpio y fácil de digerir.

Su música es una variada mezcla de rock, pop, folk, country y blues. Como si Uncle Tupelo se fusionara con The Feelies y el ruido melódico de The Pixies.

________________________________________________________

167. The Red Krayola - Introduction

La banda tejana The Red Krayola, famosa por ser uno de los pilares del rock experimental y psicodélico de los años 60, regresó el 2006 para entregarnos un nuevo álbum.

Un disco que se presenta como el más accesible de toda la carrera de The Red Krayola y en donde Mayo Thompson contó con la ayuda de Stephen Prina (Gastr Del Sol), John McEntire (Tortoise, Sea & Cake) y Tom Watson (Overpass, Slovenly).

En Introduction la música de The Red Krayola se ve más orientada al concepto de la canción como tal, donde combinan géneros como el rock, pop, country, jazz y anti-folk, pero sin olvidarse del enfoque experimental que caracteriza a la banda, muy similar a lo que hacia Captain Beefheart en su época.

En definitiva un disco sofisticado e irreverente, que muestra una cara nunca antes vista de la banda y a un Thompson más revelador que de costumbre.

Para los que desconocen la banda, Introduction podría servir como punto de partida para conocer a una banda que lleva haciendo música por más de 40 años y es una de las más importantes dentro de la historia del rock experimental.

________________________________________________________

166. John Zorn - Moonchild: Songs Without Words

Este disco bajo la batuta de John Zorn cuenta con la colaboración del vocalista Mike Patton, el baterista Joey Baron, y el bajista Trevor Dunn.

Moonchild: Songs Without Words, es un disco que se aleja de las direcciones jazzys de sus otros trabajos y se acerca mas al sonido enérgico del metal y el hardcore.

Este álbum, nos sumerge en el mundo extravagante y experimental de las composiciones de John Zorn. Mucha improvisación y vanguardia, en este amasijo brutal de sonidos, donde chocan el noise, el hardcore, el post-rock y mucho desenfreno instrumental.

Con este trabajo, John Zorn buscó una manera más contemporánea de expresar su música. Por eso se decidió juntar a los tres músicos nombrados anteriormente, para que ellos mismos se hicieran cargo de las brutales composiciones de este músico norteamericano.

________________________________________________________

165. Dhafer Youssef - Divine Shadows

Dhafer Youssef es un cantante, intérprete del laúd árabe y compositor de origen tunecino.

Divine Shadows es su tercera entrega, en la que Youssef combina a la perfección el misticismo de la tradición sufí con elementos contemporáneos de música electrónica y jazz, aunque para este álbum, se nota un trabajo más compacto y personal, en comparación a sus previos álbumes.

Se destacan los largos desarrollos vocales en la mejor tradición sufí, arreglos instrumentales mínimos, una banda de auténtico lujo (ojo a la influencia Jazzland) y el portentoso modo en que Youssef transmite a través de su voz y su laúd árabe, hacen de esta nueva entrega una experiencia sónica en toda regla. Belleza pura imposible de explicar en palabras; necesario para cualquier aficionado a de la world music.

________________________________________________________

164. Built to Spill - You In Reverse

Luego de cinco años sin editar disco, Built To Spill regresó para presentarnos un excelente trabajo y donde queda claro que Doug Martsch sigue siendo uno de los mejores compositores de la escena independiente americana.

La lírica atractiva, llena de introspección y temáticas convencionales no es lo único que hace perfecto este disco, ya que, a lo largo diez temas, Built To Spill derrocha una emotividad admirable, gracias a su sonido casi cristalino y bien registrado.

El disco abre con la épica “Goin’ Against Your Mind” una pieza de más de ocho minutos de duración. Continúan temas cargados de emotividad como “Traces”, “Liar” y “Gone” (con cierto parecido a Neil Young), la atmósfera de Pink Floyd se siente en “Wherever You Go”, la rica melodía se hace presente en “Conventional Wisdom” que suena casi como una mezcla entre Dinosaur Jr. y Crazy Horse.

”Mess With Time” podría ser el tema mas disparejo del disco, un tema con mucha fuerza, apoyados por agresivos riffs que recuerdan mucho a Wipers.

En los dos últimos temas “Just a Habit” y “The Wait” la psicodelia y las atmósferas espaciales estan presentes y en ambas piezas destaca el excelente trabajo de Doug en la guitarra.

En definitiva”You In Reverse” es otro disco redondo dentro de la prolífica carrera de Built To Spill, sin ninguna apreciación de acentuada mejora o declive, es simplemente eso, otro disco de Built To Spill, donde la banda pone toda su sapiencia para que todo suene en su sitio, con la fuerza necesaria y la suavidad requerida.

Cabe destacar que en este nuevo trabajo incluyen a Jim Roth (guitarrista que forma parte de las giras de Built To Spill desde 1999).

________________________________________________________

163. Crystal Castles - Alice Practice [EP]

En las calles de la ciudad de Toronto (Canadá), un joven chico llamado Claudio, se encuentra un teclado en el basurero ubicado al lado de su edificio. Al llegar a su casa Claudio se acordó de la consola de videojuegos Atari 5200 que había encontrado una semana atrás y decidió procesar el chip de sonido de la consola dentro del teclado, para así tener un mayor control en los sonidos a través de su laptop.

Luego de varios días experimentando e improvisando con algo de ruido y sonido, Claudio opta por darle parte de estos temas a una chica que conoció llamada Alice, para que ella finalmente aportara las voces a la música hecha por Claudio. Meses después entraron al estudio con el teclado roto y un micrófono descompuesto, para grabar de nuevo unos temas, en donde Alice cantaba sobre las pistas de Claudio a manera de prueba y no en pro de hacer una banda por el simple hecho de que no contaban con los equipos necesarios.

Luego de esto, Alice y Claudio, dejaron de verse por un largo tiempo. Seis meses después Claudio vuelve a escuchar sus grabaciones y decide crear una cuenta en MySpace para subir parte de los temas grabados con Alice. El nombre escogido fue el de Crystal Castles en honor al famoso castillo de la serie animada She-Ra (la hermana de He-Man).

Y a partir de ese momento es que Crystal Castles comienza a dar que hablar, hasta que finalmente un año después diversos sellos disqueros comenzaron a contactar a Claudio, forzándolo a que se reuniera con Alice de nuevo.

Ambos no tenían idea de lo que estaba ocurriendo, pero a pesar de esto decidieron lanzar un EP casero que los mantuvo de gira por locales de su ciudad y posteriormente en diversas ciudades del Reino Unido.

Su música iba creciendo aún más gracias a la Internet y los diversos blogs de la web y finalmente eligieron el sello Merok Records para la edición de su primer EP de siete pulgadas llamado “Alice Practice”, el cual está formado por cuatro temas y en donde la banda plasma todo su arsenal sonoro.

Con este EP, los Crystal Castles, presentan su intenso y distorsionado sonido, forjado a través de ritmos pulsantes donde chocan el electro-punk y la rabia del glitchcore. Un sonido muy áspero pero a la vez pegadizo, con la intención de hacer ruido y divertirse, recogiendo parte de la estela llamada “new-rave” de bandas como Klaxons y combinando la actitud riot grrl y el sonido enérgico e intenso de bandas femeninas como las Yeah Yeah Yeahs, Mu, Erase Errata o las Chicks On Speed con una fuerte dosis sintética de unos Nintendo Teenage Robot y unos Printed Circuit.

________________________________________________________

162. Drop the Lime - We Never Sleep

Segundo álbum del proyecto Drop the Lime del músico y cantante neoyorquino Luca Venezia.

En We Never Sleep, se explora toda esa gama musical ligada a la escena grime y el breakcore actual. Un álbum donde el breakbeat y el dubstep se cruzan de la mejor manera, para forjar un sonido bailable, festivo y nocturno que evoca mucho de la escena rave de los 90.

Mucho groove y electrónica hecha a base de breaks acelerados, variadas secuencias y cambios de ritmo, en donde entran el jungle, el hardcore, el 2 step, el drill’n’bass, el drum’n’bass, el techno y la experimentacion. Además, de contar con la voz de Luca Venezia, la cual esta fuertemente inspirada por el soul y el hip-hop.

________________________________________________________

161. Gregor Samsa - 55:12

Segundo disco de Gregor Samsa luego de su “27:36” del 2003.

Si el nombre les suena familiar, se debe a que esta banda ha tomado su nombre del protagonista de “La Metamorfosis” relato de Franz Kafka publicado en 1915.

La música de Gregor Samsa se caracteriza por una experimentación que transita por el post-rock y el shoegaze, un sonido muy cautivador, hipnótico y ensoñador donde abundan ruidos ambientales y texturas autocomplacientes. Un sonido muy similar a bandas como Sigur Ros, Mogwai, Low, Slowdive y Labradfor.

El disco fue grabado en el Recorditorium de Richmond y fue producido por Jason Laferrera y mezclado por Brian Paulson (Slint, Wilco, Beck).

400 Discos del 2006 (180 - 171)

400 Discos del 2006 (180 - 171)

180. Midlake - The Trials of Van Occupanther

The Trials of Van Occupanther es el segundo álbum de esta banda procedente de Texas, en la que deciden desviarse de ese sonido lo-fi de su primer disco, para centrarse en una vía mas vintage, cercana al folk, pop y rock de los años 70.

Un sonido cercano a Fleetwood Mac, Neil Young, America o The Flyng Burrito Brothers, el cual aparece registrado en once piezas óptimamente trabajadas a nivel compositivo y de cómoda escucha.

The Trials of Van Occupanther, se muestra mucho más nítido y limpio que en su antecesor, pero conservando ese estallido de sensibilidad en su música, apoyada en unas líricas referentes al amor y a la introspección. Y en una instrumentación, marcada por las guitarras eléctricas y acústicas, el piano, el violín, la flauta y la excelente voz de Tim Smith, la cual recuerda a Rufus Wainwright y en algunas veces al quebradizo tono de Thom Yorke.

Es un Midlake con un sonido más pulido y digerible, muy a la par de bandas como Keane o Travis, pero fusionando la esencia de los grupos nombrados anteriormente, con una tenue psicodelia cercana a Grandaddy o The Flaming Lips, la cual sirve para crear un ambiente mágico en su música.

________________________________________________________

179. The Paper Chase - Now You Are One of Us

Cuarto trabajo discográfico de esta banda oriunda de Dallas.

Now You Are One of Us muestra de nuevo la paranoia, el ruido y la cacofonía de sus previos trabajos. Aunque ahora la tensión aumenta al darle un toque más agobiante a sus letras, las cuales están ligadas a la brutalidad, la muerte, fantasmas y textos de contenido críptico y esotérico.

Hacen de las suyas con la disonancia, el juego de sampleos y los pianos punzantes, para aumentat el carácter caótico de su música.

Un sonido surrealista y vanguardista, que retuerce el noise y el post-punk y lo transforma en un escalofriante universo, donde se cruzan The Jesus Lizard, Xiu Xiu y Shockabilly.

________________________________________________________

178. Grandaddy - Just Like the Fambly Cat

“Just Like the Fambly Cat” representa el último trabajo de ésta formación californiana, que anuncio su separación en enero del 2006.

El titulo del álbum, en parte hace referencia a la mascota de la infancia de Jason Lytle que se murió, y es precisamente sobre eso, sobre finales. "Lo que sucede es que me he dado cuenta que los gatos saben que cuando es su tiempo de irse o morir, en vez de hacer un gran espectáculo de ello, tienen una forma muy digna de desaparecer." comenta Lytle.

Just Like the Fambly Cat, muestra melodías más pop que de costumbre, pero igualmente retoma elementos de su exitoso “The Sophtware Slump” del 2000 y su anterior trabajo “Sumday” del 2003.

Siguen sonando diferentes, logrando dar color y vida al panorama musical, ya que cubren a sus composiciones en un mundo de fantasía, que te envolverá en sus densas capas de sintetizadores y sus excelentes guitarras, acompañado por una música en donde sobresalen los momentos pretenciosos, los textos reflexivos cargados de melancolía y el enfoque neo-psicodelico, que los coloca a la par de bandas como The Flaming Lips, Mercury Rev, Swell o Super Furry Animals.

Just Like the Fambly Cat marca el epitafio de una excelente banda, donde extraen su esencia post-moderna y los logros de discos pasados, para darle una orientación más concisa y directa.

________________________________________________________

177. OOIOO - Taiga

Quinto álbum de este cuarteto femenino de Japón.

Taiga es una especie de post-rock experimental ligado con mucho prog-rock y pasajes repletos de jazz al mejor estilo de King Crimson. Pero mas que es eso, Taiga es un álbum que hace referencia a la naturaleza, juntando un rock de vanguardia con recursos extraídos directamente de la world music.

Plagado de sonidos tribales e influenciado por la presencia constante del jazz y el folclore africano, Taiga se convierte en un álbum poco convencional, que mezcla un eclecticismo sonoro sofisticado e innovador.

________________________________________________________

176. Scarlet's Well - Black Tulip Wings

Quinto trabajo discográfico del proyecto del hindú Ganesh Seshadri, mejor conocido bajo el seudónimo de Bid y por su trabajo como vocalista de la legendaria banda The Monochrome Set.

Black Tulip Wings muestra un sonido más consistente y redondo en comparación a sus previos trabajos y mucho de esto se debe a que es el primer disco grabado con los ocho músicos londinenses que suelen acompañar a Bid en sus directos. Ahora hay un sonido renovado y hasta temas basados en poemas de Tennyson y Poe.

Hay más elegancia, sensibilidad y canciones hechas con más cuidado, donde el indie pop, el chamber pop, la psicodelia y cierto toque medieval se juntan, para dar como resultado un álbum lleno de misterio y fantasía, comandada por una exquisita e hipnótica instrumentación.

________________________________________________________

175. Beck - The Information

Tras editar el 2005 el álbum Guero junto con los Dust Brothers, Beck retornó el 2006 para editar el disco que iba ser el sucesor de aquél “Sea Change” del 2002, pero que al final por cuestiones de preferencias Beck decidió archivarlo para centrarse de lleno en “Guero” (2005).

Si el objetivo de su anterior placa era volver en parte al sonido y a la estética de su preciado “Odeley” (1996), en “The Information” Beck ha decidido continuar con el sonido conseguido en los álbumes previos a “Guero” como lo son el “Mutations” (1998) y el “Sea Change” (2002).

Al escuchar “The Information” se puede apreciar como éste trabajo sería la continuación de su disco “Sea Change” y mucho de esto se percibe en el trabajo de producción, el cual fue llevado a cabo por Nigel Godrich, quien precisamente se encargó de sus obras más personales, por esta razón, este nuevo trabajo de Beck se sitúa entre un “Sea Change” y un “Guero”.

En este disco se funden ambas vertientes de Beck y él vuelve a hacer gala de su eclecticismo sonoro, facturando canciones frágiles que beben del Dylan más folkie y combinando esa gran diversidad de estilos, como el indie rock, el hip-hop, el funk, la electrónica, el blues y el country. Toda una mezcolanza en la que Godrich aporta sus habituales matices para simplemente adornar y resaltar la belleza austera de algunas de sus piezas.

El disco a su vez muestra un sonido muy urbano, ya que Beck se centra en recrear parte del agobiante mundo saturado de información y de tecnología.

The Information fue lanzado por el sello Interscope.

________________________________________________________

174. Skream - Skream!

Skream es el seudónimo de Oliver Jones un joven productor de dubstep, quien fue uno de los principales pioneros de este movimiento en la ciudad de Croydon en el centro del sur de Londres.

El homónimo debut en larga duración de Skream, recrea el mismo sonido de sus previos EP's, en donde se contempla la mutación sufrida por el underground electrónico del Reino Unido.

En Skream!, Olives Jones continúa con esa especie de dub siniestro ligado con techno, breakbeat y minimal, y en donde el sonido es marcado por tensos bajos y densas atmósferas, que ayudan a nutrir el sonido urbano de su música.

En conclusión, un trabajo, en el que Skream se apunta -una vez mas- como uno de los pilares de la escena dubstep británica.

________________________________________________________

173. Jarvis Cocker - Jarvis

Álbum debut del vocalista de Pulp, Jarvis Cocker, donde muestra la madurez alcanzada, tras la disolución de su banda y su corto proyecto Relaxed Muscle.

Con este trabajo, Jarvis Cocker realiza un trabajo introspectivo, inclinado hacia un pop más calmado e intimo, con tiempos lentos y estructuras convencionales del pop/rock. Se podría comparar un poco al espiritualismo conseguido en el álbum We Love Life del 2001, pero con un Cocker, mas apasionado y reflexivo que nunca.

En Jarvis, las canciones se vuelven más personales, pero la elegancia de sus temas y sus influencias habituales permanecen intactas. Como los ecos a David Bowie, T-Rex y Serge Gainsbourg. Aunque, también hay espacio para escuchar pequeños roces con Elvis Costello, The Carpenters y mucho de la esencia de Belle & Sebastian.

________________________________________________________

172. Nina Nastasia - On Leaving

Cuarto disco de esta cantante americana y que según ella misma es un álbum “más triste que demente”.

Y es que en On Leaving, se abandona un poco esa oscuridad y tensión de su anterior placa Run To Ruin del 2003. Pero, lo intersante es que no hay cambios drásticos, ya que, solo se escuchan pequeñas variaciones de formulas pasadas, en las cuales, actúa una vez mas el legendario Steve Albini, para poner todo en su lugar.

En este trabajo, Nina Nastasia, aparece acompañada por su habitual banda, quienes con notas menos etéreas, firman canciones donde el piano y la batería sobresalen cobrando mayor protagonismo, lo cual aumenta el contenido dramático en los pasajes donde la voz de Nina no obtiene una presencia absoluta.

La vena folk sigue intacta, y es lo maravilloso de este álbum, ya que Nina Nastasia más que una solista es un grupo, debido al resultado y la unidad lograda en los temas que componen el álbum.

Cada tema suena reconfortante, sumamente elegante y con un sonido envidiable para muchas voces femeninas. En definitiva una experiencia pura, para aquellos amantes de Joanna Newsom, Cat Power, Patty Griffin y Neko Case.

________________________________________________________

171. Avishai Cohen - Continuo

Séptimo disco de este bajista israelí y la continuación de su álbum At Home del 2005.

Avishai Cohen continúa cosechando frutos con su música y sorprende -una vez más- en la ejecución de su instrumento, ya que, en las manos de Cohen el contrabajo adquiere nuevos matices, dignos de escuchar.

En Continuo, los aires del Medio Oriente y el jazz marcan el paso, así como también, el dúo conformado por Sam Barsh en piano y Mark Guilliana en batería, quienes acompañan a Cohen en este hermoso trabajo, donde el jazz se fusiona con la música clásica, algo de pop y mucha influencia étnica, logrando así un sonido absolutamente original y con pocos puntos de contacto con otras obras.

400 Discos del 2006 (190 - 181)

400 Discos del 2006 (190 - 181)

190. Sunn 0))) & Boris - Altar

Altar es un disco, en el cual colaboran el dúo americano de drone metal Sunn 0))) y el grupo japonés Boris.

Tener en un mismo álbum a dos de los principales exponentes del drone metal y el sludge metal (Sunn 0))) y Boris, respectivamente) es prácticamente adentrarte en un caos sonoro único e inigualable.

Durante casi 54 minutos, estas bandas te sumergen en un mundo oscuro, alucinante y apabullante. Un ambiente sonoro, lleno de distorsión y saturación, así como de densas atmósferas y una épica psicodelia, en donde se explora -en partes iguales- los elementos de cada uno de estas agrupaciones.

El resultado es una mezcla, de drone y un post-rock muy fantasmal, aderezado por voces etéreas y con una instrumentación encaminada por las vías de la experimentación.

Cabe resaltar, que en Altar también colaboran: Kim Thayil (Soundgarden), Joe Preston (Earth, Thrones, Melvins, High on Fire), Jesse Sykes (Jesse Sykes and the Sweet Hereafter), Phil Wanderscher (Sweet Hereafter), Rex Ritter (Jessamine, Fontanelle) y Tos Niewenhuizen (Beaver, GOD) entre otros

________________________________________________________

189. Regina Spektor - Begin to Hope

La chica moscovita residente en New York regresó en el 2006 con un nuevo trabajo que marca la continuación de su disco “Soviet Kitsch” del 2004.

Al escuchar “Begin To Hope” nos encontraremos con un sonido menos arriesgado que su anterior álbum, donde la música se siente como un delicado balance entre su anti-folk de la escena East Village de N.Y de sus primeros trabajos y su “nueva postura” dentro del sello disquero Sire.

Begin to Hope adopta un sonido más accesible y producido, en el que predominan más arreglos de beats y retoques electrónicos, los cuales se unen perfectamente con su piano y teclado, aumentando así la textura de sonidos en su música.

Un ejemplo de ello, es “Better”, un tema marcado por una melodía pop a base de un riff de guitarra cortesía de Nick Valensi (The Strokes) o el tema “That Time” un tema punzante de formato pop/rock.

Igualmente sus líricas introspectivas que hablan de historias personales, amor o desamor continúan presentes, así como los ecos del jazz, la música clásica, el blues y las inevitables comparaciones a Fiona Apple, Tori Amos, Björk y la mismísima Billie Holiday.

________________________________________________________

188. Robert Pollard - From a Compound Eye

Esta sería el primer disco en solitario de Pollard tras su último trabajo con la banda Guided By Voices.

Este disco fue editado bajo el sello Merge, y es un disco doble que desde que lo escuchas te engancha, debido a su simplicidad convertida en grandeza.

Son 26 temas que recogen la experiencia personal de Pollard, presentándolo como un collage de ideas que reflejan su personalidad (un hombre que esta cercano a sus 50 años), sus influencias y sonando igual a lo que ha hecho en toda su carrera, tanto en Guided By Voices, como en sus otros proyectos paralelos.

En fin un disco que tiene los ingredientes necesarios: la espontaneidad del indie rock y la energia del lo-fi, todo bien tocado e interpretado con un sentimiento especial.

________________________________________________________

187. I'm Not a Gun - We Think as Instruments

Tercer disco de estudio de este proyecto integrado por el austriaco John Tejada y el japonés Takeshi Nishimoto.

We Think as Instruments muestra un lado más orgánico, en comparación a sus previos trabajos, debido a un mayor uso de instrumentación en influencias del jazz, en la ya conocida estructuración electrónica de sus temas.

Ahora lo orgánico se acopla perfectamente con lo artificial y da como resultado una música humeante para flotar, en donde la delicadeza de la electrónica se fusiona con pequeños pasajes acústicos.

Si te gusta la música de Nightmares on Wax, Fridge, Tied and Tickled Trio, Xelo, Helios o Sea and Cake, quizás este disco sea de tu agrado.

________________________________________________________

186. A Cloud Mireya - Singular

“Singular” es una colección de temas producidos durante los últimos 3 años por Claudia Dehea (On!Air!Library!, Daylight´s for Birds) y Guillermo S. Herren, más conocido como Prefuse 73.

Temas que empezaron como una simple diversión en los descansos de sus respectivos proyectos, pero pronto tomó forma, para convertirse en un nuevo proyecto, en donde la belleza de las armonías de Claudia, y su voz, se entremezclan con las guitarras flotantes, ocasionales ritmos y sonidos encontrados de Scott Herren, un maestro en la combinación de atmósferas.

La comparación con el último Savath + Savalas, donde contaba con la voz de Eva Puyuelo, es inevitable, pero juegan con estilos diferentes, ya que, A Cloud Mireya se centra menos en un estilo en concreto para flotar en un poso más cosmopolita.

En pocas palabras, un nuevo proyecto de Scott Herren en su onda más pop.

________________________________________________________

185. Nachtmystium - Instinct: Decay

Instinct: Decay es el tercer álbum de esta banda americana y la continuación de su disco Demise (2004).

Con este disco, Nachtmystium se convierte en una de las más innovadoras bandas en la actual escena black metal. Un trabajo sufocante, psicodélico, melancólico, muy caótico al punto de la desorientación, creando un trascendental e hipnótico viaje que pocos logran, muy recomendado, demostrando que se puede innovar sin perder las brutalidad y la esencia negra.

________________________________________________________

184. Yeah Yeah Yeahs - Show Your Bones

Segundo esperado disco de esta agrupación, que se gano buenas criticas en el 2003 con su debut “Fever To Tell”.

Según la vocalista de la banda, Karen O, “Show Your Bones” es lo que le sucede a tu dedo cuanto lo introduces en una toma de corriente eléctrica.

Para este nuevo disco la banda busco alejarse de “Fever To Tell”, con el fin de reinventarse de alguna forma y no tratar de repetir el mismo efecto de su antecesor.

En “Show Your Bones” nos encontramos ante una banda centrada, esta vez, en el indie más denso, donde cada detalle de producción ha sido hecho de forma cuidadosa, consiguiendo un sonido más tranquilo y menos eufórico.

Continúan las influencias de Royal Trux y Joan Jett, pero esta vez suenan mas a Siouxsie and the Banshees.

Un trabajo que no te enganchara a la primera escucha, ya que la energía de su predecesor no esta presente, por eso es necesario escucharlo cuidadosamente más de tres veces para asimilarlo.

En el disco se pasean momentos calmados como “The Sweets” y “Warrior”, (en estas destaca el trabajo vocal de Karen O) y momentos más enérgicos como “Gold Lion”, “Honeybar” y “Mysteries” (donde suenan muy similar a The Strokes), a su vez la voz de Karen O ha cobrado más protagonismo en los temas, así como gran variedad de tonalidades sonoras y letras mas trabajadas.

El disco fue producido por Squeak E. Clean y mezclado por Alan Moulder (NIN, A Perfect Circle, The Smashing Pumpkins) e igualmente lanzado bajo el sello Interscope.

________________________________________________________

183. Héctor Buitrago - Conector

Conector es el debut del músico Héctor Buitrago, más conocido por ser el bajista de Aterciopelados.

Conector es un trabajo marcado por una gran diversidad cultural y en especial por la pasión musical de su creador, ya que, en cada de una de las canciones se explora las diferentes influencias musicales que han sido parte fundamental en la carrera del músico colombiano.

La música que compone este álbum, esta muy ligada con los sonidos étnicos de su tierra y Latinoamérica. Mucho de ese sonido amazónico, en especial de las etnias ingana, kamentsá y cofán, que entienden a la tierra como madre y promulgan la hermandad de los seres de la naturaleza.

Igualmente, el sonido tribal inmerso en el disco, no solo explora las costumbres de su tierra, ya que, también se busca una conexión cultural, a través, de cantos mongoles, mantras hindúes y oraciones en sánscrito, que envuelven al oyente en un halo de espiritualidad universal.

También hay espacio para la electrónica, el pop, algo de new age y la participación de los músicos: Andrea Echeverri, Julieta Venegas y el español Alex Ubago, quienes aumentan el exotismo, el diseño e ideología que compone este proyecto llamando Conector.

________________________________________________________

182. Morrisey - Ringleader of the Tormentors

Este disco, de nuevo contiene todos los elementos que hacen de su música admirable. Canciones que acarician la perfección, excelentes melodías y un Morrissey hundido en su lírica atormentada sobre la muerte, la sexualidad, juventud, violencia urbana y dilemas existenciales.

Las confesiones de Morrissey y su descontento hacia el mundo que lo rodea, se hacen presente a lo largo del disco, como en “I See You In Far Off Places” donde nos muestra su visión sobre la política de USA, mientras es acompañado por una armonía oriental casi mística.

Pasajes doloridos como en la canción “Life Is A Pigsty” y “Dear God Please Help Me”, la cual cuenta con arreglos del italiano Ennio Morricone, y el resultado es un tema que emana una brisa casi religiosa.

Momentos íntimos como en “To Me You Are A Work of Art” un tema contagioso, donde Morrissey nos afirma que su tristeza se ve calmada por la presencia de su amante.

Y no pueden faltar las piezas ricas en melodías como en ”You Have Killed Me”, “The Youngest Was The Most Loved”, “In The Future When All's Well” y “The Father Who Must Be Killed”.

Este álbum fue grabado en Roma, en el estudio de Ennio Morricone y cuenta con la producción y mezcla de Tony Visconti (David Bowie, T-Rex).

________________________________________________________

181. The Long Winters - Putting The Days To Bed

Tercer disco de esta banda de Seattle y la continuación de su álbum “When I Pretend to Fall” del 2003.

En éste trabajo titulado “Putting the Days to Bed”, la banda ha combinado todo lo logrado a lo largo de su corta discografía y le han añadido el radiante sonido pop conseguido en su EP del 2005 "Ultimatum" en donde su música adquirió un aire más íntimo y sutil.

En cuanto a las letras de John Roderick, estas se muestran más personales que nunca y nos revelan el lado más íntimo de Roderick, el cual nos habla sobre temas íntimos acerca de sentimientos urbanos o rutinas cotidianas.

El disco a su vez, presenta temas muchos más redondos entre sí, en comparación a la variedad de “When I Pretend to Fall” (2003) y muestra una unidad similar a la obtenida en su disco debut, pero con la diferencia de que estos temas cuentan con una mejor calidad de producción y una mayor fortaleza a nivel compositivo.

Por otro lado “Putting the Days to Bed” cuenta con una nueva formación compuesta por Eric Corson en el bajo, Nabil Ayers en la batería y Jonathan Rothman en el teclado y una vez más aparecen los fieles amigos de Roderick, Chris Walla (Death Cab For Cutie) y Chris Funk (The Decemberists) en algunos temas del disco.

400 Discos del 2006 (200 - 191)

400 Discos del 2006 (200 - 191)

200. Mahogany - Connectivity!

Connectivity! es la continuación de su disco debut The Dream of a Modern Day del 2000.

Esta producción mantiene la atmósfera dream pop de su debut. Mucho aire fresco y deliciosas melodías que recuerdan a Belle & Sebastian, Stereolab, Cocteau Twins, My Bloody Valentine y Slowdive.

Pero en Connectivity! la banda aumenta su potencial sonoro, mostrando una evolución hacia melodías más pop y un claro interés por la exploración rítmica y la originalidad.

Juegan con dinámicas percusiones mecánicas, masivos acordes de guitarras de doce cuerdas, rigurosas líneas de bajo, voces celestiales y letras de carácter reflexivo que hablan de ciudades, construcciones abstractas y con mucho contenido post-modernista.

________________________________________________________

199. Scissor Sisters - Ta-Dah

En este segundo trabajo discográfico, la banda neoyorquina apuesta de nuevo al dance luminoso de su predecesor.

Tah-Dah continúa con el pop bailable y el sonido inspirado en los Bee Gees, Duran Duran, Elton John, George Michael, Queen y hasta algo del rock de The Rolling Stones.

Un álbum plagado de mucha elegancia, psicodelia, glamour y festejo, así como también, pronunciados ecos del new wave, el disco y el funk de los 70.

Además, hay bases rítmicas mas marcadas, gran cantidad de arreglos con instrumentos de vientos y mucho adorno electrónico, que hacen de este trabajo, un disco muy diverso.

________________________________________________________

198. The Roots - Game Theory

Séptimo disco de estudio de esta agrupación de Philadelphia y la continuación de su álbum Phrenology del 2002.

Este trabajo se caracteriza, por ser un álbum más serio, duro y oscuro en comparación de sus últimos trabajos. Desde el comienzo, Game Theory recrea lo mejor del sonido de este colectivo. Aunque, esta vez, se encaminan hacia una vía más evolucionada y
madura.

Igualmente mantienen la esencia del hip-hop, el jazz, el funk, el rock y también se animan a rescatar la ambición de sus álbumes Illadeph Halftime (1996) o Things Fall Apart (1999).

En definitiva, un disco bañando de melancolía y mucho enfado con el gobierno americano, pero siempre comandado por un hip-hop hecho con clase y estilo

________________________________________________________

197. Carla Bozulich - Evangelista

Evangelista es un disco oscuro, intenso y extraño. Envuelto por una atmósfera de sosiego, misterio y un aura hipnótica, que confunde y al mismo tiempo seduce.

Con este trabajo, Carla Bozulich, reinventa lo establecido, logrando un álbum experimental, repleto de ruido y densos ambientes que acompañan su expresiva voz. Una voz que se susurra, grita y se pasea por diversas emociones, en el cual la cantante explora sonidos y registros por medio de técnicas vocales poco convencionales.

Por su parte, el álbum, es un trabajo muy atmosférico, adornado por mucha instrumentación a base de guitarra, violín, cello, órgano, piano, contrabajo, mandolín y pequeños loops y sampleos, que se fusionan para crear una cacofonía sonora muy
arriesgada y difícil de analizar.

Para obtener su sonido, se rodeó de miembros de bandas como Godspeed You!, Black Emperor o Black Ox Orkestar y bajo la producción del veterano Shahzad Ismally.

En fin, Evangelista es un disco vanguardista, que combina mucho de la ambientación drone y del post-rock más letárgico, con pequeños retoques del folk y la música gótica.

________________________________________________________

196. Les Georges Leningrad - Sangue Puro

Tercer disco de estudio de este trío canadiense, en el cual continúan con el sonido descontrolado de sus previos discos, donde el post-punk, el noise y el electro, se combinan para forjar uno de los sonidos más crudos y claustrofóbicos de la escena actual.

Sangue Puro mantiene la propuesta desenfrenada de su música, pero sin tocar tanto el terreno bailable sus anteriores discos. De hecho, ahora se tornan más experimentales que nunca, logrando un trabajo disperso, sobrecargado de ruido y afiladas guitarras, que elevan la propuesta y el estilo no wave de la banda.

Post-punk caótico, una base electro, beats pronunciados e incluso guiños con el hip-hop y el industrial, es lo que marca el paso en los 40 minutos de duración de Sangue Puro.

Si quieres imaginarte a que suena la banda, piensa en una fusión entre el lado mas salvaje de Siouxsie & the Banshees o The Slits y únelo con el caos sonoro de de los primeros álbumes de Sonic Youth, la esencia de Sun City Girls y el lado electrónico de bandas como Fad Gadget, Adult. y Add N To (X).

________________________________________________________

195. Benoît Pioulard - Précis

Précis es la continuación del EP Enge del 2005 de este multi-instrumentista, cantautor, escritor y fotógrafo, llamado Thomas Meluch y mejor conocido bajo el pseudónimo de Benoît Pioulard.

Este debut larga duración, contiene mucho de la esencia electrónica y del dream pop de su EP Enge. No obstante, Précis va más allá de ese sonido, ya que en el mismo, hay mucho destello de texturas a base de percusiones y sonidos que aumentan el carácter ensoñador de su música.

Ahora hay melodías más creativas y sencillas, logrando estructuras más cautivantes y delicadas. Mucho folk cargado de texturas sonoras en las que mezcla sabiamente algunas dosis de experimentación y suaves melodías vocales.

Sin duda alguna un trabajo para los que disfrutan a bandas como Fennesz, Boards Of Canada, Animal Collective y My Bloody Valentine.

________________________________________________________

194. Lupe Fiasco - Food and Liquor

Disco debut del rapero americano Wasalu Muhammad Jaco mejor conocido como Lupe Fiasco.

El debut de Lupe Fiasco, Food and Liquor, es un álbum de hip/hop que reúne mucho de la época gloriosa del colectivo Native Tongues Posse y también gran parte de ese sonido producido que parece prácticamente derivado de la consciencia de Kanye West (el cual fue pieza clave a la hora de producir el disco).

Apoyado por Kayne, y artistas como Jay-Z, Charles "Chilly" Patton, The Neptunes, Mike Shinoda y Craig Kallman, entre otros; el disco de Lupe Fiasco cubre de forma perfecta la manera de hacer hip-hop. Una producción limpia de principio a fin, en la cual se respira el soul, el jazz y las influencias de Nas, A Tribe Called Quest, Eightball & MJG y Jungle Brothers.

Cada canción posee elegancia y frescura, las cuales aumentan gracias a ritmos marcados y a la voz de Lupe Fiasco que se distingue del resto de la escena actual, mas que todo por la forma en que sus letras metafóricas se alejan de los clichés de éste género.

________________________________________________________

193. Bardo Pond - Ticket Crystals

En este disco titulado Ticket Crystals, la banda muestra un sonido más variado y renovado. Continuando con lo mostrado en “On The Ellipse”, pero con un sonido menos salvaje, inclinados hacia un lado más delicado y explorando mayormente la vena psych-folk de la banda.

El cambio no es tan drástico, ya que estos elementos, siempre han estado presente en su sonido. Igualmente mantienen su amplio espectro de capas de ruido y feedbacks, más la psicodelia en sus pasajes instrumentales, bañados con la más pura esencia del space rock, el post rock y el noise.

Ambos lados de la banda contrastan de forma estupenda, al mezclar el suave sonido acústico con los estallidos eléctricos comandados por las guitarras de los hermanos Michael y John Gibbons, quienes marcan la tónica de estas pequeñas sinfonías adornadas con la hipnótica voz de Isobel Sollenberger.

________________________________________________________

192. Adrian Klumpes - Be Still

"Be Still" es el debut en solitario de Adrian Klumpes, a quien hasta ahora se le reconocían sus muchas virtudes en su papel de pianista de Triosk.

"Be Still" fue grabado en apenas cinco horas sin necesidad de abandonar la casa que el australiano posee en Sydney. Allí, con su piano, Klumpes ha creado una oda al minimalismo y a la economía de recursos.

Un haiku sonoro que algunos comparan, de un modo creemos que muy acertado acertado, con la pintura de Rothko. Y es que, como sucede en la obra del norteamericano de origen letón, Klumpes consigue hilvanar una música de extraordinaria expresividad a partir de un número premeditadamente reducido de elementos.

________________________________________________________

191. Peaches - Impeach My Bush

Tercer álbum de la canadiense Merrill Nisker (mejor conocida como Peaches) y con el cual marca su regreso tras la edición de su disco “Fatherfucker” en el 2003.

Este trabajo de Peaches, no es tan feroz como su predecesor, pero de nuevo cuenta con los ingredientes característicos de su sonido electroclash salvaje y maleducado. Un álbum repleto de sensualidad y rebeldía, apoyado a través de líricas de contenido sexual explícito y por una fuerte dosis de electro-punk a base de melodías electrónicas, fuertes guitarras y roces con el hip-hop.

Igualmente, el contenido lírico de doble sentido aparece inmerso de nuevo, como se nota en el simple título del disco Impeach My Bush, el cual deja claro que Peaches no se enfoca sólo en el sexo, si no más bien trata de enfatizar una crítica política hacia el gobierno de Bush.

Y según palabras de la misma Nisker “el disco, es una invitación a reflexionar sobre la parte que nos toca a todos con respecto a la guerra y a lo que pasa en el mundo. Trato de que la gente se cuestione a sí misma, que cuestionen los roles de hombres y mujeres, autoridades, gobiernos. Si la gente cree que solamente hablo de sexo, no se entera de nada.”

Además de esto, el disco muestra una Nisker más abierta a las posibilidades de producción, en la cual contó con la ayuda de Mickey Petralia (Beck, Ladytron) y Greg Kurstin (Gwen Stefani, Lily Allen), productores que proporcionaron un sonido más análogo a la música de Peaches, dejando a un lado la GrooveBox y optando más al uso de moogs, genuinos sintetizadores Roland Junos y Jupiters, secuenciadores, caja de ritmos analógicas y lyndrums.

Todos estos elementos lograron un sonido más pulcro y claro en su música, hecho que se puede notar en los beats de los temas "Tent in Your Pants", "Downtown" y "Slippery Dick". Por otro lado las guitarras han sido tocadas con amplificadores Marshall y con genuinas guitarras Gibson Les Paul Jr. consiguiendo proyectar el sonido sucio digno del espíritu punk, como lo logrado en los temas “You Love It”, “Do Ya” y "Give 'Er" donde aparece la colaboración de Josh Homme (Queens of the Stone Age/ Eagles of Death Metal) en las guitarras.

Otros de los músicos invitados en Impeach My Bush, fueron Joan Jett, Samantha Maloney (Hole, Mötley Crüe, Eagles of Death Metal), Leslie Feist (Broken Social Scene) y Beth Ditto (The Gossip).

En definitiva un disco con lo mejor de la agresividad femenina, saturado de intensidad, atrevimiento, provocación, hedonismo y de toda la parafernalia sexual a la que esta mujer nos tiene más que acostumbrados.

400 Discos del 2006 (210 - 201)

400 Discos del 2006 (210 - 201)

210. Ned Collette - Jokes and Trials

Debut del australiano Ned Collette, quien nos transporta a un viaje nostálgico y melancólico, rodeado por un sonido folk y una atmósfera crepuscular muy particular, que recuerda mucho a los trabajos de Nick Drake, Donovan, Robert Wyatt y Cat Power.

Pero lo mas llamativo, son las canciones de Collette, las cuales tienen mucha influencia del cantautor Leonard Cohen. Son dulces y tristes y retratan las emociones humanas del día a día con tal simplicidad y autenticidad, que sorprende por su carga emotiva y por los recursos poéticos empleados en sus textos.

________________________________________________________

209. Rodrigo y Gabriela - Rodrigo y Gabriela

Segundo disco de estudio del dúo mexicano Rodrigo y Gabriela y la continuación de su debut Re-foc del 2004. La propuesta de éste homónimo trabajo, sigue con ese sonido acústico e instrumental influenciado por el flamenco, el tex-mex, el folk europeo, la música celta y mucha de la esencia del rock n roll y el heavy metal.

________________________________________________________

208. Tunng - Comments of the Inner Chorus

Tras editar Mother's Daughter and Other Songs en el 2005, esta banda inglesa regresó en el 2006, para lanzar su segundo trabajo discográfico titulado Comments of the Inner Chorus.

Comments of the Inner Chorus, es un disco en donde la banda refuerza el sonido folk-electrónico de su debut y lo convierte en un universo pastoral y extravagante, apoyado por cuentos que parecen ser sacados de la mente de los hermanos Grimm e incluso historias surrealistas que evocan mucho de la película The Wicker Man.

Asimismo, el sonido digital y el sampleo ceden el paso al uso de adornos más orgánicos y percusiones más marcadas, así como también, un mayor uso de las voces y la instrumentación del folk tradicional inglés.

Un álbum con mucha atmósfera campestre y variadas texturas que te sumergirán en un universo donde se encuentran Nick Drake, Simon & Garfunkel y Penguin Cafe Orchestra entrelazados con las ambientaciones electrónicas de Lemon Jelly, The Notwist y Four Tet.

________________________________________________________

207. The Dresden Dolls - Yes, Virginia…

Segundo álbum de esta banda de Boston y la continuación de su homónimo debut “The Dresden Dolls” del 2004.

En este disco The Dresden Dolls mantienen su propuesta de rock de cabaret, compuesto sólo por batería, voz y piano. Pero la diferencia es que Yes, Virginia… se muestra más agresivo en cuanto a sonido y con cierto grado de madurez en el aspecto compositivo y lírico.

Por su parte el sarcasmo, el humor negro y el toque teatral en sus temas siguen intactos, así como cierta esencia retro de la Alemania de los años 30, inspirada en artistas como Kart Well.

Yes, Virgina… está compuesto por trece temas de carácter introspectivo, inspirados en la vida misma, las relaciones con la familia, amigos, amantes y la forma en como se desarrollan estas.

Como dato curioso, el título del álbum fue sacado de una editorial que apareció en el periódico New York Sun en 1879, en respuesta a la carta mandada por una niña llamada Virginia donde cuestiona la existencia de Santa Claus. Esta anécdota se convirtió en una parte trascendental de la tradición navideña de los Estados Unidos (Yes,Virginia There is a Santa Claus), Sí, Virginia, existe Santa Claus, es tan real como el amor, la generosidad y la devoción.

Yes, Virginia… fue grabado en el estudio Allaire de New York y contó con la producción de Sean Slade y Paul Q. Kolderie (Radiohead, Pixies)

________________________________________________________

206. Sibylle Baier - Colour Green

Hace más de 30 años, entre 1970 y 1973, una cantante, costurera, pintora, actriz y bailarina alemana llamada Sibylle Baier, grabó de forma casera una serie de canciones junto a su guitarra y una máquina de grabación. Todas estas grabaciones quedaron guardadas por más de treinta años en su hogar, hasta que el hijo de Baier astutamente decidió enviar una copia de lo que había grabado su madre a J. Mascis, de Dinosaur Jr.

Ahora tres décadas después las cálidas canciones compuestas por Baier son publicadas este año por el sello Orange Twin, con el fin de dar a conocer uno de los mejores secretos guardados del folk alemán. Y es que en éste álbum nombrado “Colour Green” los sentimientos, la nostalgia y las pequeñas tragedias de la vida diaria de Baier, son relatados de una forma dulce y reflexiva, al mejor estilo de grandes como Vashti Bunyan, Nick Drake, Nico, Leonard Cohen y Joni Mitchell.

Con tan sólo el sonido de su guitarra y su voz y con arreglos muy precisos, Baier aparece hoy para maravillarnos con un folk austero y de tonalidades sepia como el de la portada del disco.

________________________________________________________

205. The Tiny - Starring: Someone Like You

Segundo disco del trío sueco The Tiny, y la continuación de su álbum Close Enough (2004).

El trabajo realizado por este trío en Starring: Someone Like You, muestra un sonido más variado que en el de su debut, ya que, la mayoría de las canciones recrean un universo propio, bañado de excentricidad musical y comandada por la exuberante voz de Ellekari Larsson (la cual es casi como una mezcla entre la voz de Bjork, Joanna Newson, Liz Phraser y Kate Bush)

El sonido sigue rescatando mucho del folk, el jazz, el indie pop y el chamber pop, e igualmente se afianza gracias a una gran gama de instrumentos de vientos, un órgano Wurlitzer, un vibráfono y unos sintetizadores casio.

Un álbum ampliamente dramático y sobrecogedor. Recomendado para los amantes de la folktronica más intima.

________________________________________________________

204. The Futureheads - News and Tributes

Ansiado segundo disco de esta banda inglesa que dio mucho que hablar con su homónimo debut del 2004 en la escena indie del post-punk/new wave de ésta década.

Al escuchar este nuevo trabajo de The Futereheads, nos encontramos con un sonido mas variado con respecto a su debut. Se muestran menos urgentes que en su predecesor, logrando canciones más cercanas al formato pop-rock o brit-pop, pero manteniendo la esencia de la banda.

Si antes sonaban más a The Jam, en éste disco se aproximan más a los trabajos de XTC e incluso hay momentos donde suenan similar a los primeros discos de Blur. Igualmente no pierden las influencias de The Jam y The Clash en la fuerza y contundencia de su sonido, como la enérgica “Yes/No” o mostrando sus afiladas guitarras en “Cope” y “Return Of The Berseker”.

Los nuevos caminos, se muestran en canciones con un sonido más calmado y más armonioso, como en los temas “Burnt” donde hacen uso de guitarras acústicas o en “Thursday” jugando con armonías vocales al estilo de los Beach Boys. Mientras que en temas como “Skip To The End” o “Face” las melodías pop se combinan perfectamente con el espíritu punk de la banda.

________________________________________________________

203. Damien Jurado - And Now That I'm in Your Shadow

Séptimo trabajo de estudio del cantautor americano Damien Jurado y la continuación de su disco On My Way to Absence (2005).

En And Now That I'm in Your Shadow hay menos de ese sonido rockero y cargado de su anterior placa. En esta ocasión Jurado muestra un sonido mas desnudo, con su voz, su guitarra acústica y acompañado de un piano y algunas cuerdas, al mejor estilo americano, el cual contrasta con un pequeño toque lo-fi hecho con efectos y sonidos.

Por su parte, las letras siguen tocando el lado íntimo del cantautor, haciendo de éste álbum, un trabajo bañado de tristeza y con mucha influencia de Bob Dylan y Neil Young.

________________________________________________________

202. Loose Fur - Born Again in the U.S.A.

Loose Fur, es el proyecto formado por Jim O’Rourke (Sonic Youth, Gastr del Sol), Glenn Kotche (Wilco) y Jeff Tweedy (Wilco).

Este es su segunda placa luego de editar en el 2003 su debut “Loose Fur”.

En esta ocasión nos topamos con temas más sencillos, apoyados en letras de carácter religioso e introspectivo, sin tanta experimentación y menos desarrollos instrumentales, a excepción del tema “Wreckroom” (una pieza de más de ocho minutos de duración) .

Por otro lado, también se ven mas adentrados en el mundo del folk americano, cosa que obviamente les recordara a los trabajos de Wilco.

En Born Again in the U.S.A. el rock sureño se hace presente en“Hey Chicken”, el folk agridulce en “Answers to Your Questions”, las bases mas roqueras en “Apostolic”, “Stupid As The Soon” y “Pretty Sparks”, así como la ironía de “The Ruling Class” (que habla sobre un Jesucristo consumidor de crack) y la burla a los mandamientos cristianos en “Thou Salt Wilt”.

En definitiva un álbum muy lineal, pero con gran cantidad de detalles, que recoge lo mejor de la personalidad de sus integrantes.

________________________________________________________

201. Sarah Blasko - What the Sea Wants, The Sea Will Have

Segundo trabajo discográfico de la cantautora australiana Sarah Blasko y la continuación de su debut The Overture & The Underscore del 2004.

What the Sea Wants, The Sea Will Have, explora un sonido mas diverso y más llamativo, en comparación con su debut. Ahora, la estructuración de sus temas tiene una mayor producción, así como su voz, la cual sigue en esa línea de artistas como Sarah McLachlan, Fiona Apple y Carina Round.

La principal novedad es la utilización de instrumentos como el piano, el cello y los fagotes, los cuales sirven para darle mucho del sonido de la música de cámara a las composiciones de Blasko.

También hay uso de un mellotron y pasajes electrónicos, que aumentan la elegancia y calidez al álbum, el cual se mantiene uniformemente como una pieza confortante e intima, con pequeños momentos tornasolados y pequeños destellos de luz, que aparecen ante tanta atmósfera oscura y los abrumadores pasajes oceánicos de sus canciones.

________________________________________________________