Friday, December 29, 2006

MSTRKRFT - The Looks

MSTRKRFT es un dúo canadiense formado el pasado año, por Jesse F. Keeler, bajista de la extinta banda Death from Above 1979 y por el músico Alex Puodziukas, más conocido como Al-P y famoso por ser el productor del disco “You're a Woman, I'm a Machine” de Death from Above 1979.

El sonido de este nuevo proyecto abandona el rock afilado de DFA 1979 y esta vez se enfoca hacia un sonido más robotico y electrónico, a base de vocoders y enfatizando el fuerte amor de Jesse F. Keeler hacia el sonido de los Daft Punk. Y es que parte de ese house filtrado de los franceses se hace presente en el sonido de los MSTRKRFT (pronúnciese "Masterkraft").

Por otro lado, en este debut titulado “The Looks” se pueden percibir las constantes influencias del dance punk y la sustancia enérgica y metálica que dominaba buena parte del sonido de los DFA 1979, aunque en esta ocasión todo ha sido transformado y robotizado, dentro de un mundo electrónico dominado por fuertes beats, filtros y mucho ritmo.


Video del tema Work On You

Akron/Family - Meek Warrior

Luego de colaborar con diferentes proyectos y editar el pasado año su homónimo debut, la banda Akron/Family regresa este año para lanzar su nueva placa discográfica titulada “Meek Warrior”.

Para este nuevo trabajo la fórmula de los Akron/Family se acentúa de una manera más psicodélica y exploratoria. Ahora su folk experimental, se expande entre una gran multiplicidad de pasajes sonoros fundidos en una especie de mantra o un extasis místico trascendental.

En “Meek Warrior” se nota la evolución hacia un sonido más alucinante y su intensa búsqueda de reinventar el folk. Ahora su sonido refleja una acentuada experimentación, integrando una mayor diversidad de ruidos y prologando sus desarrollos jazzisticos inspirados en el folk-rock, la electrónica y la psicodelia de los años 60.

Un álbum sin límites y en donde las texturas brotan constantemente y se pierden entre una brillante y caótica improvisación o una ambientación apacible e introspectiva. Cálido y bizarro a la vez, pero con un aura de misticismo y una capacidad de envolver la psicodelia de bandas como The Beatles, Captain Beefheart, The Flaming Lips, Radiohead y Spiritualized con el espíritu folk de The Band y algo de las melodías de los Beach Boys.

Beach House - Beach House

Beach House es un dúo formado en Baltimore y está integrado por Alex Scally (guitarra/teclados) y Victoria Legrand (voz/teclado) (ésta última es la sobrina del compositor francés Michel Legrand) y juntos presentan este 2006 su homónimo debut titulado “Beach House”.

Este disco debut de Beach House esta bañado por una atmósfera cristalina y ensoñadora que recuerda el trabajo de bandas como Mazzy Star, Galaxie 500 y Spiritualized, pero Beach House se encarga de hacerlo de una forma más intima, apoyada por lentas y delicadas melodías comandadas por la evocadora voz de Victoria, la cual guarda mucha similitud con el lado lánguido de Hope Sandoval (Mazzy Star) y el hipnotismo y la sensualidad de Nico.

En cuanto al sonido, éste aparece orientado hacia el lo-fi, sin tantos detalles de producción y contando con pocos elementos que decoren su música. Tan sólo una drum machine, una guitarra y unos antiguos órganos, marcan el tiempo y construyen las atmósferas etéreas de Beach House.

También se filtran varios arreglos y efectos, similar a los usados por Magnetic Fields, Suicide o Broadcast, para darle cierto toque estético a su sonido y aumentar la textura de su nostálgica y melancólica música.


Video en vivo del tema Apple Orchard

Thursday, December 28, 2006

Scanners - Violence Is Golden

Scanners es una banda de Londres (Inglaterra), que comenzó como un dúo integrado por Sarah Daly (voces, bajo, violines) y por Matthew Mole (guitarras, voces, sintetizadores). En sus primeras presentaciones el dúo tocaba con el apoyo de una drum machine y posteriormente llegaron Amina Bates (guitarra y teclado) y el baterista Tom Hutt, para finalmente completar la banda.

Luego de tocar con diferentes bandas como Juliette Lewis & the Licks, The Fever y Electric Six, el sello Dim Mak los ficha para presentar su disco debut “Violence Is Golden”. Un primer álbum en donde reúnen sus diversas influencias del post-punk y el new wave de los ochenta, para adaptarlo a su gusto.

A primera escucha la banda no aporta nada nuevo a la escena musical actual, de hecho caen en la llamada ola del post-punk/new wave revival de ésta década. La diferencia es que Scanners se mueve hacia terrenos muy particulares y con un sonido más variado en comparación a mucho de sus contemporáneos.

Por ejemplo su vocalista Sarah Daly tiene mucha influencia de PJ Harvey y realmente suenan muy similares, aunque Sarah le añade cierta rabia vocal al mejor estilo de Siouxsie Sioux, para narrarnos unos textos bañados de melancolía, depresión y temas relaciones a la muerte.

En cuanto al sonido, los ingleses destilan un rock de tonalidades sombrías en donde chocan la energía de Siouxsie and the Banshees y el lado lúgubre Joy Division o Bauhaus. A su vez le añaden, algunos trazos de Blondie, melodias cercanas a The Pretenders, ambientaciones muy al estilo de New Order y pequeás ráfagas del sonido noventero de Elastica.


Video en vido del tema Lowlife

Crystal Castles - Alice Practice EP

En las calles de la ciudad de Toronto (Canadá), un joven chico llamado Claudio, se encuentra un teclado en el basurero ubicado al lado de su edificio. Al llegar a su casa Claudio se acordó de la consola de videojuegos Atari 5200 que había encontrado una semana atrás y decidió procesar el chip de sonido de la consola dentro del teclado, para así tener un mayor control en los sonidos a través de su laptop.


Luego de varios días experimentando e improvisando con algo de ruido y sonido, Claudio opta por darle parte de estos temas a una chica que conoció llamada Alice, para que ella finalmente aportara las voces a la música hecha por Claudio. Meses después entraron al estudio con el teclado roto y un micrófono descompuesto, para grabar de nuevo unos temas, en donde Alice cantaba sobre las pistas de Claudio a manera de prueba y no en pro de hacer una banda por el simple hecho de que no contaban con los equipos necesarios.

Luego de esto, Alice y Claudio, dejaron de verse por un largo tiempo. Seis meses después Claudio vuelve a escuchar sus grabaciones y decide crear una cuenta en MySpace para subir parte de los temas grabados con Alice. El nombre escogido fue el de Crystal Castles en honor al famoso castillo de la serie animada She-Ra (la hermana de He-Man).

Y a partir de ese momento es que Crystal Castles comienza a dar que hablar, hasta que finalmente un año después diversos sellos disqueros comenzaron a contactar a Claudio, forzándolo a que se reuniera con Alice de nuevo.

Ambos no tenían idea de lo que estaba ocurriendo, pero a pesar de esto decidieron lanzar un EP casero que los mantuvo de gira por locales de su ciudad y posteriormente en diversas ciudades del Reino Unido.

Su música iba creciendo aún más gracias a la Internet y los diversos blogs de la web y finalmente eligieron el sello Merok Records para la edición de su primer EP de siete pulgadas llamado “Alice Practice”, el cual está formado por cuatro temas y en donde la banda plasma todo su arsenal sonoro.

Con este EP, los Crystal Castles, presentan su intenso y distorsionado sonido, forjado a través de ritmos pulsantes donde chocan el electro-punk y la rabia del glitchcore. Un sonido muy áspero pero a la vez pegadizo, con la intención de hacer ruido y divertirse, recogiendo parte de la estela “new-rave” de bandas como The Klaxons y combinando la actitud riot grrl y el sonido enérgico e intenso de bandas femeninas como las Yeah Yeah Yeahs, Mu, Erase Errata o las Chicks On Speed con una fuerte dosis sintética de unos Nintendo Teenage Robot y unos Printed Circuit.


Presentacion de Crystal Castles @ CMJ Fader party

Barbara Morgenstern - The Grass Is Always Greener

La alemana Barbara Morgenstern regresa luego de un extenso tour mundial (ya sea en solitario o en compañía de Robert Lippok de To Rococo Rot) para entregarnos el sucesor de “Nichts Muss” del 2003.

El disco lleva por título “The Grass is Always Greener” y en éste su música indietronic se torna hacia una onda más minimalista donde el piano aparece como protagonista y donde el sonido se muestra más orientado al electro pop.

Es un sonido más maduro en el cual predomina un ambiente sugerente, evocativo y etéreo. Una buena dosis de pop frágil electrónico, con el piano como instrumento básico y la delicada voz de Morgenstern adornando los ligeros envoltorios electrónicos de su música.

Por otro lado “The Grass is Always Greener” es definitivamente el álbum más confidente y personal dentro de la carrera de Barbara Morgenstern, influenciado en parte por la extensa gira de la cual formó parte y según sus propias palabras, toda esta experiencia intoxicante se convirtió en materia prima perfecta para el nuevo trabajo.

En “The Grass is Always Greener” Barbara Morgenstern se muestra interesada más que todo en la relación entre la calma y los momentos cargados de energía. También en la muerte, y en la vida en sí, buscando indagar en qué tiene ese lapso de tiempo en especial y cómo puede definirlo realmente.


Video del tema The Operator

Wednesday, December 27, 2006

Pure Reason Revolution - The Dark Third

Este nuevo milenio ha estado marcado por la aparición de una denominada “cuarta generación” de rock progresivo, entre las cuales se podría meter a bandas de la talla de Muse, Mew, The Secret Machines y The Cooper Temple Clause. Bandas prácticamente jóvenes que fueron influenciadas por el prog rock clásico pero que también recogen parte del legado de las bandas progresivas que emergieron en la década de finales de los 80 y de toda la década de los 90.

Entre sus influencias más cercanas se encuentran las bandas Änglagård y Porcupine Tree, siendo esta última la más notoria de todas, debido a que la música de ésta banda inglesa se caracterizó por su diversidad sonora al combinar el rock progresivo con música psicodélica y música ambiental. Y fue esa diversidad musical la que fue pieza clave en el desarrollo de esta nueva generación de rock progresivo.

La novedad de esta nueva camada se halla en que estos incorporan elementos de otros géneros de la década de los 90, como el indie rock, la llamada ola alternativa, la electrónica y algo de post rock. Influenciados por bandas como Radiohead, Nirvana, The Smashing Pumpkins, Tool, Super Furry Animals y la mismísima Björk, es como este género busca redefinirse con esta nueva generación.

Y parte de esta nueva oleada, esta comandada por la agrupación inglesa Pure Reason Revolution, formada en Londres en el año 2003 y quienes tienen a sus espaldas varios singles y EP’s que plasman este nuevo discurso musical. La agrupación está compuesta por John Courtney (voz, guitarra y teclados), Chloe Alper (bajo y voz), Jamie Wilcox (voces, guitarras), Jim Dobson (voz, guitarra, bajo, teclados y violín) y Andrew Courtney (batería), y ahora, luego de hacer tanto discurso musical reiterativo, han decidido editar este año su disco debut titulado “The Dark Third”.

Un trabajo en donde lo expuesto anteriormente se queda corto, ante tanta magnitud a la hora de plasmar las diversas influencias del grupo. A primera escucha el sonido de la banda se relaciona de inmediato con Porcupine Tree, pero con una diferencia enorme en cuanto a experimentación.

En este debut Pure Reason Revolution factura una amplia una ambientación etérea y expansiva al mejor estilo de Pink Floyd. Registran un rock progresivo plagado de sucesivos cambios de atmósferas que van de lo sutil a la densidad máxima, al estilo Tool y fusionándolo con diversas ráfagas de astral folk, electrónica, armonías vocales y gran cantidad de arreglos inteligentes que hacen de su música un amplio universo musical, que evoca los trabajos de Queen, The Beach Boys, The Smashing Pumpkins, King Crimson y Super Furry Animals.


Video del tema The Intention Craft

Boards of Canada - Trans Canada Highway EP

El dúo escocés Boards Of Canada regresa este año, luego de editar hace siete meses su disco “The Campfire Headphase”. En esta ocasión la agrupación no nos trae un trabajo discográfico, si no más bien, un EP titulado compuesto por seis canciones, entre las cuales se incluye el tema "Dayvan Cowboy" (el cual apareció en su último trabajo de estudio del pasado año) y una remezcla del mismo hecha por Odd Nosdam.

Los otros cuatro temas restantes mantienen el concepto sonoro de su carrera, es decir un IDM apoyado por sus extensos pasajes sonoros que evocan el ambient de Brian Eno y las ráfagas sonoras del shoegazer. Aunque, con la diferencia de que estos temas no contienen esos adornos o arreglos de guitarras que incluían en su último disco “The Campfire Headphase” del 2005.

En “Trans Canada Highway” hay una mirada al pasado, en especial a su EP del año 2000 “In A Beautiful Place Out In The Country EP”. También hay parte del hechizo bucólico de su disco “Music Has The Right To Children” (1998) y parte del desasosiego de su álbum “Geogaddi” (2002).

El sonido paisajístico y etéreo de “Trans Canada Highway” también rescata parte de los breaks y beats propios del hip-hop de “Geogaddi”. A su vez la electrónica invernal, las melodías nostálgicas y las atmósferas perturbadoras dignas del sello Warp se hacen presentes en éste EP.


Video del tema Dayvan Cowboy

Tuesday, December 26, 2006

Beck - The Information

Tras editar el pasado año el álbum Guero junto con los Dust Brothers, Beck retorna este 2006 para editar el disco que iba ser el sucesor de aquél “Sea Change” del 2002, pero que al final por cuestiones de preferencias Beck decidió archivarlo para centrarse de lleno en “Guero” (2005).

Si el objetivo de su anterior placa era volver en parte al sonido y a la estética de su preciado “Odeley” (1996), en “The Information” Beck ha decidido continuar con el sonido conseguido en los álbumes previos a “Guero” como lo son el “Mutations” (1998) y el “Sea Change” (2002).

Al escuchar “The Information” se puede apreciar como éste trabajo sería la continuación de su disco “Sea Change” y mucho de esto se percibe en el trabajo de producción, el cual fue llevado a cabo por Nigel Godrich, quien precisamente se encargó de sus obras más personales, por esta razón, este nuevo trabajo de Beck se sitúa entre un “Sea Change” y un “Guero”.

En este disco se funden ambas vertientes de Beck y él vuelve a hacer gala de su eclecticismo sonoro, facturando canciones frágiles que beben del Dylan más folkie y combinando esa gran diversidad de estilos, como el indie rock, el hip-hop, el funk, la electrónica, el blues y el country. Toda una mezcolanza en la que Godrich aporta sus habituales matices para simplemente adornar y resaltar la belleza austera de algunas de sus piezas.

El disco a su vez muestra un sonido muy urbano, ya que Beck se centra en recrear parte del agobiante mundo saturado de información y de tecnología.

The Information fue lanzado por el sello Interscope.


Video del tema Nausea

Isis - In the Absence of Truth

Cuarto álbum de estudio de la banda Isis y la continuación de su disco “Panopticon” del 2004.

Este nuevo trabajo de Isis, suena a como muchos se imaginaban. Ahora la banda se aproxima más a un sonido post-rock, con postergados riffs angulares de guitarra y con una instrumentación más dinámica.

En “In the Absence of Truth” el sonido de Isis se ha vuelto mas expansivo y exploratorio, como si su estilo post-metal fusionara el post-rock más afilado de Explosions in the Sky o Mogwai con la base rítmica de Tool (grupo del cual han sido teloneros). De hecho, las influencias de Tool y el post-rock han estado presentes en su música, pero con este trabajo dichas influencias aparecen mas pronunciadas que nunca.

También el trabajo de su vocalista Aaron Turner aporta grandes maravillas vocales, ya que en este álbum hay un mayor uso de lo plasmado en “Panopticon”, donde Turner lograba combinar sus voces limpias con una dosis perfecta de gruñidos guturales. En cuanto a su baterista Aaron Harris éste se mueve hacia territorios más tribales en este disco, como si Danny Carey de Tool estuviese al mando de sus baquetas.

Por otro lado, sus ambientaciones se alejan cada día más del sludge y optan por trazar un camino más espacial forjado a través de un sonido más relajado y maduro y consiguiendo un auténtico viaje atmosférico, en donde contrastan los momentos de caos con los paisajes de absoluta calma.

Y siguiendo la línea de sus previos trabajos, “In the Absence of Truth” muestra de nuevo una camino conceptual inspirado en temas como el relativismo, el nihilismo, la Biblia, el líder de los asesinos Heinrich Khunrath, alquimista medieval y filósofo Hasan-i-Sabah y en obras literarias como Don Quijote de la Mancha del novelista y poeta español Miguel de Cervantes, House of Leaves del escritor Mark Z. Danielewski y Laberintos de Jorge Luis Borges, para finalmente facturar así un disco bajo la premisa de que nada es verdad y todo está permitido.


Video del proceso de grabación de In the Absence of Truth

Sibylle Baier - Colour Green

Hace más de 30 años, entre 1970 y 1973, una cantante, costurera, pintora, actriz y bailarina alemana llamada Sibylle Baier, grabó de forma casera una serie de canciones junto a su guitarra y una máquina de grabación. Todas estas grabaciones quedaron guardadas por más de treinta años en su hogar, hasta que el hijo de Baier astutamente decidió enviar una copia de lo que había grabado su madre a J. Mascis, de Dinosaur Jr.

Ahora tres décadas después las cálidas canciones compuestas por Baier son publicadas este año por el sello Orange Twin, con el fin de dar a conocer uno de los mejores secretos guardados del folk alemán. Y es que en éste álbum nombrado “Colour Green” los sentimientos, la nostalgia y las pequeñas tragedias de la vida diaria de Baier, son relatados de una forma dulce y reflexiva, al mejor estilo de grandes como Vashti Bunyan, Nick Drake, Nico, Leonard Cohen y Joni Mitchell.

Con tan sólo el sonido de su guitarra y su voz y con arreglos muy precisos, Baier aparece hoy para maravillarnos con un folk austero y de tonalidades sepia como el de la portada del disco.


Video no oficial del tema The End

Emily Haines - Knives Don't Have Your Back

La vocalista de Metric y parte integral del colectivo Broken Social Scene, Emily Haines nos presenta este 2006 su disco en solitario titulado “Knives Don't Have Your Back”, el cual se convierte en su segundo álbum como solista, tras la edición de su disco “Cut in Half and Also Double”, el cual fue lanzado por ella misma hace diez años en 1996.

Con este trabajo, Emily Haines se aleja tanto del enérgico sonido de Metric como del arriesgado planteamiento musical de Broken Social Scene y en lugar de eso, ha optado por un sonido más desnudo y delicado, en donde sólo sobresale la voz de Emily acompañada por un piano, algún que otro arreglo de viento y sus textos dolorosos y profundos.

Emily Haines sorprende al brindarnos su lado más melancólico hablando acerca de historias cotidianas, sentimientos encontrados, amor, decepción y tristeza, pero hecho de una forma inteligente y con unos textos mucho más profundos en comparación a las respectivas bandas de la cual forma parte.

“Knives Don't Have Your Back”, muestra el lado nunca antes visto de Emily Haines, no sólo en el aspecto lírico, si no, en el aspecto compositivo, en donde prácticamente logra reinventarse como compositora.

Es un álbum muy íntimo, oscuro y nostálgico, impregnado por una melancolía que duele, pero al mismo tiempo es un disco dotado de una belleza y exuberancia que refleja su dedicación a la música.

En este trabajo Emily Haines aparece acompañada por un grupo de músicos llamados los Soft Skeletons, formado por miembros de Metric, Broken Social Scene, Stars y Sparklehorse.


Video del tema Doctor Blind

Milosh - Meme

Segunda placa discográfica del canadiense Mike Milosh y la continuación de su debut “You Make Me Feel” del 2004.

Si en su primer disco Milosh narraba las dificultades sobre el amor, ahora dos años después nos topamos con un cantautor más emotivo y marcado por la ruptura con su chica. En Meme, Milosh explora en sus canciones ese nuevo estado que va de la desolación inicial a la búsqueda de nuevas aventuras románticas.

Por su parte el aspecto musical y su pasión por el soul siguen intactos, ya que en Meme, la sutil electrónica de carácter downtempo con la que se dio a conocer en su debut continua siendo la pieza clave de su sonido. Y es que Milosh con este trabajo, demuestra lo mejor de la electrónica deconstructivista, combinando su exquisito gusto por las melodías melancólicas con un buen surtido de ambientaciones electrónicas.

Un disco para los amantes de bandas como Telefon Tel Aviv o The Go Find

Monday, December 25, 2006

Deftones - Saturday Night Wrist

Quinto disco de estudio de la banda de Sacramento y la continuación de su álbum homónimo “Deftones” del 2003.

Tras tres años de silencio y después de editar el pasado año su compilado “B-Sides & Rarities”, la banda Deftones, una de las agrupaciones pioneras de la ola “nu-metal” de finales de los 90, regresa este 2006 con el trabajo más variado y dinámico de su carrera.

Este nuevo trabajo titulado “Saturday Night Wrist” está integrado por una amplia gama de ritmos y estilos, en donde se combina la agresividad de sus primeros trabajos con la diversidad sonora y la emotividad lograda en sus dos últimos álbumes, y según como lo explica el baterista Abe Cunningham: “Es un álbum que explora un amplio espectro de sonido, en lugar de oscilar solamente entre materiales ligeros y duros.”

Al escuchar “Saturday Night Wrist” encontrarán mucha de la diversidad lograda en “White Pony” (2000). De hecho hay una mayor exploración en el uso de la electrónica y una gran variedad de elementos que hacen de éste disco un álbum más versátil que “White Pony”. Quizás las mayores sorpresas del disco, sea el tema instrumental “U, U, D, D, L, R, L, R, A, B, Select, Start” y la canción “Pink Cellphone” un tema minimalista que evoca algo del trip-hop inglés o el IDM de Warp Records y en donde aparece un monólogo de Annie Hardy (Giant Drag).

Aunque el deseo de innovar no es lo único que nos trae este nuevo álbum, ya que “Saturday Night Wrist” también recupera parte de la brutalidad y de la crudeza sonora de discos como “Around the Fur” (1997). El mejor ejemplo son los temas “Rapture” y "Rats!Rats!Rats!" temas agresivos apoyados por los particulares riffs de guitarra que caracteriza el sonido de los californianos.

En cuanto a la voz de Chino Moreno, ésta sigue tan variable como siempre, combinando su lado eufórico con su lado más etéreo y con la novedad de registrar diversas armonías vocales que ayudan a plasmar la multiplicidad sonora del disco. A su vez, en “Saturday Night Wrist” esa contundencia en la guitarra de Stephen Carpenter adquiere una mayor proyección en búsqueda de recrear ambientes y facturar atmósferas más sugerentes por medio de acordes más angulares propios del indie rock, como lo conseguido en los temas “Xerces” y “Rivière”, donde el trabajo de la guitarra evoca cierto aire a The Smashing Pumpkins.

Pero ante tal experimentación, el álbum está hecho de forma unificada, donde todos los elementos se entrelazan entre sí de forma coherente y organizada, facturando así un álbum dinámico y compacto.


Video del tema Hole in the Earth

The Decemberists - The Crane Wife

El año pasado The Decemberists sorprendieron a muchos con su excelente obra “Picaresque” y este año regresan con su cuarta placa discográfica titulada “The Crane Wife”, la cual representa su salto a un sello disquero grande como Capitol y para así finalmente dejar atrás el sello independiente Kill Rock Stars.

Con tres estupendos discos a sus espaldas y siendo una de las principales bandas de la escena indie del nuevo milenio, The Decemberists decidió estar lista para una audiencia masiva y por eso han optado por firmar con un sello más grande como Capitol. Toda esta decisión sacudió tanto a fanáticos como a la industria, quienes creían que su tipo de música era solo para la escena independiente y que nunca llegarían a 'venderla'.

Pero ante tanto alboroto, el compositor, alma y mente creativa de la banda, Colin Meloy ofreció declaraciones asegurando que su salto a un sello de renombre no comprometería a la integridad artística de la banda, y que la decisión de firmar con Capitol, fue porque el sello mostró una gran credibilidad al concepto de su banda y no les pidieron nada ha cambio.

Capitol les puso un buen estudio, les ofreció un presupuesto generoso y a Chris Walla (Death Cab for Cutie) de productor y así nació su disco “The Crane Wife”, álbum en donde se aprecia la constante evolución de la banda y su búsqueda de nuevos horizontes a la hora de sacar un disco.

En “The Crane Wife”, nos encontramos con unos The Decemberists mas arriesgados, con un sonido mas enriquecido, ganando en accesibilidad y madurez. Ya no suenan tan indies y se olvidan en parte de esos constantes arreglos de cuerdas de “Picaresque” o del sonido pacífico de “Her Majesty the Decemberists”.

Estos nuevos The Decemberists han optado por hundirse en una vena más progresiva, pero sin olvidarse del folk/chamber pop característico de su sonido. Esta vez, su esencia musical la orientan a una nueva dirección, ahora ese ambiente atemporal de su sonido choca con un fuerte aire del rock progresivo de los 70.

Ahora hay más complejidad sonora e implementan nuevos elementos propios del rock progresivo, como órganos y efectos electrónicos, los cuales se compaginan de forma perfecta con una instrumentación propia del folk, como el acordeón, el violín, el cello y el banjo, lo que da como resultado una fusión entre Emerson, Lake & Palmer, Jethro Tull y R.E.M

Por otro lado “The Crane Wife” sigue la maravillosa línea “cuenta-cuentos” de “Picaresque”. Esta vez, la historia que inspiro el disco esta centrada en un cuento tradicional japonés llamado “La Grulla Agradecida” en donde se relata la historia de un hombre que caminaba por el bosque y al caminar se encontró un ave herida por una flecha.

El hombre se acercó al ave, le retiró la flecha que se encontraba clavada en una de sus alas y tomando el vuelo, el ave se retiró de la escena. Unos días después una mujer tocó a la puerta de la casa del hombre, se enamoraron y se casaron. Como el hombre era muy pobre la mujer se ofreció en hacer unos vestidos para poderlos vender en el mercado. La mujer se encierra en la habitación y le hace prometer al esposo que nunca abrirá la puerta mientras ella esté trabajando o algo muy malo iba a pasar.

Y así fue como la mujer hacía hermosos vestidos y los vendían a grandes precios. El esposo cada vez más curioso de como era que su mujer hiciera tan increíbles vestidos y por qué se tenía que encerrar en el cuarto, no pudo más y se asomó a la habitación. Al mirar vio al ave que una vez había ayudado, arrancándose sus plumas para poder hacer los vestidos, cuando el ave se percató que el hombre estaba mirando, salió volando por la ventana para nunca regresar.

Gran parte el disco está inspirado en esta historia y el otro resto aborda temas como el amor prohibido, los amores de verano, criticas a la guerra o temas más profundos como la del grupo extremista irlandés, de los Shankill Butchers que en la Irlanda de los 70's asesinaban y secuestraban a cristianos.

“The Crane Wife” cuenta con la participación de la folclorista americana, Laura Veirs, quien interpreta a la viuda de un muerto de guerra en la canción ''Yankee Bayonet (I Will Be Home Then)''


Video del tema O Valencia!

Malajube - Trompe-l'œil

Segundo álbum de los canadienses Malajube y la continuación de su bien criticado debut “Le Compte complet” del 2004.

El disco lleva por título “Trompe-L'Oeil” y en éste la banda nos deleita de nuevo con su híbrido sonido plagado de ruidos y diversos estilos. En “Trompe-L'Oeil” aparecen de nuevo sus diversas construcciones sonoras, que se pasean por el hype del post-punk actual, el drama de Arcade Fire, la amalgama sonora de The Flaming Lips, la majestuosidad de Radiohead, algún que otro toque de noise, brit pop, emo, post rock y la frescura del indie actual.

En cuanto a su música, en “Trompe-L'Oeil” abundan muchas capas de sonidos, melodías muy convencionales y una ligera dosis de experimentación y a pesar de que la banda suena como un gran reciclaje de diversos estilos y sonidos, estos lo plasman de una forma radiante y original, ya que estos jóvenes de Montreal, a pesar de que son de Canadá, deciden cantar en francés.

La producción no suena pulcra, de hecho se podría considerar como un lo-fi orientado a un indie rock apoyado por una simple base de guitarra y teclado y acompañado por unas excelentes armonías vocales que combinan voces femeninas y masculinas. Y ante tantas influencias musicales, la banda guarda mucha comparación (de momentos) a unos Wolf Parade tratando de sonar a Animal Collective.


Video del tema Pâte filo

The Long Winters - Putting The Days To Bed

Tercer disco de esta banda de Seattle y la continuación de su álbum “When I Pretend to Fall” del 2003.

En éste nuevo trabajo titulado “Putting the Days to Bed”, la banda ha combinado todo lo logrado a lo largo de su corta discografía y le han añadido el radiante sonido pop conseguido en su EP del 2005 "Ultimatum" en donde su música adquirió un aire más íntimo y sutil.

En cuanto a las letras de John Roderick, estas se muestran más personales que nunca y nos revelan el lado más íntimo de Roderick, el cual nos habla sobre temas íntimos acerca de sentimientos urbanos o rutinas cotidianas.

El disco a su vez, presenta temas muchos más redondos entre sí, en comparación a la variedad de “When I Pretend to Fall” (2003) y muestra una unidad similar a la obtenida en su disco debut, pero con la diferencia de que estos temas cuentan con una mejor calidad de producción y una mayor fortaleza a nivel compositivo.

Por otro lado “Putting the Days to Bed” cuenta con una nueva formación compuesta por Eric Corson en el bajo, Nabil Ayers en la batería y Jonathan Rothman en el teclado y una vez más aparecen los fieles amigos de Roderick, Chris Walla (Death Cab For Cutie) y Chris Funk (The Decemberists) en algunos temas del disco.


Video del tema Fire Island, AK

Saturday, December 23, 2006

French Kicks - Two Thousand

“Two Thousand” es el tercer disco de estudio de la banda neoyorquina French Kicks y la continuación de su álbum “The Trial of the Century” del 2004.

En este nuevo trabajo los French Kicks le han dado un leve cambio a su sonido. Si antes se notaba que se alejaban de ese sonido garage, ahora con esta nueva placa se afirma notoriamente la búsqueda de una nueva orientación musical.

Ahora las estructuras se vuelven familiares y el sonido se hace más expansivo. También hay un mayor uso de las armonías vocales por parte de Nick Stumpf e incluyen una gran cantidad de arreglos que no encontrarás en los otros discos de los French Kicks. En líneas generales su música adquiere un toque más atmosférico y se vuelve más accesible en comparación a sus previos trabajos.


Video en vivo del tema Alson Ran @ the Late Late Show de Craig Ferguson

The Most Serene Republic - Phages EP

Tras editar su fabuloso debut el año pasado, los canadienses The Most Serene Republic, retornan este 2006, con su primer EP titulado “Phages”.

Phages está formado por ocho canciones y es presentado como un “tour EP”, en donde continúan con sus desarrollos multi-instrumentales y sus raíces propias del indie rock, para conjugarlas finalmente en frescas y estilizadas melodías.

Siguen evocando tanto a sus colegas Broken Social Scene y a los Death Cabe For Cutie, y se siguen moviendo dentro de las estructuras musicales de su debut. La diferencia es que en “Phages” se enfocan en melodías más trabajadas y se funden en un sonido más dinámico, noisy y ensoñador.

Charalambides - A Vintage Burden

Tras la edición del disco “Joy Shapes” en el 2004, la banda de Houston, Charalambides, regresa este año para editar un nuevo trabajo discográfico titulado “A Vintage Burden”.

Con este nuevo disco, la banda ha decidido alejarse de ese sonido disonante y oscuro de sus previos trabajos y ahora en “A Vintage Burden” han dejado entrar una enorme cantidad de luz a su sonido, tanto así, que la oscuridad ni se percibe en todo el álbum y su música se ha transformado en todo un mundo cromático lleno de vitalidad y espiritualidad.

De hecho, el aspecto lírico en “A Vintage Burden” ha cambiado también, ahora sus letras nos narran cantos a la vida y al amor, olvidándose así, de las letras que estaban llenas de contradicción en sus discos pasados.

En líneas generales, el álbum es un largo y pronunciado viaje acústico-atmosférico, apoyado por la sutil guitarra de Tom Carter y la sensual voz de Christina Carter, quienes prácticamente han sufrido una metamorfosis al igual que su música, para hacer así de este disco, el trabajo más hermoso y etéreo de su carrera.

En definitiva, “A Vintage Burden” es un trabajo plagado de sorpresas e imprevistos, cincelado a golpe de folk y mojado, fundamentalmente, por una perspicaz psicodelia de tintes introspectivos. Un universo dotado de infinitas tonalidades, utilizando tempos relajados, cargados de intimidad, pero impregnados de un extraño vigor y una espeluznante capacidad para hipnotizar al oyente.

Friday, December 22, 2006

Nathan Fake - Drowning in a Sea of Love

Para los que no lo conocen, Nathan Fake es un músico oriundo del condado inglés de Norfolk, lugar donde él mismo comenzó a interesarse por la música desde joven. Sus inicios empezaron con la experimentación de diversos instrumentos acústicos, y con el tiempo se encontró la electrónica, género del cual Fake se enamoro por completo.

A la edad de 19 años se muda a la ciudad de Reading (Inglaterra) donde comienza a grabar distintos demos, los cuales captaron el interés del productor y DJ James Holden, quien inmediatamente lo ficha para su sello Border Community, con el cual Fake lanza el single “Outhouse” en el 2003 y posteriormente su famoso single “The Sky Was Pink” en el 2004.

Estos temas sonaron prácticamente por todo el mundo y fueron remezclado por varios artistas, entre los que se encuentra el mismísimo Holden. Con este par de temas, Fake conquistó al público asiduo de los beats violentos y a los aficionados del pop soñador.

Luego del éxito de estos singles, Fake publica varios maxi singles, EP’s y hasta un disco de remixes, donde se incluyen reinterpretaciones a cargo de Apparat, FortDax o Fairmont. Todo un conjunto de temas que sirvieron de antesala para su primer trabajo discográfico titulado “Drowning in a Sea of Love”, editado este 2006 por el sello Border Community.

Con este debut discográfico, Fake sorprende a todos aquellos que se habían acostumbrado un poco a su sonido que dominaba en mayor parte las pistas de baile, ya que con este álbum Fake nos muestra su fanatismo de formaciones como Mogwai o M83. Y es que hay que tener en cuenta que Fake nunca se ha considerado dj, ni lo quiere ser, hasta él mismo afirma que nunca ha tocado un Technics en su vida.

El sonido plasmado en “Drowning in a Sea of Love” es sencillamente el de un IDM muy cálido, fascinante y melódico, con el que pretende hacernos retroceder en el tiempo hasta la infancia para evocar, como él mismo ha dicho: sensaciones de extrema felicidad.

Sin tanta producción, con un sonido casero y mucha electrónica paisajística al estilo de Boards Of Canada, con algo de shoegazer y un toque del post-rock ensoñador de Electrelane, Nathan Fake nos presenta su primera larga duración “Drowning in a Sea of Love”.


Video en vivo del tema You Are Here

Mastodon - Blood Mountain

Blood Mountain es la tercera entrega de ésta banda formada en Atlanta y la continuación de su álbum “Leviathan" del 2004.

Este nuevo trabajo (al igual que su predecesor) es un disco conceptual. Blood Mountain se trata sobre escalar una montaña y de las diferentes cosas que pueden pasar cuando estás en medio de los bosques, perdido, hambriento, alucinando y corriendo de extrañas criaturas. Según su bajista Troy Sanders, el álbum se trata de cuando estás siendo cazado y de todo acerca de esa lucha.

En cuando al contenido musical de Blood Mountain, éste sigue con todo el arsenal sonoro propio de la banda, incluyendo partes de rock progresivo, trash metal, hardcore, sludge metal y metalcore, todo presentado en una complicada experimentación, largos preludios instrumentales y baterías de influencias jazz y percusiones étnicas.

Todos esos elementos inmersos en “Leviathan" aparecen de nuevo aquí, y toda esa unión de técnica con melodía se acentúa más con éste nuevo trabajo, así como la labor de su baterista Brann Dailor, la cual ya termina de encajar de una forma sorprendente y estremecedora.

Suenan más accesibles, pero no se olvidan de la agresividad, la tecnicidad, la dinámica y de toda esa maestría que los convierte como una de las bandas más contundentes de la actualidad. De hecho, con Blood Mountain la banda ha subido un peldaño más dentro de la escena del metal actual, haciendo un álbum de “proporciones Mastodónticas” y sabiendo combinar todas sus influencias con diversos elementos de varios géneros.

Blood Mountain fue producido por Matt Bayles (Isis, Soundgarden, Pearl Jam) y cuenta con las colaboraciones de Scott Kelly (Neurosis) en el tema “Crytal Skull”, Joshua Homme (Queens of the Stone Age) en "Colony of Birchmen" y de Cedric Bixler-ZavalaThe Mars Volta en "Siberian Divide".


Video del tema The Wolf is Loose

Wednesday, December 20, 2006

Iron Maiden - A Matter of Life and Death

La legendaria banda británica Iron Maiden nos presenta este 2006 su decimocuarto trabajo de estudio y la continuación de su disco “Dance of Death” del 2003.

Este nuevo álbum discográfico de Iron Maiden titulado “A Matter of Life and Death” se podría comparar con las dos últimas placas de estudio de la agrupación “Brave New World” (2000) y “Dance Of Death” (2003), pero con la diferencia de que éste intengra nuevos elementos en su música y presenta un nuevo reto en cuanto a la estructura musical que venían desarrollando en estos dos últimos trabajos, en la cual se nota un trabajo más elaborado con un sonido más progresivo y oscuro.

Al escuchar “A Matter of Life and Death” lo primero que se les vendrá a la cabeza es el disco “Seventh Son of a Seventh Son” de 1988, pero no por que guarden mucha similitud, sino por la estructura progresiva que los relaciona, pues este nuevo disco representa su álbum más progresivo desde ese mítico álbum de finales de los 80.

Extensas canciones, largos pasajes instrumentales y numerosos cambios de tiempos se pasean por todo el disco, así como un mayor énfasis en las ambientaciones, las cuales han cobrado más fuerza. En líneas generales el sonido de la banda se ha tornado más sombrío y menos melódico que en sus antecesores. Ahora las densas atmósferas y los medios tiempos cobran más protagonismo, cosa que a muchos les costará asimilar por primera vez, ya que este trabajo necesita varias escuchas para entrar en su ritmo.

Igualmente la producción del disco es enorme, con un sonido bien arriesgado y complejo, donde el carácter épico es el principal protagonista a lo largo de los 10 temas que componen el álbum, los cuales se mantienen bastante parejos y en donde la mayoría sobrepasan los 7 minutos de duración.

Quizás el único tema que se situaría al margen de todo el disco, sería la canción "Different World", tema con el que abren el álbum de una forma inesperada, con un estribillo muy “accesible” no muy común en el estilo de la banda, hecho que lo convierte en un mundo diferente en comparación al resto del disco.

De resto, las novedades serían los matices orientales hechos por Janick Gers en el tema "The Pilgrim", los diversos arreglos acústicos que abundan en el disco y los registros vocales inéditos por parte de Bruce Dickinson en temas como "The Longest Day" y la balada “Out Of The Shadows”.

En cuanto al aspecto lírico, la banda sigue con su línea de abordar y criticar temas como la religión, el terrorismo, la politica y rememorando hechos como el desembarco de Normandía.

“A Matter of Life and Death” fue producido por Kevin Shirley


Video del tema The Reincarnation of Benjamin Breeg

Xiu Xiu - The Air Force

Hace poco más de un año la banda Xiu Xiu, nos entregaba su trabajo titulado “La Forêt” con el cual buscaron un sonido más “digerible” y accesible dentro de su universo claustrofóbico y poco ortodoxo.

Ahora, un año después la agrupación reaparece con su quinto trabajo discográfico llamado "The Air Force", un disco no tan lejos de lo plasmado en su álbum predecesor “La Forêt”, ya que en este trabajo la banda muestra un lado mucho más accesible que en su disco pasado. De hecho, hay temas con tempos y bases hechas de una forma muy convencional en comparación a sus previos trabajos.

En "The Air Force" se encuentran los temas mas redondos que ha hecho Xiu Xiu en toda su carrera, donde el pop y los distintos elementos de su música se acoplan de forma perfecta para facturar un sonido más ajustado y con una constante búsqueda por la melodía. Eso sí, suena convencional, pero a su manera, ya que su música sigue bebiendo de ese lado complejo, intenso y urgente que los ha hecho famosos.

Otro punto a destacar es que en "The Air Force" se alejan del perfil acústico que dominaba su anterior disco, y deciden esta vez rescatar los ritmos y la mezcolanza electrónica y cacofónica de su disco “Fabulous Muscles” del 2004.

Todos estos ajustes le dan una nueva tonalidad a su música, pero siempre siendo fieles a la esencia de la banda, pasando de lo accesible a lo ruidoso y contrastando con las ambientaciones cálidas y oscuras, que evocan los trabajos de Joy Division, Swans, Disco Inferno, The Cure y David Bowie.

Toda una mezcla desafiante de post-punk, noise, IDM, industrial y folk, comandado por la desgarradora e inquietante voz de Jamie Stewart, el cual en medio de su dramatismo lírico nos narra sus textos introspectivos que hablan acerca de la confusión emocional, el fracaso, el amor que termina mal, el suicidio, la violencia y el sexo, y así, finalmente darle el toque necesario a la inquietante música de Xiu Xiu.

Con este trabajo Xiu Xiu busca otro camino para su sonido, puliendo algunas cosas y retrocediendo a fórmulas pasadas, dándole una ligera transformación a su música y así continuar con su constante evolución sonora disco tras disco.

"The Air Force" fue lanzado por el sello 5 Rue Christine y fue producido por Greg Saunier (baterista de Deerhoof).


Video del tema Boy Soprano

Tuesday, December 19, 2006

The Mars Volta - Amputechture

Tras la edición de su disco “Frances The Mute” el pasado año, la agrupación The Mars Volta nos presenta su tercer álbum de estudio llamado “Amputechture”.

Este nuevo trabajo de The Mars Volta presenta un cambio en comparación a sus dos previos trabajos. Esta vez la banda ha dejado un poco el lado agresivo de su sonido y se ha metido de lleno en una nueva onda más lisérgica y expansiva. Sí antes la música de The Mars Volta te parecía muy extensa, ahora sus composiciones se han vuelto mas largas que de costumbre.

Ahora lo que predomina son los medios tiempos sin tantas complejidades en la instrumentación, pero esto no quiere decir que se han olvidado de la experimentación y la psicodelia que los caracteriza, ya que en “Amputechture” la complejidad sonora se ha hecho de otra forma: menos violenta y enfocada más el prog-rock, el krautrock, el jazz, el blues y en los extensos pasajes psicodélicos.

En cuanto a Cedric, sus líneas vocales siguen tan estupendas como siempre, manteniendo sus excesos dramáticos en sus vocalizaciones y cantando con su peculiar tono de voz tanto en ingles como en castellano y algo de francés. Sus líricas en esta ocasión están inspiradas sobre las noticias actuales acerca de las marchas de inmigrantes mejicanos y de hechos como el de una mujer romana que fue encarcelada hasta su muerte por un sacerdote (por decir que hablaba del diablo).

En resumidas cuentas “Amputechture” habla sobre el temor del catolicismo al Ser Superior en vez del amor hacia el y enfocándose más que todo en la religión, como la principal causa del conflicto mundial actual, como lo explica en sus temas "Tetragrammaton" (nombre de dios en hebreo), Vicarious Atonement (en relación al calvario y expiación por parte de Cristo), Meccamputechture (sobre el Islam, la Meca y el terrorismo).

En definitiva un disco con una notable evolución en el sonido de esta banda, pero conservando las influencias de las agrupaciones que los han inspirado como Rush, King Crimson, Pink Floyd, Led Zeppelin y sin olvidarse de las raíces latinas de parte de sus integrantes.

“Amputechture” fue producido por Omar Rodriguez-Lopez y cuenta con la colaboración de John Frusciante en el tema "Asilos Magdelena".

Red Sparowes - Every Red Heart Shines Toward the Red Sun

Luego de editar uno de los discos más importantes del pasado año, Red Sparowes, el proyecto formado por miembros de Isis, Neurosis, Halifax Pier y Pleasure Forever, retornan este 2006 con su segundo trabajo de estudio.

Para este nuevo disco, la banda se centra una vez más en recrear acontecimientos a través de su música y por medio de extensos títulos de sus canciones, los cuales aparecen enunciados como parágrafos y sirven como explicaciones de lo que va sucediendo a lo largo de su extensión.

Si el año pasado se enfocaron en la sexta extinción masiva en la tierra causada por el ser humano, para esta nueva placa, el tema central se sitúa en la China de Mao Tse Tung de los años 50, cuando se concienció a la población para que matara a buena parte de los gorriones, presuntos terroristas de las cosechas. El hecho propició un total desequilibrio del ecosistema con la llegada de una plaga de destructivas langostas que hasta entonces eran devoradas por los inocentes pájaros, que desembocó en 30 millones de personas muertas como consecuencia de la epidemia de hambre.

Este lamentable acontecimiento será recreado por Red Sparowes por medio de su música, la cual cada vez esta más cerca del post-rock similar al de Godspeed You Black Emperor! o Explosions in the Sky. Igualmente siguen sonando enérgicos como su disco antecesor y apoyado por una fuerza instrumental muy inteligente como los trabajos de Isis y el último de Pelican.

Por otro lado siguen con esos crescendos y las guitarras agonizantes características de la oleada post-metal del nuevo milenio, aunque en esta ocasión los paisajes instrumentales no evocan esa oscuridad o caos plasmado en “At The Soundless Dawn” del año pasado, ya que en “Every Red Heart Shines Toward the Red Sun” hay un poco de luz que se cola a través del ambiente sombrío y depresivo de su música.

Grizzly Bear - Yellow House

Segunda placa discográfica de esta banda formada en Brooklyn, y la continuación de su álbum debut “Horn of Plenty” del 2004.

Este nuevo disco de Grizzly Bear titulado “Yellow House” nos muestra un sonido más pulido y producido en comparación con “Horn of Plenty” del 2004. Esta vez el sonido de baja fidelidad de su debut queda opacado por un psy-folk orquestado acompañado por una buena dosis de indie rock y diversas experimentaciones sonoras a base de una sutil electrónica.

El resultado es todo un viaje alucinante e hipnótico bañado por una excelente orquestación folkie y unas densas ambientaciones muy elaboradas, donde predominan gran cantidad de efectos y armonías vocales, y en donde el tiempo se desenvuelve lentamente cuidando cualquier mínimo detalle de producción.

El sonido de “Yellow House” se encuentra a medio camino de la vena más sutil de Animal Collective, Sufjan Stevens y The High Llamas, y con cierto toque que evoca a The Beach Boys, Mercury Rev o Sigur Rós.

Yellow House fue lanzado por el sello Warp.


Video en vivo del tema Knife @ The Independent en San Francisco

Monday, December 18, 2006

Envy - Insomniac Doze

La banda de Tokio presenta este año su nuevo trabajo discográfico titulado “Insomniac Doze”, con el cual marcan su regreso tras editar hace tres años su disco “A Dead Sinking Store”.

Con este nuevo trabajo, los japoneses ya se han encaminado de muy buena forma por el camino del post-rock similar al de bandas como Mogwai o Explosions in the Sky. Ahora el particular sonido enérgico de la banda y todos esos pasajes sonoros se fusionan magistralmente con las ráfagas de ruido y la intensidad del hardcore, para finalmente gracias a la voz de Tetsuya Fukagawa, la banda termine facturando un screamo de larga duración.

Muchas ambientaciones cálidas dominan el disco, creando así un sonido placentero donde la calma y la distorsión se toman de la mano, para dejarte inmerso en medio de una atmósfera espesa plagada de una tensa calma y una brutalidad caótica comandada por la voz de Fukugawa.

En definitiva un gran esfuerzo de esta banda de Japón, en donde fusionan el post-rock más lúcido con una fuerte y efectiva instrumentación que hace de este disco una intensa construcción sonora que evoca lo mejor de agrupaciones como City of Caterpillar, Mogwai, Mono, Isis y Explosions in the Sky.


Video del tema Scene

Slayer - Christ Illusion

Décimo disco de estudio de la banda californiana Slayer y la continuación de su álbum “God Hates Us All” del 2001.

Con este nuevo trabajo titulado “Christ Illusion” la banda ha retornado un poco al clásico sonido de discos como “South Of Heaven” (1988) y “Seasons In The Abyss” (1990) pero manteniendo ciertas similitudes de sus ultimos discos, en especial de su predecesor “God Hates Us All” del 2001.

Mucho de este proceso de buscar recuperar fórmulas y estructuras del pasado, se debe a que en este nuevo aporte de Slayer, la agrupación cuenta con el regreso de su baterista original Dave Lombardo, el cual ayudó a rememorar cierto aire del viejo sonido de la banda.

Otro factor determinante en el sonido de “Christ Illusion” es el regreso de su productor de toda la vida Rick Rubin, quien se ha juntado con el otro productor Josh Abraham para fortalecer y rescatar parte del sonido característico de Slayer.

Igualmente la rapidez, la intensidad y la música brutal de “Christ Illusion” se acoplan de forma perfecta con textos que hablan de la guerra, la muerte, el odio y en especial los ataques hacia la religión.


Video del tema Eyes of the Insane

Comets on Fire - Avatar

Regresa la banda californiana Comets on Fire para traernos la continuación de su disco "Blue Cathedral" del 2004.

Con este nuevo trabajo titulado “Avatar” la banda continua explorando sus diversas influencias musicales que les han inspirado en toda su vida, en especial en ese sonido de finales de los 60 y comienzos de los 70, como lo son el proto-punk, el hard rock, el space rock y el rock psicodelico de antaño. Aunque cabe destacar que su sonido no sólo se centra en revivir esta época dorada, ya que por otro lado la banda también ha sido influenciada por el noise-rock de los 80, cosa que ha quedado demostrada en sus previos trabajos, en especial en su última placa "Blue Cathedral".

Pero la banda siempre ha tratado de incorporar ciertos aspectos que impliquen una evolución en su sonido y en esta ocasión el cambio se nota más en el aspecto compositivo. Ya que el objetivo de “Avatar” estuvo más focalizado en la exploración de sus diversas influencias para usarlas en diferentes formas a la hora de la grabación.

El resultado en “Avatar” es que su sonido se muestra más melodico y accesible que antes. Por otro lado “Avatar” es menos noisy en comparación a su disco predecesor, pero esto no quiere decir que hayan perdido la energía característica de su sonido, ya que “Avatar” desde el principio hasta el final, reúne la intensidad y el caos heredado de bandas como The Stooges, Blue Cheer, Pink Floyd, Cream, Black Sabbath y Jimi Hendrix.

The Format - Dog Problems

Segundo álbum de esta banda formada en Arizona y la continuación de su disco debut “Interventions and Lullabies” del 2003.

Este nuevo trabajo titulado “Dog Problems” esta inspirado (en su mayoría) por la mas reciente ruptura amorosa de su vocalista Nate Ruess, el cual nos canta acerca de su corazón roto y añadiéndole un poco de sarcasmo y amargura, los cuales contrastan irónicamente con el fresco y dulce sonido de la banda.

En “Dog Problems” el sonido indie pop de la banda aumenta con creces en comparación con su anterior trabajo, ya que en esta ocasión, la instrumentación y las orquestaciones han cobrado mas vida gracias a la incorporación de una gran variedad de instrumentos como el piano, la trompa, el xilófono y el banjo.

Y son todos estos nuevos elementos los que le dan el toque de gracia al disco, tornando a la banda con un enfoque más ambicioso y haciendo de su sonido una buena combinación de rock, emo, al-country y pop, y con un sonido inspirado en bandas como The Beatles, The Flaming Lips, Cat Stevens y con cierto aire a Phoenix y The Get Up Kids.

Con toda esta vitalidad inusual, la banda nos otorga un disco plagado de canciones frescas bañadas por una energía estimulante que les enganchara de inmediato.


Video del tema The Compromise

Saturday, December 16, 2006

M. Ward - Post-War

Quinta entrega del cantautor americano M. Ward y la continuación de su álbum “Transitor Radio” del pasado año.

Este nuevo trabajo de M. Ward sigue al margen de las nuevas tendencias musicales, para refugiarse en prácticamente la música popular americana de los últimos siglos. Un sonido inspirado en el country, folk, el blues y el lo-fi americano, pero hecho de una forma muy personal.

Con esta quinta placa discográfica, Ward ha reunido los principales elementos de sus anteriores trabajos y les ha dado un nuevo enfoque estilístico, haciendo de éste álbum su disco más ambicioso hasta la fecha.

Por otro lado, su música mantiene la nostalgia atemporal característica de su sonido. Una música sin pretensiones, pero con eficaces arreglos y excelentes acordes rítmicos, en donde destaca Ward tanto en su particular forma de tocar la guitarra como en sus formidables armonías vocales.

Igualmente la cálida voz de Ward se conserva tan magistral como siempre y con un nivel lírico de altura apoyado por sus textos agridulces plagados de historias afectivas.

Post-War fue lanzado por el sello Merge y cuenta con las colaboraciones de Neko Case y Jim James (My Morning Jacket).


Video del tema Chinese Translation

Bob Dylan - Modern Times

Tras la edición de “Love and Theft” hace cinco años, Bob Dylan retorna este 2006 para editar un nuevo trabajo titulado “Modern Times”

Pero no crean que Dylan se ha adaptado a los tiempos modernos con esta nueva placa discográfica, ya que en éste álbum se encontraran con lo plasmado por Dylan en su anterior disco “Love and Theft” y con la misma esencia característica de éste legendario músico y compositor estadounidense.

A pesar de que éste álbum representa los “tiempos modernos” de Dylan, “Modern Times” escapa de cualquier artificio técnico de estudio, ya que según el mismo Dylan, la intención de este nuevo disco era la de evitar un trabajo sobreproducido.

El disco a su vez, está muy lejos de las corrientes actuales, ya que en “Modern Times” Dylan recurre a todos esos sonidos perdidos en el inconsciente norteamericano, como el blues, el country de antaño, el swing, el jazz, el rockabilly y el vodevil.

Por otro lado el aspecto lírico en “Modern Times” continúa con ese lado “relajado” o “tranquilo” de su disco antecesor, aunque a la vez contrastando con temas de cierto aire amargo o apocalíptico, pero sin caer en la intensidad y el lado sombrío de “Time Out of Mind”.

La temática sigue siendo la de costumbre, melancolía y crudeza reunidas en diez extensos temas al mejor estilo Dylan. Temas divertidos sobre el amor, amores añorados o las relaciones, e inspirándose en tragedias como la del 11-S o el huracán Katrina, sólo que sin hablar de estos temas en especifico.

Modern Times fue lanzado por el sello Columbia y fue producido por el mismo Bob Dylan, bajo el seudónimo de Jack Frost.


Video del tema When The Deal Goes Down