Sunday, October 29, 2006

Sickoakes - Seawards

Sickoakes, es una banda formada en Estocolmo, Suecia, la cual en sus comienzos en 1999 estaba integrada por David (bajo), Jonas (saxofón), Mats (guitarra) y Simon (guitarra), quienes juntos comenzaron a experimentar con sus instrumentos en una vieja fábrica de dulces y a partir de allí la banda inició con el proceso de composición de algunos temas instrumentales de carácter post-rock, y satisfechos por los resultados, decidieron incluir a dos músicos más en su proyecto: al trompetista y trombonista Joel y al baterista Erik.

Con la banda ya formada y luego de definir su sonido, la agrupación comenzó a presentarse en diversas partes de Suecia y hasta grabaron diversos temas en vinilos y cd’s, entre los cuales se destacó la primera versión de “Wedding Rings & Bullets in the Same Golden Shrine” una canción que fue editada en el sello Pleasedosomething.

Posteriormente con la edición de ese tema, el sello Type les puso el ojo y los suma a sus filas, para finalmente editar su primer álbum debut titulado “Seawards” donde la intensidad y dramatismo de su sonido se ve plasmado en siete temas, donde reúnen lo mejor del post-rock de carácter épico y cinemático, de bandas como Mogwai, Explosions in the Sky y Godspeed You! Black Emperor.

En este debut, Sickoakes se apoyan por esas sutiles ráfagas orquestales y largos desarrollos instrumentales propios del post-rock, pero a su vez, le añaden más texturas y melodías punzantes a base de unas cristalinas guitarras que le agregan cierto encanto a su atmosférico y oceánico sonido. Como si agarraran la vena más celestial de Mogwai y lo fusionaran con el lado más orgánico y natural de Port Royal.

The Sleepy Jackson - Personality: One Was a Spider, One Was a Bird

La banda australiana comandada por Luke Steele vuelve con su segunda placa discográfica titulada “Personality: One Was a Spider, One Was a Bird”, la cual marca su regreso tras editar hace tres años su debut “Lovers”.

Este segundo trabajo de The Sleepy Jackson se muestra con un sonido menos rockero en comparación a su predecesor, ya que en “Personality: One Was a Spider, One Was a Bird”, se nota más ambición y emoción en las orquestaciones, en los coros y en los arreglos, lo que hace resaltar la exuberancia de su pop atemporal inspirado en George Harrison y Brian Wilson.

Un álbum plagado de melodías pegadizas que no sólo rozan con las décadas de los 60 y 70, si no también con cierta psicodelia y magia heredada de The Flaming Lips.


Video del tema God Lead Your Soul

Triosk - The Headlight Serenade

Nuevo álbum de éste trío australiano, en el cual retoman el concepto de jazz experimental empleado en su anterior trabajo “Moment Returns” y le dan una orientación más producida y elaborada.

En ”The Headlight Serenade” el sonido post-jazz cristalino de tintes electrónicos te trasladará hacia terrenos recónditos, como si estuvieses flotando en medio del aire o siendo parte de una pequeña banda sonora que dibuja diferentes momentos de la memoria o pequeños sentimientos alojados en el inconsciente.

Un disco minimalista pero vanguardista con lo mejor del jazz del nuevo milenio, y en donde los loops y detalles electrónicos de Jan Jelinek y las deconstrucciones jazzisticas de Thelonious Monk se unen con una rica instrumentación post-rock que evoca los trabajos de Tortoise o Cinematic Orchestra.

Agalloch - Ashes Against the Grain

La banda americana Agalloch regresa este año con la edición de su tercer disco de estudio y la continuación de su aclamado “The Mantle” del 2002.

Con dos obras maestras a sus espaldas (“Pale Folklore”y “The Mantle”) y con una gran variedad de EP’s, la banda Agalloch se ha ganado el mérito de estar entre los grandes del metal actual, gracias a su sonido personal marcado por atmósferas cargadas de emociones, donde la fusión de estilos como el folk, el doom metal, el dark metal, el black metal, el post-rock y el progresivo, hacen de su música algo original dentro del panorama musical.

En este nuevo trabajo de Agalloch, la banda retoma lo hecho en su anterior disco “The Mantle” pero lo aleja un poco de la faceta más folk de su música, para esta vez, darle una orientación enfocada hacia el post-rock. Como si el sonido de la banda se fusionara con unos Godspeed You! Black Emperor o unos Explosions in the Sky.

Esta nueva exploración musical aporta un sonido más accesible en comparación a sus previos trabajos, pero de igual forma aumenta la belleza de sus pasajes y ambientaciones instrumentales. Igualmente en Ashes Against the Grain los adornos acústicos se entrelazan perfectamente con la intensidad de las guitarras, manteniendo esa magia acogedora y fantasmagórica que los caracteriza.

Por su parte el vocalista John Haughm tiene menos protagonismo en este álbum, pero cuando su voz gutural e hipnótica entra en escena, las sensaciones que Agalloch logra transmitir con su música aumentan magistralmente gracias a las armonías vocales de éste.

En definitiva este nuevo trabajo de Agalloch, se muestra completo y coherente de principio a fin, apoyado por el vigor, la fuerza y la continúa evolución musical de la banda. que hace de éste un disco terriblemente original, innovador y plagado de diferentes estilos como el death, el folk, el black y mucho post-rock.


Video del tema Not Unlike the Waves

Evangelicals - So Gone

Álbum debut de esta banda formada en Oklahoma, con el cual condensan lo mejor del indie rock y la neo-psicodelia americana de bandas como The Flaming Lips y Grandaddy.

Pero en medio del histrionismo ácido de su música, se encuentran también las claras referencias de Pavement, Broken Social Scene, Modest Mouse con algo de Neutral Milk Hotel y Clap Your Hands Say Yeah.

Aunque lo que importa aquí no son tanto esas influencias, sino como Evangelicals juegan con ellas para crear un disco emocionante, marcado por un estilo propio y dotando a cada canción de un ambiente muy peculiar, donde sobran los detalles y las tonalidades sonoras.


Video del tema Another Day

Amusement Parks on Fire - Out of the Angeles

Hace dos años Michael Feerick, presentó su homónimo debut bajo el nombre de Amusement Parks on Fire, donde él mismo tocó y grabó todos los instrumentos.

Ahora, dos años después Amusement Parks on Fire regresa para editar su segundo álbum de estudio, pero con la novedad de que ahora el proyecto de Feerick está convertido en una banda compuesta por Daniel Knowles (guitarra/producción), Peter Dale (batería), Gavin Poole (bajo) and Joe Hardy (teclado).

El disco fue titulado “Out Of The Angeles” y en éste se muestra lo logrado por Feerick en su anterior trabajo. Toda una gama de sonidos inmersos en esa nueva ola llamada “nu-gaze” inspirada en las bandas de shoegaze My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain.

En “Out Of The Angeles” los muros de sonidos suenan más expansivos que en su debut y también hay más elementos del post-rock en medio de su oceánico e intenso sonido. Por otro lado, la distorsión guitarrera, los crescendos y las frías atmósferas continúan intactas.

Toda una ráfaga sonora envuelta en una amalgama musical donde chocan Mew, Serena Maneesh y The Secret Machines, para lograr así un disco con lo mejor del shoegazing, el noise, el emo y cierto toque de punk rock atmosférico que aumenta el carácter épico de su música y le da un enfoque personal a su sonido.


Video del tema Blackout

Saturday, October 28, 2006

Tap Tap - Lanzafame

Tap Tap es una de esas bandas revelaciones que surgen cada año con el fin de dar a conocer su música a través de cualquier medio. Pero en esta ocasión, no nos encontramos con una agrupación como tal, sino más bien con un misterioso músico llamado Thomas Sanders, quien es el genio detrás de Tap Tap.

Éste músico nativo de Reading, Berkshire (UK) decidió juntarse con los músicos Paul Jones, Jonny Ronette, Peter Hefferan y Pete Dog, para completar así la instrumentación definitiva de éste álbum debut de Tap Tap, el cual fue promocionado por medio de páginas de perfiles musicales y por sellos disqueros locales independientes.

Gracias a estos medios el disco comienza a generar buenas críticas a través de los diversos blogs musicales del Reino Unido y los Estados Unidos, y empieza a ser recomendado y promocionado por diferentes medios musicales como Copper Press, Ampcamp, Catbird y por la prestigiosa revista virtual Pitchfork Media.

Pero ante tal introducción y con tan buenas críticas a su favor, ustedes se preguntarán ¿a que suenan los Tap Tap? (para los que no lo han escuchado) Pues mucho del éxito de sus críticas se debe a que en éste álbum titulado Lanzafame, la banda factura once temas de muy baja producción pero con una gran diversidad sonora en cada tema que compone el disco.

Y es que en este debut, Tap Tap abren con unos aires de Clap Your Hands Say Yeah fusionados con el sonido canadiense de las bandas The Arcade Fire o Wolf Parade. (Tres bandas a las cual suenan muy parecido). Pero a medida que avanza el álbum, se transforman en unos Beach Boys, evocan a los Bears, rozan con Tapes 'n Tapes, se tropiezan con The Kinks, se acercan a R.E.M, rescatan los inicios de Wire, fusionan el punk de Richard Hell con las armonías de Belle and Sebastian y hasta mezclan a Beirut con The Ruts y algo de Gang of Four.

En definitiva un disco entusiasta y muy variado, en el sentido de que su escucha resulta de lo más entretenida y desafiante de principio a fin.

The Divine Comedy - Victory for the Comic Muse

El cantante y compositor irlandés Neil Hannon, regresa este 2006 con la edición de su noveno trabajo titulado “Victory for the Comic Muse”.

"Victory for the Comic Muse" se grabó con los músicos tocando todos en directo en el estudio con micrófonos de ambiente, cinta analógica y reuniendo todos los caminos tomados por Hannon a lo largo de su carrera, como lo son, el folk placentero de “Liberation” (1993), el pop sofisticado de “Promenade” (1994) y “Casanova” (1996), la estética de “A Short Album About Love” (1997) y el pop más inmediato de “Regeneration” (2001).

Todo un disco que hae referencia a su pasado musical, pero siempre apoyado por su característico pop orquestal inundado de romanticismo y exuberancia emocional, donde la elegancia de sus atemporales arreglos sirve de adorno para las líricas decadentes, melodramáticas e irónicas de Hannon.

Aunque extrañamente, en "Victory for the Comic Muse" las canciones no se centran tanto en su persona sino más bien en satíricas reflexiones sobre la vida moderna.

Victory for the Comic Muse fue producido por el mismo Hannon y se grabó en quince días, con la participación de 25 músicos entre los que se encuentran famosos colaboradores ‘secretos’ de los que sólo se ha filtrado el nombre de Dougie Payne bajista con Travis.


Video del tema Diva Lady

Thursday, October 26, 2006

EP's + Compilados + Directos

Thievery Corporation – Versions

Disco de remezclas realizadas por Thievery Corporation a artistas como Sarah McLachlan, Bebel Gilberto, Emilie Simon, Nouvelle Vague, Sultan Khan, entre otros.






Eels - With Strings: Live at Town Hall

Concierto realizado por Eels en el Town Hall el pasado año para promocionar su disco "Blinking Lights and other Revelations"






Rhapsody - Live in Canada 2005: The Dark Secret

Primer disco en directo de Rhapsody que recoge su presentación del 14 de junio en Montreal (Canada).








Piano Magic - Incurable [EP]

Excelente EP de cuatro temas de esta banda, donde muestran lo mejor de su sonido ambient/tecno pop experimental repleto de elegancia, tonos grisáceos y atmósferas nostálgicas, al más puro estilo de Dead Can Dance, My Bloody Valentine y Disco Inferno.





Mastodon - Call of the Mastodon

Compilado de esta banda de Atlanta, donde se recogen las primeras grabaciones de sus inicios. Todos los temas fueron remezclados y remasterizados por el productor original Matt Washburn.

En este disco su sonido se acerca mas al heavy metal y al metal progresivo como tal y también incluyen los cinco temas que aparecieron en su EP Lifesblood del 2001.


Why? - Rubber Traits [EP]

Tercer EP del proyecto de Jonathan "Yoni" Wolf, en la que se explora el lado sonriente y retorcido de su música.

La primera mitad consta de temas más indie pop y la otra se ve mas orientada hacia los enfoques hip-hop de Wolf.




Collective Soul - Home: A Live Concert Recording With The Atlanta Symphony Youth Orchestra

Álbum doble en vivo de Collective Soul junto a la Atlanta Symphony Youth Orchestra.

Wednesday, October 25, 2006

Cortney Tidwell - Don't Let Stars Keep Us Tangled Up

Cortney Tidwell es una chica nativa de Nashville, Tennessee, la cual fue criada en medio de un ambiente familiar muy ligado a la música country; de hecho su abuelo y su madre llegaron a presentarse en el programa de radio The Grand Ole Opry (un programa de radio de música country que se ha transmitido todos los sábados en la ciudad de Nashville, desde el 28 de noviembre de 1925). Por otro lado, su padre trabaja en el área del Music Row de Nashville y también es el responsable de la búsqueda de nuevos talentos (A&R) del sello Chart Records.

Con todos esos antecedentes es muy difícil que esta chica no estuviese relacionada con la música, ya que paso toda una infancia rodeada de risas y cigarros en medio de la oficina de Jack Clement, escuchando artistas de la talla de Hank Williams y Johnny Cash, y por si fuera poco con Townes Van Zandt como amigo de su familia.

Luego ya de varios años, en 1976 la madre de Tidwell, sería diagnosticada como maniaca depresiva, y la vida de Tidwell se vería afectada por la enfermedad y los diversos problemas mentales de su madre, la cual murió finalmente en 1999.

Tras la muerte de su madre, otro hecho trágico afectó la vida Tidwell y fue el suicidio de su mejor amigo, produciendo en ella uno de los peores momentos de su vida, los cuales se vieron canalizados a través de su música, en especial en sus oscuras letras relacionadas con la infelicidad y una infinidad de sensaciones acumuladas. Gracias a la música, Tidwell encontró su puente de salvación y comenzó a escribir y componer varias canciones, las cuales finalmente se verían plasmadas en un mini-álbum editado el pasado año 2005 y que fue editado este año en UK.

Rápidamente del lanzamiento de su mini-álbum, Tidwell se reunió con su esposo Todd Tidwell durante la segunda mitad del 2005 en Nashville, para comenzar con el proceso de grabación de su primera placa discográfica.

El resultado de esas grabaciones es el disco “Don't Let Stars Keep Us Tangled Up” donde se nota un disco más ambicioso que su predecesor, repleto de armonías celestiales y apoyado por un estilo de country-folk muy personal fusionado con pequeños toques de jazz, shoegaze y ligeros adornos electrónicos.

Todo un sonido espectral y etéreo inundado por el ambiente claustrofóbico, eufórico y melancólico que la marcó para siempre y con una voz que te canta y susurra el mejor estilo de Björk, Hope Sandoval/Mazzy Star, Laura Veirs, Leslie Feist y Elizabeth Fraser (Cocteau Twins).

El disco fue lanzando por el sello Ever y contó con la colaboración de Kurt Wagner y William Tyler de Lambchop, Jonathon Marx (antiguo miembro de Lambchop) y de un grupo electrónico de Nashville llamado Ryan NorrisHands Off Cuba.


Video del tema Missing Link

Tuesday, October 24, 2006

Sufjan Stevens - The Avalanche

Luego de editar uno de los mejores álbumes del pasado año, Sufjan Stevens regresa este 2006, para entregarnos veintiún temas que no entraron en su anterior álbum “Illinois”.

Los temas formaron parte de las grabaciones de “Illinois”, y en estos se incluyen piezas inéditas, demos y tres versiones alternativas de la canción “Chicago”. Estas canciones iban a ser parte de “Illinois” el cual en un principio iba ser presentado como un disco doble de más de 40 canciones, pero finalmente Stevens lo dejo reducido a los veintidós temas ya conocidos y escuchados el pasado año.

La razón por la cual Stevens no las incluyo en su “Illinois”, fue por que para él estas canciones eran de “menor calidad”. Pero lo bueno es que Sufjan decidió reunirlas en este nuevo aporte titulado “The Avalanche”, donde la temática sigue girando en torno a la idiosincrasia del estado de Illinois.

Pero a pesar de que “The Avalanche” está formado por temas descartados, estos mantienen de igual forma el enfoque ambicioso y pretencioso de su anterior grabación, donde el folk y las meticulosas orquestaciones barrocas de carácter pop-épico-espacial adornaban los relatos contados por Stevens.

Otro punto a resaltar es que las canciones incluidas aquí tienen menos referencias personales de Stevens, alejándose de ese punto de vista ciertamente personal de sus letras y centrado más en los datos históricos que encontró durante la época en que se documentó para la composición de “Illinois”, ya que según él, le gustaría poder escribir canciones que hablen sobre la historia de su país (USA) de la forma más objetiva posible.

Shack - The Corner of Miles and Gil

Quinto álbum de ésta agrupación de Liverpool y el sucesor de su disco Here's Tom With the Weather del 2003.

Este nuevo trabajo de Shack, contiene todo el esfuerzo acumulado a lo largo de su carrera, ya que en “The Corner of Miles and Gil” continúan apoyándose por el sonido clásico de bandas como Love, The Beatles y The Byrds, y aderezado con lo mejor del brit-pop de los años 80 y 90.

La diferencia es que en este álbum la banda suena más vital y apasionada que antes, facturando quizás unos de los mejores álbumes de su historia, donde el clasicismo del pop se fusiona perfectamente con el sonido de bandas contemporáneas como The Coral y Trembling Blue Stars y con el folk introspectivo de Nick Drake.

Asimismo en “The Corner of Miles and Gil” la banda logra temas más épicos con ciertos aires lisérgicos que evocan el lado más psicodélico de The Beatles y las orquestaciones del disco “Forever Changes” de Love.

Toda una fantasía musical, comandada por las letras reflexivas de Michael Head y una nostalgia sutilmente airada, para hacer de este disco uno de los mejores aportes del brit-pop actual.


Video del tema Cup of Tea

Erase Errata - Nightlife

Tercer álbum de estas chicas oriundas de San Francisco, quienes tras la marcha de la guitarrista Sara Jaffe en el 2004, se convirtieron en trío para presentar la continuación de su disco “At Cristal Palace” del 2003.

Para este nuevo trabajo titulado “Nightlife”, la banda decidió reunirse con el objetivo de darle un leve cambio a su sonido, y mucho de esto se debió a la partida de su antigua guitarrista Sara.

Con la salida de Sara, la banda comenzó a trabajar en su nueva orientación musical, colocando a su vocalista Jenny como guitarrista y añadiendo al cantante Archie McKay como vocalista principal (el cual tan sólo duró un mes en la banda).

Luego de esto, el grupo se dio cuenta que trabajaba mejor como trío y optaron por mantener su alineación original para así pasar los siguientes dos años redefiniendo su sonido y comenzar con el proceso de composición y escritura del disco.

Finalmente todos esos cambios y esfuerzos logrados se ven plasmados en esta nueva placa discográfica de Erase Errata, donde se nota un sonido más muscular y sólido, mostrando un trabajo menos corrosivo y agresivo que sus anteriores placas, pero manteniendo de momento ese enfoque bailable y experimental que las caracteriza.

No es un cambio tan drástico, la diferencia es que ahora su caos sonoro aparece más reluciente y con una sesión rítmica más dinámica y elástica, lo cual se nota en el trabajo hecho por la vocalista Jenny en las guitarras, las cuales aparecen con más acordes y armonías en comparación con las de Sara.

Por otra parte el aspecto lírico del álbum, está centrado en temáticas sociales, personales, políticas y reflejando la ignorancia y distracción del estilo de vida nocturno americano ante esta situación.


Video del tema Tax Dollar

Monday, October 23, 2006

Juana Molina - Son

Cuarto trabajo discográfico de la cantante, compositora y actriz argentina Juana Molina y el disco sucesor de su bien criticado “Tres Cosas”.

Este nuevo álbum de Juana Molina fue grabado y producido por ella misma en su propia casa, alejada totalmente de la ciudad e inspirada en la naturaleza. Al escuchar “Son” nos encontraremos con el álbum más orgánico y acústico de su carrera, pero siempre siendo fiel a sus melodías pop y manteniendo su concepto indietronica/folktronica, en donde mezcla una sutil guitarra acústica, con percusiones folkies y sofisticados arreglos electrónicos.

Por otra parte, en Son, el trabajo vocal de Molina recuerda un poco al de Björk, ya que éste es utilizando como un instrumento más en su música. También hay una mayor ambición musical inspirada en los trabajos de Animal Collective, jugando con los ritmos y sonidos, pero manteniendo el camino minimalista de su música.

En definitiva un disco íntimo y sofisticado, que muestra la evolución musical tomada por la cantante argentina.


Video en vivo del tema Micael @ The Lakeshore Theater (Chicago)

Friday, October 20, 2006

Tilly and the Wall - Bottoms of Barrels

Bottoms of Barrels es la segunda placa discográfica de ésta agrupación procedente de Omaha, Nebraska (USA) y la continuación de su disco “Wild Like Children” del 2004.

En este nuevo trabajo de Tilly and the Wall, la banda continúa con la exuberancia, el dramatismo y la emoción adolescente conseguida en su álbum debut. Aquí su peculiar sonido twee pop/indie pop sigue intacto, retomando los retoques estilísticos del folk, el sonido lo-fi y sin olvidarse de su particular percusión, hecha a base de los taconeos de la bailarina de tap Jamie Williams.

Igualmente en Bottoms of Barrels, mantienen las armonías vocales de sus cantantes, ese cierto aire a Rilo Kiley, Bright Eyes o The Go! Team y los ecos de las bandas representativas del sello Sarah Records.

Aunque la diferencia es que ahora la banda se muestra con más experiencia, ganando confianza como músicos y aumentando su propuesta sonora, la cual aparece más calida y campestre que antes. Otra particularidad es la ganancia en texturas adornadas por acordeones, trompetas, panderetas, violines, chelos, saxofones y la ampliación de las tonalidades logradas con sus guitarras, pianos y unos órganos muy bien trabajados.


Video en vivo del tema Rainbows in the Dark @ Common Grounds

Tuesday, October 17, 2006

Guillemots - Through the Windowpane

Guillemots es la banda formada por el cantante, pianista, escritor y compositor inglés Fyfe Dangerfield, en el año 2004, en la ciudad de Londres y que luego de varios proyectos personales, decidió juntarse con el brasileño MC Lord Magrao (guitarra), el escocés Rican Caol (percusión) y la canadiense Aristazabal Hawkes (contrabajo), para unir sus eclécticas influencias y estilos personales y así crear un ingenioso sonido indie pop.

La banda comenzó con diversos conciertos en la ciudad de Londres, en donde fueron apreciados por la calidad de sus shows y por la energía proyectada con su música, lo que les valió un contrato con el sello Fantastic Plastic en donde editaron su primer EP “I Saw Such Things in My Sleep EP” en el 2005. Un EP que resultó ser todo un éxito el pasado año, permitiéndole así abrir los shows de la gira Rufus Wainwright por el Reino Unido.

Luego a comienzos de este año, editan el mini-álbum “From the Cliffs” (una colección de sus primeros singles y cuatro canciones pertenecientes de su primer EP) y tiempo después su primer disco de estudio titulado “Through the Windowpane”.

Un debut en donde dejan claro que son una de las formaciones más particulares del indie anglosajón, ya que en “Through the Windowpane” plasman un universo ensoñador con su música, demostrando su maestría con las melodías y su vocación hacia el pop de vanguardia actual.

Un sonido encuadrado en un pop difícilmente clasificable y acompañado por una orquestación de antaño, que bebe del lado más refinado de The Divine Comedy, de la sutileza del britpop, de la particularidad del jazz, el bosanova y el soul y de las atmósferas multidimensionales de bandas como Super Furry Animals y The Flaming Lips.


Video del tema Trains To Brazil

The Pipettes - We Are the Pipettes

The Pipettes es una banda de Brighton, Inglaterra formada en el año 2004 por el productor Monster Bobby con el fin de revivir esa era dorada de las “wall-of-sound girl” de los años 50 y 60, como lo logrado por Phil Spector, Joe Meek, Carole King, Jeff Barry, Ellie Greenwich, Barry Mann o el sonido femenino del sello Motown.

Para esto Monster Bobby reclutó un trío de chicas (Becki, Julia y Rose) para completar su idea, la cual finalmente se concluyó con la adición de un grupo de chicos llamados The Casdettes, encargados de poner la música a este grupo de chicas.

Finalmente The Pipettes estaba completado, comenzando así los ensayos a lo largo de seis meses. Pero en pleno proceso de desarrollo musical a comienzos del 2005, Julia decide dejar la banda y ésta fue rápidamente reemplazada por Gwen, para comenzar así con el proceso de grabación de tres singles de edición limitada.

Los tres singles ("School Uniform," "ABC," y "Judy") resultaron un éxito en los charts ingleses y gracias a esto consiguieron un contrato con el sello Memphis Industries, con el cual lograron mayor proyección musical, formando parte de la gira de The Magic Numbers, Graham Coxon, The Go! Team, y British Sea Power, para luego finalmente lanzar su primer álbum debut We Are the Pipettes.

Un disco con un sonido fresco que evoca esa época de los grupos de voces femeninas de los años 50-60, plagado de melodías pegajosas y con el espíritu juvenil de Camera Obscura, pero retomando el juego de voces del pop y el soul de bandas como The Shangri-Las, The Dixie Cups, The Ronettes y The Shirelles.

Con esto The Pipettes, ha conseguido un sonido muy bien trabajado que combina lo mejor del doo-wop y el pop de esos años, con un interesante espíritu indie o punk reflejado no sólo en su música, si no en el aspecto lírico, el cual toma un rol más agresivo a diferencia de las“inofensivas” letras acerca de amores imposibles o drama adolescente propias de ese estilo.


Video del tema Pull Shapes

Tokyo Police Club - A Lesson in Crime [EP]

Tokyo Police Club es una banda oriunda de Toronto, Ontario (Canadá) y esta integrada por el vocalista/bajista Dave Monks, el tecladista/vocalista Graham Wright, el guitarrista/percusionista Josh Hook, y el baterista /percusionista Greg Alsop.

La banda nace luego de una “ruptura” de un proyecto musical formado por ellos mismos, el cual los mantuvo alejados del mundo musical por varios meses hasta que finalmente se reagruparon como Tokyo Police Club en el 2005.

Ya bajo el nombre de Tokyo Police Club, el grupo comenzó a tocar en vivo en el verano del pasado año en distintas localidades de Toronto y en otoño de ese mismo año formaron parte del Montreal Pop Festival, donde consiguieron una excelente receptividad por parte del público presente.

Luego Monks abandona sus estudios y a comienzos del 2006 la banda firma con el sello local Paperbag Records para comenzar así la grabación de su primer EP llamado A Lesson in Crime.

Un primer EP en el que logran un estupendo resultado, narrando sus historias de ciencia ficción de carácter irónico-emotivo y sustentándolo con un sonido en donde reúnen lo mejor del indie rock de la década pasada y le dan un toque original y personal, adornado por atmósferas del post-punk de los 80, apoyadas por guitarras angulares y ritmos punzantes marcados por una intensa batería, un bajo pronunciado y un exuberante teclado que ayuda a enfatizar el clima sonoro de su música.

Un sonido con diversas referencias, entre las que destacan los cruces con Built To Spill, Pixies, Modest Mouse, Echo and the Bunnymen, Pavement, The Strokes, Sonic Youth y Thunderbirds Are Now!, todo mezclado entre sí y reflejando el sonido más enérgico de la banda, el cual a veces contrasta con los tempos mas lentos o el enfoque emo que evoca los trabajos de Sparta o Sunny Day Real Estate, como en el tema "Citizens of Tomorrow".


Video en vivo del tema Citizens of Tomorrow @ The Annex

Monday, October 16, 2006

Peaches - Impeach My Bush

Tercer álbum de la canadiense Merrill Nisker (mejor conocida como Peaches) y con el cual marca su regreso tras la edición de su disco “Fatherfucker” en el 2003.

Este nuevo trabajo de Peaches, no es tan feroz como su predecesor, pero de nuevo cuenta con los ingredientes característicos de su sonido electroclash salvaje y maleducado. Un álbum repleto de sensualidad y rebeldía, apoyado a través de líricas de contenido sexual explícito y por una fuerte dosis de electro-punk a base de melodías electrónicas, fuertes guitarras y roces con el hip-hop.

Igualmente, el contenido lírico de doble sentido aparece inmerso de nuevo, como se nota en el simple título del disco Impeach My Bush, el cual deja claro que Peaches no se enfoca sólo en el sexo, si no más bien trata de enfatizar una crítica política hacia el gobierno de Bush.

Y según palabras de la misma Nisker “el disco, es una invitación a reflexionar sobre la parte que nos toca a todos con respecto a la guerra y a lo que pasa en el mundo. Trato de que la gente se cuestione a sí misma, que cuestionen los roles de hombres y mujeres, autoridades, gobiernos. Si la gente cree que solamente hablo de sexo, no se entera de nada.”

Además de esto, el disco muestra una Nisker más abierta a las posibilidades de producción, en la cual contó con la ayuda de Mickey Petralia (Beck, Ladytron) y Greg Kurstin (Gwen Stefani, Lily Allen), productores que proporcionaron un sonido más análogo a la música de Peaches, dejando a un lado la GrooveBox y optando más al uso de moogs, genuinos sintetizadores Roland Junos y Jupiters, secuenciadores, caja de ritmos analógicas y lyndrums.

Todos estos elementos lograron un sonido más pulcro y claro en su música, hecho que se puede notar en los beats de los temas "Tent in Your Pants", "Downtown" y "Slippery Dick". Por otro lado las guitarras han sido tocadas con amplificadores Marshall y con genuinas guitarras Gibson Les Paul Jr. consiguiendo proyectar el sonido sucio digno del espíritu punk, como lo logrado en los temas “You Love It”, “Do Ya” y "Give 'Er" donde aparece la colaboración de Josh Homme (Queens of the Stone Age/ Eagles of Death Metal) en las guitarras.

Otros de los músicos invitados en Impeach My Bush, fueron Joan Jett, Samantha Maloney (Hole, Mötley Crüe, Eagles of Death Metal), Leslie Feist (Broken Social Scene) y Beth Ditto (The Gossip).

En definitiva un disco con lo mejor de la agresividad femenina, saturado de intensidad, atrevimiento, provocación, hedonismo y de toda la parafernalia sexual a la que esta mujer nos tiene más que acostumbrados.


Video del tema Boys Wanna Be Her

Sunday, October 15, 2006

Thom Yorke - The Eraser

Si hace tres años el guitarrista de Radiohead, Jonny Greenwood presentó la banda sonora de la película Bodysong del británico Simon Pummel, para este 2006 el turno es del vocalista de Radiohead, Thom Yorke al presentar su primer esfuerzo al margen de su habitual banda.

El álbum titulado The Eraser, esta compuesto e interpretado por Yorke y según él: “se trata de una recopilación de ideas que siempre han estado ahí y que necesitaba terminar, porque ya me picaban desde hace siglos”.

The Eraser es esencialmente un disco electrónico, siguiendo la vía más artificial de los trabajos “Kid A” o “Amnesiac” de Radiohead con algo de las texturas sonoras de Telefon Tel Aviv o Boards Of Canada. Un sonido abrumado por matices electrónicos y con una base rítmica más pronunciada hecha a base de beats, sintetizadores, líneas de bajo y algún cuidadoso arreglo de guitarra.

El disco por su parte se presenta muy lineal y minimalista, sin presentar alguna mutación a medida que transcurren las nueve canciones escritas por Yorke. Canciones en donde la temática lírica toca el lado más existencial, intimista e intenso de Yorke, mostrando ese remordimiento acerca de la alineación del hombre moderno y los constantes desvaríos que devastan al ser humano.

Todo un disco que refleja la personalidad de Thom Yorke, tanto a nivel lírico como musical, confesando que siempre deseó hacer un disco así desde siempre y en donde el protagonismo del álbum se lo lleva su indiscutible voz.

The Eraser fue producido por el inglés Nigel Godrich, el cual es considerado como el “sexto miembro” de Radiohead.


Video del tema Harrowdown Hill

Muse - Black Holes and Revelations

Cuarto álbum de estudio de la banda inglesa Muse y la continuación de su aclamado “Absolution” del 2003.

Black Holes and Revelations empieza en el mismo lugar donde terminó “Absolution”. Abriendo con el tema “Take A Bow” donde unos pronunciados sintetizadores nos trae a la cabeza el sonido característico de la banda.

Pero es tan sólo un minuto y medio lo que nos sirve como introducción ante el nuevo y “revelador” cambio de su música, ya que en plena ambientación épica y con Matt Bellamy exclamando que arderemos en el infierno por nuestros pecados; un beat electrónico entra en escena para adentrarnos en terrenos inexplorados.

Y es que este nuevo trabajo de Muse, es de los que suponen un shock para aquellos fieles seguidores de la banda, ya que el rumbo tomado esta vez, es la creación de canciones más armónicas y “felices” con una pequeña mezcla de estilos como el electro el dance y el jazz, pero sin olvidarse de las fuerzas de sus guitarras y parte de su enérgico sonido.

Según la banda, este nuevo material “es una mezcla “muy drástica” de estilos musicales; algunas pistas rozan el “jazz melódico” mientras que otras son el extremo opuesto del espectro, algo así como un “rock salvaje basado en el groove, influenciado por Prince”. E incluso el trabajo del influyente compositor italiano Ennio Morricone nos inspiró el tono de la canción "The Knights of Cydonia"

El nuevo camino trazado en Black Holes and Revelations se nota en temas como “Starlight” un tema con una base pop/rock adornada por un piano que evoca la dulzura de ABBA o “Supermassive Black Hole" quizás el más revelador del álbum, donde las guitarras se fusionan con un ritmo bailable y una voz robótica que sirve de gancho en la canción.

Asimismo, la fuerza y la esencia de su sonido lo encontraremos en temas como “Map of the Problematique” donde una atmósfera trance actúa como preámbulo ante una enérgica pieza condensada en fuertes riffs de guitarras y diversos efectos electrónicos o en el tema “Assassin” la canción más potente del disco, con una agresividad marcada por rápidos contratiempos y una púnzate guitarra; y la exuberante "Knights of Cydonia" toda una composición épica al mejor estilo de Rush, Queen y Pink Floyd.

Pero ante tantas “revelaciones” y beats electrónicos inmersos en el álbum, cabe resaltar que el sonido se muestra más integro y no se olvidan de los crescendos y de sus líricas de orientación apocalíptica, alienígena e introspección-reflexiva. De igual forma mantienen el enfoque de opera rock/épico de su música, así como también la suma de los detalles estilísticos en su sonido, como los arreglos de cuerdas y trompetas en “City Of Delusion” o la guitarra flamenca en “Hoodoo”

También es necesario resaltar las constantes influencias de Queen a lo largo del disco, no sólo a nivel musical, si no también en el nivel armónico-vocal de Bellamy como en el tema "Soldier’s Poem" donde su registro vocal similar al de Thom Yorke (Radiohead) se fusiona con el de Freddie Mercury (Queen)


Video del tema Starlight

TV on the Radio - Return to Cookie Mountain

Hace dos años el disco "Desperate Youth, Blood Thirsty Babes" de TV on the Radio los situaba como una de la bandas con más personalidad en la escena neoyorquina de ésta década, ya que en ese disco (a la cual se le suman una maqueta del 2002 y un EP del 2003) los de Brooklyn se caracterizaron por mezclar la sensibilidad afroamericana del jazz, el soul, el doo-woop y el dub con elementos propios del post-punk y múltiples experimentaciones sonoras.

Gracias a esto TV on the Radio facturó un sonido propio que les hizo ganar destacadas críticas, por el simple hecho de que la agrupación no sonaba a nada conocido.

Ahora, dos años después editan “Return to Cookie Mountain” en donde a la banda integrada por Tunde Adebimpe (voz y programaciones), Dave Andrew Sitek (guitarras y programaciones) y Kyp Malone (guitarras y voz) se le suman los dos músicos Jaleel Bunton (batería) y Gerard Smith (bajo).

En este nuevo trabajo las experiencias e influencias musicales de los componentes de la banda, confluyen entre sí y aumentan con creces todo lo bueno de sus anteriores trabajos, consiguiendo acumular la vanguardia y la experimentación para crear así una atmósfera sónica consistente que caracteriza y diferencia al disco dándole coherencia.

Igualmente, los ritmos se muestran más orgánicos que de costumbre, con mayor protagonismo en las guitarras, violentos beats y una diversidad de sonidos e instrumentos, logrando un muro de sonido hipnótico infectado y saturado de distorsión, donde chocan el espíritu de las armonías vocales del soul, el blues, y el gospel más cismático con ráfagas shoegaze y las referencias del post-punk vanguardista de The Fall y Pere Ubu.

A este sonido, se le suma una intensidad apocalíptica con letras de espíritu crítico ligadas a la moral y al descontento hacia la política americana, reflejando la postura de la banda de hacer música jodida y confusa para un mundo violento y confuso, y que es definida por el mismo David Andrew Sitek como la música que estarás escuchando cuando el mundo se esfume.

Por otro lado, el disco cuenta con la colaboración de El Duque Blanco David Bowie en el tema “Province” y hasta se puede oír a Kazu Makino (Blonde Redhead), Martin Perna y Stuart Bogie (Antibalas Afrobeat Orchestra), Katrina Ford (Celebration), Chris Taylor (Grizzly Bear) y al colectivo Omega Moon. (Sitek)

En definitiva en “Return to Cookie Mountain” el sonido explota en todas las direcciones, plasmando de nuevo un trabajo original e indescriptible, donde sobresale una producción trabajada meticulosamente y el talento excepcional de una banda dispuesta a abrazar la vanguardia más actual.


Video del tema Wolf Like Me

Saturday, October 14, 2006

Johnny Cash - American V: A Hundred Highways

A meses previos de su muerte, entre mayo y septiembre del 2003, Johnny Cash se encontraba grabando su quinta entrega de las grabaciones bajo el sello disquero American Recordings de Rick Rubin.

Lamentablemente en pleno proceso de grabación, el 15 de mayo del 2003, su esposa June Carter Cash moriría en un hospital de Tennessee tras sufrir complicaciones de una cirugía de corazón.

Luego de la muerte de su esposa, Johnny experimentó los días más tristes de su vida, tanto física como emocionalmente y lo único que lo mantuvo enfocado fue la grabación "American V: A Hundred Highways".

Dichas grabaciones fueron retomadas tan sólo unos pocos días después de la muerte de June, con el fin de manifestar sus deseos (que eran los de su mujer también) de seguir trabajando cuanto antes, ya que grabar era su única razón principal para estar vivo.

En American V el proceso de grabación no fue hecho como en sus previos trabajos con Rick Rubin, donde Cash normalmente viajaba hacia Los Angeles para escuchar el resultado luego del proceso de mezcla de Rubin. Todo esto cambió, ya que el el estado en que se encontraba Johnny Cash en aquél entonces (casi ciego y confinado en una silla de ruedas) era casi inestable.

Debido a esto, uno de sus dormitorios en su casa de Hendersonville fue convertido en estudio y un técnico estaba disponible a cualquier hora del día por si Johnny llamaba para decir que se encontraba suficientemente bien para trabajar.

Con el tiempo, la salud de Cash disminuiría, llegando al punto en que él mismo Johnny Cash temía que "American V: A Hundred Highways" sería su último disco. Pero esto no frustraría su pasión por trabajar, ya que cada mañana, cuando se despertaba, Cash llamaba al ingeniero y le decía que si estaba en condiciones para grabar.

Durante los cuatro meses siguientes, las canciones se trabajaron entre el estudio de Los Angeles de Rubin y el hogar de Johnny Cash, donde a pesar de los serios problemas de Johnny, éste siguió grabando y hasta dio un concierto sorpresa en el «Carter Family Fold» de Bristol, Virginia.

Pero, desafortunadamente el 25 de agosto Cash fue hospitalizado en el Hospital Baptista de Nashville (Tennessee) por una afección estomacal, donde falleció luego de graves complicaciones de su diabetes y por un fallo respiratorio en la mañana del 12 de septiembre del 2003, cuatro meses después de que falleciera su esposa.

Tras este lamentable hecho, Rubin se dedicó a armar el disco, revisando las grabaciones hechas por Cash, para luego agregar la parte correspondiente a los músicos invitados: Mike Campbell (guitarras), Benmont Tench (teclados), Smokey Hormel (guitarras), Mike Sweeney (guitaras) y Johnny Polonsky (guitarras) quienes habían trabajado en anteriores discos de la serie American.

A estos músicos se les unió el ingeniero de Cash durante mucho tiempo David "Fergie" Ferguson, para comenzar así con el proceso de mezcla, en el cual prácticamente todas las canciones se grabaron siguiendo a la voz de Johnny y apoyados por la emoción de su interpretación.

Las canciones seguían el mismo concepto de las grabaciones American Recordings, el cual era reunir un sonido casi desnudo y plasmarlo en canciones ya conocidas, para que Johnny les diera otra dimensión y así convertirlas en algo personal y muy suyo.

Y el resultado fue ese, con la diferencia de que nos encontramos con un hombre desorientado ante la pérdida de su amada esposa y en donde la nostalgia y la tristeza representan enormemente los últimos días previos a su muerte.

Definitivamente American V: A Hundred Highways, es un álbum que DUELE ¡sí! ¡En mayúsculas! Sin duda alguna, uno de los discos más intensos de los últimos años, el cual es fuertemente sustentado por la voz de Cash que sólo en ocasiones recuerda a lo que fue, debido a su tono destrozado y debilitado que refleja el estado de salud física-emocional en la que se encontraba.

Una voz que falla en la mayoría de los registros pero con un Cash imponiéndose y demostrando su calidad interpretativa, la cual resulta determinante al escuchar los doce desgarradores temas, entre los que se incluyen "Help Me" (Larry Gatlin) un ruego a Dios; la balada "If You Could Read My Mind" (Gordon Lightfood); "God's Gonna Cut You Down", un espiritual tradicional; el sentimental "On The Evening Train" (Hank Williams) y otros temas de autores como Rod McKuen y Bruce Springsteen; más dos temas firmados por Cash ("Like the 309" y "I Came to Believe")

“Estas canciones son la última declaración de Johnny. Estas son la más honesta reflexión de que la música era lo más importante en su vida. Esta es la música que Johnny quería que escucháramos” Rick Rubin.

Phoenix - It's Never Been Like That

Tercer álbum de estudio de los franceses Phoenix, y la continuación de su disco “Alphabetical” del 2004.

En este trabajo titulado “It's Never Been Like That” la banda se aleja del enfoque electrónico de sus previos álbumes y ha decidido buscar un sonido más directo, coherente, radiante y enérgico.

Esta vez las guitarras son presentadas con mayor énfasis y siguiendo una estructura pop/rock, con canciones mas integras y un sonido mas entusiasta y fresco, como si fuese el álbum debut de una banda.

Suenan más inmediato que nunca, apoyados en pegadizas melodías y ricas texturas, que evocan de a unos The Strokes más pop o la vena más sutil de Spoon y The Shins, pero siempre manteniendo el espíritu de la banda.


Video del tema Consolation Prizes

Monday, October 09, 2006

Planningtorock - Have It All

Planningtorock es el alter-ego de la multi-instrumentista, programadora y videografa Janine Rostron, quien a la edad de 8 años comenzó a tocar el violín en su ciudad natal Bolton, Alemania, para luego mudarse a principios de los años 90 a la ciudad de Berlín.

Y fue en esa misma ciudad donde Janine se dio a conocer en el año 2002, con el pseudónimo de Planningtorock, nombre con el cual Janine comenzó a presentarse en diversos clubes de la ciudad para así demostrar el potencial vanguardista de su música y de su puesta en escena.

Toda una excéntrica escenografía, apoyada por visuales hechos por ella misma y una paradójica vestimenta, que unidos entre si forman un concepto único y audaz, que explora más allá de la simple música.

Las grandes criticas del show de Planningtorock llevo a Janine a colgar en internet su primera canción y a lanzar varios EP’s en el 2004. Ese mismo año decide también crear su propio sello disquero Rostron Records, con el que lanzó trabajos para The Knife, The Soft Pink Truth y Kevin Blechdom.

Luego de esto Janine decide unirse al sello de las Chicks on Speed, para lanzar una edición limitada de 7” titulada “Changes/I Wanna Bite Ya” y a la vez presentar su primer trabajo discográfico llamado “Have it All”, un debut que según muchos ha sido descrito como un “pop ópera espacial” con actitud hiphopera.

Pero dicha descripción no se queda hasta ahí, ya que la música arriesgada de Janine podría definirse como un indietronic / avant-garde, trazado principalmente por las programaciones y la instrumentación de pianos, xilófonos, teclados, guitarras, flautas, alguna que otra percusión y un uso especial de las cuerdas en pizzicato.

Para tratar de representar este extravagante sonido, imagínense a un Goldfrapp tratando de sonar como The Knife y en pleno camino se cruzan con la rama más heterodoxa de Xiu Xiu y la variedad electrónica de Moloko y el primer disco de Róisín Murphy, todo sutilmente aderezado con los roces de la música clasica más cálida de la era “Drukqs” de Aphex Twin.

En definitiva un disco lleno de eclecticismo, audacia y, por que no decirlo… locura.


Video del tema Think That Thought

Ms. John Soda - Notes and the Like

Segundo disco de esta banda formada en Weilheim (Alemania), la cual esta compuesta por Stefanie Böhm tecladista de Couch y Micha Acher bajista de The Notwist.

A cuatro años de su debut “No P. or D.”, este dúo tuvo mucho mas tiempo para trabajar en la producción de su segundo trabajo titulado “Notes and the Like”. Disco en donde decidieron darle más importancia a los pequeños detalles de su sonido indietronic, para así añadirle más capas de sonidos e instrumentación a su música, como secciones de cuerdas y el uso del Glockenspiel, todo con el fin de dar una mayor unión entre lo electrónico y lo orgánico.

Igualmente su sonido de pop electrónico sigue comandado por los tres elementos básicos predominantes en sus temas, que son el tono de voz ambiguo de Stefanie, las bases programadas y las guitarras meticulosamente acomodadas, dando como resultado una sutil electrónica de fácil digestión, acompañada por textos que hablan de la incomunicación y relaciones personales.

Notes and the Like fue lanzado por el sello Morr y contó con la ayuda de Thomas Geltinger y Carl Oesterhelt.


Video del tema No. One

Dysrhythmia - Barriers and Passages

Cuarto álbum de esta banda de match rock instrumental progresivo formada en Philadelphia y con el que marcan la continuación de su disco “Pretest” del 2003.

Este es su segundo lanzamiento a través del sello Relapse, un sello en donde este año hemos visto dos importantes álbumes como son los de Don Caballero – “World Class Listening Problem” y el de Zombi – “Surface to Air”, dos grupos que podrían ser comparados con la estructura musical de Dysrhythmia.

Aunque Dysrhythmia en su vena musical guarda más parentesco con el sonido progresivo de Don Cabellero que con el sonido artificial de Zombi. Así que ya más o menos saben, por donde se encamina el sonido de la banda.

Las más claras referencia en su música son el sonido progresivo de King Crimson y el Rush más delirante entrelazados con los ritmos derivados del jazz de John Zorn y el caos sónico de Sonic Youth. Un estilo denominado math rock, netamente instrumental, “supuestamente” errático e impredecible y con la especial predilección por la experimentación digna del post rock y las métricas irregulares del jazz.

Lo interesante es que no aportan nada nuevo, pero paradójicamente con Dysrhythmia, este estilo adopta otra dimensión, como un Don Caballero con esteroides, buscando un sentido de exploración musical más amplia y dándole un nuevo aire al rock experimental.

Sunday, October 08, 2006

Roommate - Songs the Animals Taught Us

Roommate es el nombre adoptado por el director experimental y músico Kent Lambert, el cual en sus inicios surgió como un proyecto personal, pero que finalmente con los años se transformo en una banda.

La idea de Roommate nace cuando Lambert decidió mudarse de Iowa City (Iowa) a Brooklyn (N.Y.) en el año 2000. Un año después en el 2001, Lambert graba su primer EP titulado "Celebs" en su apartamento de Brooklyn, el cual estuvo inspirado en el mundo excéntrico de las celebridades y hasta incluyó una canción en honor a River Phoenix llamada "RP (forget the metaphors)".

El EP fue finalizado en agosto del 2001 y fue distribuido por el propio Lambert justo después de que éste se mudara a la ciudad de Chicago. Ya para el año del 2002 “Celebs” habia ganado muchas críticas, llegando a estar entre los 20 lanzamientos más importantes de la revista online Uzine, el cual lo definió como una de las principales promesas de los últimos años.

Su canción "RP (forget the metaphors)" llegó a sonar en radios belgas y hasta fue parte de un compilado lanzado por Duyster en el 2005 bajo el título de "Duyster.Classics" junto a temas de artistas como Low, Cat Power, Tortoise, Sparklehorse y más.

Ya para el 2004, Lambert recluto varios músicos, para presentar su música en vivo en diversos shows en la ciudad de Chicago y tras varios compositores inmersos en el proyecto, la alineación quedo finalmente compuesta por Luther Rochester ex Low Skies (sintetizadores análogos), Seth Vanek y Justin Petertil (baterías), Mercedes Landazuri (banjo), Sarah Holtschlag (sierra musical) y Erica Dicker (violín).

Finalmente en este 2006 el sello Fresh Produce reedita su primer EP Celebs y al mismo tiempo Lambert y compañía realizan su esperado debut Songs the Animals Taught Us bajo el sello Plug Research.

Un debut donde Lambert expande la experimentación musical de su primer EP, recogiendo variadas y diversas influencias musicales. Como si The Postal Service trataran de sonar como Xiu Xiu (pero sin tanta paranoia) si no más bien sumergido en una electrónica muy sutil y cálida, similar a la de un Nintendo 8-bit y con unas atmósferas que se encuentra entre los paisajes de Fennesz y Boards Of Canada y las tormentas sonoras de My Bloody Valentine y Cocteau Twins.

Todo un collage de influencias adornado por líricas que evocan los textos de Scott Walker y David Byrne referentes a las miserias de la vida, como la guerra, la economía, las clases sociales, los ideales utópicos y el miedo a la muerte.

Oh No! Oh My! - Oh No! Oh My!

Oh No! Oh My! es una agrupación formada en Austin, Texas (USA) por tres jóvenes, con el simple hecho de dar a conocer su música a través del mejor estilo de DIY, “Do It Yourself” (Hazlo tú mismo).

La banda esta integrada por Greg Barkley (voz, guitarra, bajo, banjo, acordeón, percusión y pianos tipo Rhodes y Wurlitzers), Daniel Hoxmeier (guitarra, banjo, acordeón, teclado, pandereta, percusión, sampleo y programación) y Joel Calvin (batería, teclado, pandereta, campanas y una gran variedad de instrumentos de percusión).

Comenzaron tocando en Nashville bajo el nombre de The Jolly Rogers y con un estilo de música más depresivo, pero todo esto cambió cuando la banda optó por cambiarse el nombre a Oh No! Oh My! (Nombre tomado de una canción de The Robot Ate Me) para así darle un tono más colorido a su música.

Juntos reunieron sus ideas musicales e influencias de grupos como Belle and Sebastian, Magnetic Fields y The Shins, para hacer (según ellos) una especie de “post-pop” pegadizo de frescas melodías y con cierto toque de encanto.

Y el resultado logrado se encuentra en este homónimo debut distribuido por ellos mismos, donde su simpático y alegre sonido es delineado por once coloridas canciones de fácil escucha. Como si The Unicorns sonaran menos arriesgados y con una estructura musical similar a Clap Your Hands Say Yeah, The Boy Least Likely To y Of Montreal.

En definitiva, un primer trabajo compuesto por un sonido sencillo, inteligente, divertido y adictivo, con letras irónicas y elementos del twee pop, folk e indie rock y que al mismo tiempo les ayudo a ser parte del festival de Lollapalooza de este año y hasta a ser teloneros del tour de The Flaming Lips, con el apoyo de los músicos Tim Regan en los teclados, Will McDonald en el bajo y Humberto Trevino Jr. en la trompeta.


Video en vido de Walk In The Park @ Knitting Factory

Primal Scream - Riot City Blues

Octavo disco de la banda escocesa Primal Scream y la continuación de su álbum “Evil Heat” del 2002.

En este trabajo la agrupación comandada por Bobby Gillespie ha decidido apartarse de los loops, las programaciones y el enfoque electrónico de sus últimos trabajos, para esta vez, acercarse más las raíces del rock.

Riot City Blues se olvida de la experimentación y se va por el camino mas directo y sencillo, muy similar a lo que hicieron en 1994 con su álbum “Give Out But Don't Give Up”. Canciones alegres acompañadas por mandolinas, banjos, amónicas y panderetas, combinando la esencia del rock con el country, el blues o el soul y evocando los primeros trabajos de The Rolling Stones y The Faces.

El álbum fue producido por Martin "Youth" Glover y cuenta con las colaboraciones de Will Sergeant (Echo & The Bunnymen) Warren Ellis (Bad Seeds) y Alison Mosshart (The Kills).


Video del tema Country Girl

Saturday, October 07, 2006

Professor Murder - Professor Murder Rides The Subway (EP)

Professor Murder es una banda formada en el 2004 en la ciudad de New York y está compuesta por Michael Bell-Smith (voz, percusión, bajo y teclado), Tony Plunkett (bajo), Andy Craven (bateria) y Jesse Cohen (teclado y sampleos).

Éste es su primer EP titulado “Professor Murder Rides the Subway”, el cual fue grabado en tan solo un mes y en donde el cuarteto musical ha decido juntar sus influencias de la escena post-punk de finales de los 70 y comienzos de los 80, para añadirle cierto color a ésta y crear alegres melodías.

A lo largo de dos años, la banda presentó su música en la ciudad de New York y hasta fueron teloneros de bandas como Radio 4 y !!!, grupos con los que guardan similitud musical, por el hecho de orientar su música hacia el dance-punk y también por el uso de percusiones marcadas en sus composiciones.

También emplean el uso de loops y programaciones dentro de su música, la cual está marcada por líneas de bajo funkies, sintetizadores, cowbells y ritmos bailables que les dan un excelente tratamiento festivo a su sonido. Además de esto, sus estructuras rítmicas se hallan compuestas por progresiones y cambios constantes que ayuda a explorar más allá del simple post-punk pero sin afectar el groove de su música.

Toda una party-band que rescata el espíritu festivo de bandas como LCD Soundsystem o The Rapture y lo fusiona con la esencia post-punk de Fire Engines y A Certain Ratio.