Si no fuera por la música, habría más razones para volverse loco

400 Discos del 2006 (110 - 101)

2008-01-16T13:02:00.001-08:00

400 Discos del 2006 (110 - 101)

110. Lilly Allen - Alright, Still

Debut de la cantante y compositora inglesa Lily Allen.

Alright, Still es un disco impecable, envuelto por una producción muy creativa. Es pop puro y luminoso, donde la voz y la lírica de Allen se destacan por su frescura y estilo.

Pero a pesar de ser un álbum fresco y actual, Alright, Still es un trabajo que muestra una variedad de estilos como el reggae, el ska, el hip-hop, el calypso y cierta esencia retro en algunos de sus temas, como el easy-listening, el R&B y el jazz de antaño.

También cabe resaltar el uso de pro tools y la variada instrumentación empleada en el álbum, la cual se acopla perfectamente con la ensoñadora voz de Lilly Allen.

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109. Spank Rock - YoYoYoYo

Debut del rapero americano Naeem Juwan, mejor conocido como Spank Rock.

YoYoYoYo es una precisa y estimulante mezcla musical de dirty rap y neo electro. Es un trabajo excitante debido a su hibridez sonora, que bebe tanto de la vieja escuela ochentera pre-gangsta, como del sonido grime actual.

Influenciado por Missy Elliott y A Tribe Called Quest, pero con un sonido muy similar a la base rítmica de M.I.A., Spank Rock logra un álbum directo y a la vez ambicioso, que busca darle un aire fresco a la escena del hip hop actual.

Cabe resaltar que este proyecto cuenta con los miembros Xxxchange, Chris Rockswell y Ronnie Darko.

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108. The Twilight Sad - The Twilight Sad [EP]

La banda escocesa The Twilight Sad, debuta con este homónimo EP, el cual está integrado por cinco emotivos temas llenos de retrospección y comandados por muros de sonidos hechos a base de guitarras y mucho feedback.

Es un disco intimista y de tonalidades sombrías, pero barnizado con el amalgamador sonido de una guitarra característica y la voz desgarradora de James Graham (la cual tiene cierto parecido al tono de Tim Booth, vocalista de James).

En cuanto al género musical de esta banda, se podría decir que hacen un sonido noise pop influenciado en el shoegaze y el post-rock escocés. Aunque, también guardan mucha similitud con las bandas Interpol, Arcade Fire y The Long Winters.

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107. The Lovely Feathers - Hind Hind Legs

Debut oficial de esta banda canadiense y la continuación de su primer disco del Demo/EP My Best Friend Daniel (2004).

Hind Hind Legs está compuesto por 13 temas, de los cuales cinco ya formaron parte de su anterior EP. El interés de regrabar estos temas, fue sencillamente lograr un sonido más inmediato, para adaptarse al resto de los temas que conforman el álbum.

Musicalmente hablando, Hind Hind Legs se aparta un poco del sonido rápido y de esa similitud con The Unicorns de su primer disco.

Ahora la banda se centra en hacer un indie pop más sofisticado y directo, donde de vez en cuando se notan esos guiños con The Unicorns, pero a la vez, aparecen melodías cercanas a los trabajos de Pavement y Arcade Fire, así como, una notable influencia por el sonido de los 80 de las bandas Pixies y Talking Heads.

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106- The Raconteurs - Broken Boy Soldiers

The Raconteurs está integrado por Jack Lawrence (The Greenhornes) en el bajo y guitarra, Patrick Keeler (The Greenhornes) en la batería, y por los amigos nativos de Detroit, Jack White (The White Stripes) y Brendan Benson, ambos en el teclado, voz y guitarra.

El proyecto nace cuando Jack White y Brendan Benson deciden escribir y componer una canción llamada ''Steady As She Goes'' y dicha canción sirvió como inspiración para la creación de una banda a la que se unieron Jack Lawrence y Patrick Keeler, ambos miembros de The Greenhornes.

Luego de editar un single de siete pulgadas de su canción ''Steady As She Goes'' en enero del 2006, la banda decide lanzar su disco debut cuatro meses después, el cual rápidamente entró en las listas Top 10 de UK y USA.

El disco fue nombrado Broken Boy Soldiers y en éste, la banda recupera la esencia del rock de los 60 y 70, logrando una resonancia muy vintage, con algo de blues rock, garage, lo-fi, power pop e influenciados por bandas como The Kinks, The Rolling Stones, The Beatles y sonando muy similar a sus respectivas bandas como lo son The White Stripes y The Greenhornes.

La clara referencia a The White Stripes la encontramos en el tema que abre el disco ''Steady As She Goes'' la cual fusiona esas crudas guitarras con el ingenio compositivo de Benson. Igualmente en el disco nos encontramos con diversos temas como el pop ácido de “Hands” con cierto aire a The Beatles, el hard rock de “Broken Boy Soldier”, la delicada “Together”, la pieza cercana al prog-rock de los 70 "Store Bought Bones" y el blues en “Blue Veins”.

El disco fue lanzado bajo el sello XL.

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105. Charalambides - A Vintage Burden

Tras la edición del disco “Joy Shapes” en el 2004, la banda de Houston, Charalambides, regresó el 2006 para editar un nuevo trabajo discográfico titulado “A Vintage Burden”.

Con éste disco, la banda ha decidido alejarse de ese sonido disonante y oscuro de sus previos trabajos y ahora han dejado entrar una enorme cantidad de luz a su sonido, tanto así, que la oscuridad ni se percibe en todo el álbum y su música se ha transformado en todo un mundo cromático lleno de vitalidad y espiritualidad.

De hecho, el aspecto lírico en “A Vintage Burden” ha cambiado también, ahora sus letras nos narran cantos a la vida y al amor, olvidándose así, de las letras que estaban llenas de contradicción en sus discos pasados.

En líneas generales, el álbum es un largo y pronunciado viaje acústico-atmosférico, apoyado por la sutil guitarra de Tom Carter y la sensual voz de Christina Carter, quienes prácticamente han sufrido una metamorfosis al igual que su música, para hacer así de este disco, el trabajo más hermoso y etéreo de su carrera.

En definitiva, “A Vintage Burden” es un trabajo plagado de sorpresas e imprevistos, cincelado a golpe de folk y mojado, fundamentalmente, por una perspicaz psicodelia de tintes introspectivos. Un universo dotado de infinitas tonalidades, utilizando tempos relajados, cargados de intimidad, pero impregnados de un extraño vigor y una espeluznante capacidad para hipnotizar al oyente.

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104. The Pipettes - We Are The Pipettes

The Pipettes es una banda de Brighton, Inglaterra formada en el año 2004 por el productor Monster Bobby con el fin de revivir esa era dorada de las “wall-of-sound girl” de los años 50 y 60, como lo logrado por Phil Spector, Joe Meek, Carole King, Jeff Barry, Ellie Greenwich, Barry Mann o el sonido femenino del sello Motown.

Para esto Monster Bobby reclutó un trío de chicas (Becki, Julia y Rose) para completar su idea, la cual finalmente se concluyó con la adición de un grupo de chicos llamados The Casdettes, encargados de poner la música a este grupo de chicas.

Finalmente The Pipettes estaba completado, comenzando así los ensayos a lo largo de seis meses. Pero en pleno proceso de desarrollo musical a comienzos del 2005, Julia decide dejar la banda y ésta fue rápidamente reemplazada por Gwen, para comenzar así con el proceso de grabación de tres singles de edición limitada.

Los tres singles ("School Uniform," "ABC," y "Judy") resultaron un éxito en los charts ingleses y gracias a esto, consiguieron un contrato con el sello Memphis Industries, con el cual lograron mayor proyección musical, formando parte de la gira de The Magic Numbers, Graham Coxon, The Go! Team y British Sea Power, para luego finalmente lanzar su primer álbum debut We Are the Pipettes.

Un disco con un sonido fresco que evoca esa época de los grupos de voces femeninas de los años 50-60, plagado de melodías pegajosas y con el espíritu juvenil de Camera Obscura, pero retomando el juego de voces del pop y el soul de bandas como The Shangri-Las, The Dixie Cups, The Ronettes y The Shirelles.

Con esto The Pipettes, ha conseguido un sonido muy bien trabajado que combina lo mejor del doo-wop y el pop de esos años, con un interesante espíritu indie o punk reflejado no sólo en su música, si no en el aspecto lírico, el cual toma un rol más agresivo a diferencia de las“inofensivas” letras acerca de amores imposibles o drama adolescente propias de ese estilo.

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103. Ghostface Killah - Fishscale

Quinto trabajo del rapero Dennis Coles mas conocido por su seudónimo Ghostface Killah y por ser parte de la agrupación Wu-Tang Clan.

Fishscale, es un título con clara referencia a las drogas, en especial a una clase de cocaína de alta calidad y muy valorada entre los consumidores. Pero mas que un título provocador, Fishscale representa el regreso de uno de los representantes con más peso en la escena del hip hop actual.

En éste trabajo Ghostface Killah, recupera la fuerza de 'Supreme Clientele' (2000) y decide juntarse con los productores MF Doom, Pete Rock, Just Blaze, Lewis Parker y Xtreme, para realizar un álbum variado, que bebe tanto de la escena actual, como del soul y el funk de la vieja escuela.

Por otra parte, destacan las ricas atmósferas y los efectos de sonido que recrean las historias de Ghostface Killah, ligadas al tráfico de drogas, pero con mucho contenido introspectivo, filosófico y surrealista.

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102. Six Organs of Admittance - The Sun Awakens

Ben Chasny nos deleita con otro disco de estudio (el octavo de su carrera) editado exactamente diecisiete meses después de su excelente álbum “School of The Flower” (2005).

Al escuchar “The Sun Awakens” te darás cuenta, que es un disco, donde se reciclan todas las ideas sonoras de Six Organs of Admittance a lo largo de su carrera.

En los seis primeros temas del álbum, nos encontramos con su habitual sonido psych folk experimental lleno de arreglos de cuerdas muy delicados y el típico roce con el free-jazz.

Pero la diferencia, es que estos seis temas las guitarras eléctricas cobran más protagonismo que de costumbre, con mucha utilización del feedback y el noise. Por otra parte el disco experimenta con el drone, acentuando así el misticismo de sus pasajes instrumentales y obteniendo atmósferas más pulsantes sumergidas en una frágil oscuridad.

Oscuridad que alcanzará su máximo nivel en la última pieza titulada "River of Transfiguration", una hipnótica canción que resume estupendamente el concepto del disco, con casi 24 minutos de música bañada por una especie de droone folk y un dark ambient, similar a los pasajes de Sunn O))) o los trabajos de Richard Youngs.

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101. Chihei Hatakeyama - Minima Moralia

Minima Moralia es el álbum debut del japonés Chihei Hatakeyama, un artista influenciado por la música electrónica y por todos esos lenguajes sonoros creados a partir de guitarras, pianos y vibráfonos procesados en una laptop

Se trata de un disco compuesto esencialmente por un sonido ambiental/drone vanguardista y minimalista, comandado por una atmósfera etérea en donde de vez en cuando se puede reconocer algún instrumento.

También destacan las capas de sonido que se acoplan incesantemente con una distorsión filtrada y una dosis de melodía que nacen fortuitamente de una amalgama de erupciones sonoras que Hatakeyama procesa a partir de los instrumentos anteriormente.

Un disco muy pausado y experimental, con mucha sustancia electro-acústica y una notable dirección musical que le acerca a los trabajos de Fennesz, Fripp & Eno y Christopher Willits.

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400 Discos del 2006 (120 - 111)

2008-01-15T01:46:00.001-08:00

400 Discos del 2006 (120 - 111)

120. Mika Miko - C.Y.S.L.A.B.F.

Debut en larga duración de ésta banda femenina formada en Los Angeles.

Al escuchar su debut llamado C.Y.S.L.A.B.F. miles de nombres les vendrán a la cabeza, en especial, todas esas bandas que poseen la actitud y el espíritu punk más clásico.

Plagado por la esencia de Red Cross, X-Ray Spex, Bad Brains, The Slits y The Germs, e influenciados por bandas como Black Fag y Bikini Kill, Mika Miko concentra en trece temas, el ruido y la energía necesaria como para estremecer a cualquiera.

Pero a pesar de contar con un sonido cargado de poder y guitarras afiladas, la banda le aporta mucho contenido bailable a sus temas, lo que le da cierto carácter new wave a su música.

No es nada del otro mundo, tan sólo es un disco crudo y directo, que en parte, evoca mucho de la escena riot-grrl de finales de los 80 y comienzos de los 90.

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119. Oxford Collapse - Remember the Night Parties

Tercer disco de estudio de ésta banda oriunda de Brooklyn y su primer disco bajo del sello Sub Pop. En Remember the Night Parties, Oxford Collapse ha logrado cohesionar su sonido para lograr un trabajo más accesible y variado.

Siguen con canciones repletas de melodías y ritmos que van desde lo más calmado a lo más enérgico, pero lo interesante es que ya no se centran en sus influencias post-punk de sus previos trabajos, si no que deciden recrear mucho del sonido indie de la década de los 90, como el de los grupos Sebadoh, Pavement, R.E.M, Neutral Milk Hotel, Yo La Tengo y Guided by Voices.

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118. Tenhi - Maaäet

Al escuchar “Maaäet” te darás cuenta que la banda continúa con el sonido y concepto que ha manejado a lo largo de su carrera, pero esta vez, con un toque más oscuro e introspectivo, donde el piano y las voces cobran más protagonismo.

Para los que no han escuchado la banda, su sonido, es una mezcla de folk melancólico y un post rock atmosférico que busca imitar a la naturaleza, todo esto conjugado por una variada instrumentación (violines, flautas, piano, guitarra, etc) que te hará transitar por los recónditos paisajes escandinavos.

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117. The Necks - Chemist

En Chemist el trío australiano sigue mezclando el jazz y el krautrock a través de largas e hipnóticas improvisaciones plagadas de muchos sonidos cautivantes y ambientaciones propias del post-rock.

Chemist consiste en tres temas de 20 minutos de duración (cada uno) en donde se concentra una disonancia y un caos sonoro, marcado por constantes cambios de ritmos e impetuosos muros de sonido.

También destacan los pasajes de guitarra y algunos interludios más calmados, así como, mucho adorno electrónico y una instrumentación muy particular a base de pianos, contrabajos y marimbas, lo que le da más dinamismo al disco.

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116. Triosk - The Headlight Serenade

En este trabajo del trío australiano Triosk retoma el concepto de jazz experimental empleado en su anterior trabajo “Moment Returns” y le da una orientación más producida y elaborada.

En ”The Headlight Serenade” el sonido post-jazz cristalino de tintes electrónicos te trasladará hacia terrenos recónditos, como si estuvieses flotando en medio del aire o siendo parte de una pequeña banda sonora que dibuja diferentes momentos de la memoria o pequeños sentimientos alojados en el inconsciente.

Un disco minimalista pero vanguardista con lo mejor del jazz del nuevo milenio, y en donde los loops y detalles electrónicos de Jan Jelinek y las deconstrucciones jazzisticas de Thelonious Monk se unen con una rica instrumentación post-rock que evoca los trabajos de Tortoise o Cinematic Orchestra.

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115. Eluvium - When I Live by the Garden and the Sea [EP]

Segundo EP del músico Matthew Cooper, mejor conocido como Eluvium.

When I Live by the Garden and the Sea está compuesto por cuatro relajantes temas en donde el compositor Matthew Cooper sigue explorando texturas bañadas por mucho sentimiento y pasajes cristalinos.

Apoyado por una música ambiental, Cooper genera densas capas de sonido acompañado sólo de loops, guitarras y un piano que le de cierto carácter neoclásico a sus composiciones.

En When I Live by the Garden and the Sea el sonido tiene un poco de la experimentación sonora lograda en su tercer álbum Talk Among the Trees (2005), pero ahora el piano cobra mas protagonismo, combinándose perfectamente con el sonido droone y la plácida belleza que se respira durante todo el disco.

Es ambient, es instrumental, es post-rock, es shoegaze, pero más que una simple mezcla de estilos, es un experimento de las sensaciones a través del sonido más simple que se puede generar.

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114. The Black Heart Procession - The Spell

Quinto álbum de la banda de San Diego, The Black Heart Procession y la continuación de su trabajo “Amore Del Tropico” del 2002.

The Black Heart Procession son conocidos por hacer un indie rock muy sombrío, combinando elementos como el post-rock y el folk y donde el dramatismo, la oscuridad y la depresión forman parte de su estructura musical. Pero dicha estructura musical, inesperadamente tomo cierto “color” con la edición de su previo álbum “Amore Del Tropico”, disco que sirvió para ponerle fin a esas tendencias opacas de sus primeros trabajos.

Y ese “color” que fue trazado en su anterior trabajo, se acentúa y se hace más evidente en esta nueva placa. Como por ejemplo en las canciones “Not Just Words”, “GPS” o “The Fix”, donde un pequeño rastro de luz y hasta ritmos más convencionales se filtran ante tanta tristeza y penumbra presente en el disco.

De resto, las ideas conceptuales de la banda se mantienen vigentes, como en los temas “Tangled”, “The Setter” o “Return To Burn” donde el sonido característico de la banda se hace presente. Una música oscura e hipnótica, con atmósferas nebulosas y excelentes arreglos de pianos, sintetizadores y violines, a la cual se le unen el uso de lap steels y de reverb tanks que sirven para aumentar el encanto en su música.

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113. Metallic Falcons - Desert Doughnuts

Metallic Falcons es el proyecto formado por Sierra Casady (una de las hermanas CocoRosie) junto a su amiga Matteah Baim (una artista polifacética y cabeza del sello Vodoo-Eros) y ambas nos presentan su álbum debut llamado “Desert Doughnuts”, un disco inspirado en sus experiencias a lo largo del gran desierto Americano y en la cual facturan un sonido denominado por ellas mismas como una especie de “soft-metal”.

Pero cierta descripción se queda corta comparada al universo espectral concentrado en los catorce temas que dan vida a su disco “Desert Doughnuts”, ya que a lo largo de todo el álbum, se toparán con una amplia gama de ambientaciones infectadas por nostálgicas notas de piano, una quejumbrosa batería y unas incisivas guitarras, rociadas con lo más sutil del freak-folk cristalino, el post-rock, la opera y el rock experimental.

Un sonido que hechiza por completo y en donde las letárgicas y operísticas voces de Sierra y Matteah, juegan el papel fundamental en medio de las translucidas ambientaciones sonoras que se pasean por todo el disco.

En definitiva un álbum que fluye como una intensa, opaca y expansiva epopeya que te dejara flotando en medio del espectro musical de las Metallic Falcons.

“Desert Doughnuts” fue lanzado por el sello Voodoo-Eros y cuenta con las colaboraciones de Greg Rogrove (Tarantula A.D.), Antony Hegarty (Antony & The Johnsons), Jana Hunter y Devendra Banhart.

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112. Evangelicals - So Gone

Álbum debut de esta banda formada en Oklahoma, con el cual condensan lo mejor del indie rock y la neo-psicodelia americana de bandas como The Flaming Lips y Grandaddy.

Pero en medio del histrionismo ácido de su música, se encuentran también las claras referencias de Pavement, Broken Social Scene, Modest Mouse y algo de Neutral Milk Hotel y Clap Your Hands Say Yeah.

Aunque lo que importa aquí no son tanto esas influencias, sino como Evangelicals juegan con ellas para crear un disco emocionante, marcado por un estilo propio y dotando a cada canción de un ambiente muy peculiar, donde sobran los detalles y las tonalidades sonoras.

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111. Barbara Morgenstern - The Grass is Always Greener

La alemana Barbara Morgenstern regresó en el 2006, luego de un extenso tour mundial (ya sea en solitario o en compañía de Robert Lippok de To Rococo Rot) para entregarnos el sucesor de “Nichts Muss” del 2003.

El disco lleva por título “The Grass is Always Greener” y en éste, su música indietronic se torna hacia una onda más minimalista donde el piano aparece como protagonista y donde el sonido se muestra más orientado al electro pop.

Es un sonido más maduro en el cual predomina un ambiente sugerente, evocativo y etéreo. Una buena dosis de pop frágil electrónico, con el piano como instrumento básico y la delicada voz de Morgenstern adornando los ligeros envoltorios electrónicos de su música.

Por otro lado “The Grass is Always Greener” es definitivamente el álbum más confidente y personal dentro de la carrera de Barbara Morgenstern, influenciado en parte por la extensa gira de la cual formó parte y según sus propias palabras, toda esta experiencia intoxicante se convirtió en materia prima perfecta para el nuevo trabajo.

En “The Grass is Always Greener” Barbara Morgenstern se muestra interesada más que todo en la relación entre la calma y los momentos cargados de energía. También en la muerte, y en la vida en sí, buscando indagar en qué tiene ese lapso de tiempo en especial y cómo puede definirlo realmente.

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400 Discos del 2006 (130 - 121)

2008-01-13T21:25:00.000-08:00

400 Discos del 2006 (130 - 121)

130. Mission of Burma - The Obliterati

La banda de Boston, Mission of Burma, regresó en el 2006 para entregarnos su tercer disco de estudio en 24 años, y el segundo luego de su reunión.

Para los que no conocen esta banda, ellos fueron uno de los grupos más influyentes de la escena post-punk/american punk en USA, llegando a ser una clara influencia en el sonido de bandas como Sonic Youth, Fugazi, Nirvana, Superchunk y Yo La Tengo.

Su sonido es muy dinámico, combinando complejas estructuras y efectos de cintas con una fuerte dosis de abrasivas guitarras y ruido, influenciado por las bandas garage y los pioneros del proto punk, como MC5, The Stooges y The Velvet Underground.

Se formaron en 1979, y luego de editar un EP en 1981 llamado “Signals, Calls and Marches” la banda edito su primer disco llamado “V.S” (1982), un disco que ya es un clásico y que sirvió como punto de partida para las bandas nombradas anteriormente.

Un año después en 1983, la banda se separa, debido al fuerte volumen empleado a la hora de tocar, causándole una enfermedad auditiva a su guitarrista Roger Miller.

Luego de editar diversas rarezas y un sin numero de proyectos como Birdsongs of the Mesozoic, The Molls y Volcano Suns, la banda decide reagruparse en el 2002, para editar su segundo disco de estudio “ONoffON” en el 2004 y lanzado bajo el sello Matador.

Después de ese fuerte y bien criticado regreso, la banda retorna con su tercer álbum “The Obliterati”, el cual se convierte en su trabajo mas fuerte hasta la fecha, donde el dinamismo, la agresividad sigue en su lugar y demostrando que su anterior trabajo no fue una cuestión de “suerte”.

“The Obliterati” fue grabado los Q Division Studios y fue producido por Bob Weston (quien se convirtió en el reemplazo de Martin Swoope)

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129. Mastodon - Blood Mountain

Blood Mountain es la tercera entrega de ésta banda formada en Atlanta y la continuación de su álbum “Leviathan" del 2004.

Este nuevo trabajo (al igual que su predecesor) es un disco conceptual. Blood Mountain se trata sobre escalar una montaña y de las diferentes cosas que pueden pasar cuando estás en medio de los bosques, perdido, hambriento, alucinando y corriendo de extrañas criaturas. Según su bajista Troy Sanders, el álbum se trata de cuando estás siendo cazado y de todo acerca de esa lucha.

En cuando al contenido musical de Blood Mountain, éste sigue con todo el arsenal sonoro propio de la banda, incluyendo partes de rock progresivo, trash metal, hardcore, sludge metal y metalcore, todo presentado en una complicada experimentación, largos preludios instrumentales y baterías de influencias jazz y percusiones étnicas.

Todos esos elementos inmersos en “Leviathan" aparecen de nuevo aquí, y toda esa unión de técnica con melodía se acentúa más con éste nuevo trabajo, así como la labor de su baterista Brann Dailor, la cual ya termina de encajar de una forma sorprendente y estremecedora.

Suenan más accesibles, pero no se olvidan de la agresividad, la tecnicidad, la dinámica y de toda esa maestría que los convierte como una de las bandas más contundentes de la actualidad. De hecho, con Blood Mountain la banda ha subido un peldaño más dentro de la escena del metal actual, haciendo un álbum de “proporciones Mastodónticas” y sabiendo combinar todas sus influencias con diversos elementos de varios géneros.

Blood Mountain fue producido por Matt Bayles (Isis, Soundgarden, Pearl Jam) y cuenta con las colaboraciones de Scott Kelly (Neurosis) en el tema “Crytal Skull”, Joshua Homme (Queens of the Stone Age) en "Colony of Birchmen" y de Cedric Bixler-Zavala de The Mars Volta en "Siberian Divide".

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128. Voxtrot - Mothers, Sisters, Daughters & Wives

Segundo EP de esta banda oriunda de Texas, tras la edición de Raised by Wolves (2005).

En Mothers, Sisters, Daughters & Wives, el grupo sigue marcado por ese sonido entre Belle & Sebastian y The Smiths, así como mucha influencia de bandas británicas de las décadas de los 80 y 90. Pero lo interesante, es que ahora las adaptan y las fusionan con nuevos elementos, con el fin de crear una identidad propia.

Ahora forjan un sonido más compacto, donde destacan los arreglos orquestales y las atmósferas nocturnas que adornan sus temas.

Por otra parte, la guitarra cobra mas fuerza y las melodías a base de teclados siguen evocando el oscuro sonido de los 80.

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127. Alamo Race Track - Black Cat John Brown

Segundo disco de estudio de la banda holandesa Alamo Race Track, en el que plasman un sonido más redondo y sencillo, orientado hacia el indie-pop, la psicodelia y el garage-blues.

Black Cat John Brown transita en una vía muy influenciada por el sonido pop de los 60 y 70. En este trabajo, su música se torna mas lineal y directa, muy a la línea de Peter, Bjorn & John o los primeros trabajos de Sparklehorse, pero sin olvidarse de las influencias de The Beatles, The Strokes, Radiohead y Lou Reed.

Un disco con esencia retro-pop pero con una gran variedad de estilos conjugados en una forma muy peculiar y pegajosa.

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126. Kap Bambino - Zero Life, Night Vision

Zero Life, Night Vision es el debut en larga duración del dúo francés Kap Bambino.

Este trabajo reúne 12 canciones con lo mejor del espíritu devastador que ha mostrado Kap Bambino a lo largo de su corta carrera. Comandado por la voz enérgica de Caroline Martial y los arreglos electrónicos de Orion Bouvier, Kap Bambino te mete de lleno en una distorsión de beats y mucha esencia punk.

Un debut discográfico, plagado por un abrasivo electropunk, hecha a base de ritmos punzantes a toda velocidad

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125. The Essex Green - Cannibal Sea

Tercer álbum de la banda neoyorquina The Essex Green y la continuación de su disco The Long Goodbye del 2003.

Cannibal Sea reúne mucho de lo expuesto en The Long Goodbye. Toda esa mezcla de indie pop con folk y mucha psicodelia sigue estando presente en este trabajo, pero con la adición de nuevos ingredientes y una producción cristalina.

Es un álbum muy fácil de digerir, debido a que todos sus temas contienen la formula del pop más clásico y accesible, donde abundan las sencillas melodías y los estribillos pegajosos.

Como si se tratara de una banda de la década de los 60 y con mucha similitud a los trabajos de Bob Dylan, The Byrds, The Beatles, Simon & Garfunkel y The Mamas & The Papas, pero con un sonido contemporáneo, muy a la par de grupos como Belle & Sebastian y The Ladybug Transistor.

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124. Ratatat - Classics

En este trabajo titulado “Classics” el dúo continúa con la construcción sónica instrumental comandada por las guitarras de Mike "Snake" Stroud y la variada instrumentación de Evan "E*Vax" Mast, quien se encarga de los bajos, los sintetizadores y la electrónica hecha a base de laptop.

Toda esa experiencia sonora regresa en este nuevo aporte de Ratatat, pero la diferencia es que “Classics” se muestra más variado en cuanto a texturas e instrumentación en comparación a su disco predecesor.

El dúo ha bajado un poco la intensidad de sus riffs, pero ahora a su exquisito experimento musical le han añadido nuevos instrumentos como chelos, cascabeles y guitarras acústicas, lo cual realza las tonalidades de su peculiar sonido. También hay un mayor uso de efectos electrónicos ambientales y una producción más pulida en cuanto a melodías y composición.

Son unos Ratatat más estilizados, pero manteniendo el concepto de su música en donde convive lo orgánico con lo artificial, apoyado por un sonido que se encuentra a medio camino del dance rock neoyorquino y la electrónica de Daft Punk o Air.

En definitiva, toda una travesía introspectiva llena de melancolía y satisfacción, y con una peculiar ambientación que evoca las bandas sonoras del cine francés y la sutileza sonora de un videojuego de NES.

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123. Professor Murder - Professor Murder Rides the Subway [EP]

Professor Murder es una banda formada en el 2004 en la ciudad de New York y está compuesta por Michael Bell-Smith (voz, percusión, bajo y teclado), Tony Plunkett (bajo), Andy Craven (bateria) y Jesse Cohen (teclado y sampleos).

Éste es su primer EP titulado “Professor Murder Rides the Subway”, el cual fue grabado en tan solo un mes y en donde el cuarteto musical ha decido juntar sus influencias de la escena post-punk de finales de los 70 y comienzos de los 80, para añadirle cierto color a ésta y crear alegres melodías.

A lo largo de dos años, la banda presentó su música en la ciudad de New York y hasta fueron teloneros de bandas como Radio 4 y !!!, grupos con los que guardan similitud musical, por el hecho de orientar su música hacia el dance-punk y también por el uso de percusiones marcadas en sus composiciones.

También emplean el uso de loops y programaciones dentro de su música, la cual está marcada por líneas de bajo funkies, sintetizadores, cowbells y ritmos bailables que les dan un excelente tratamiento festivo a su sonido. Además de esto, sus estructuras rítmicas se encuentran compuestas por progresiones y cambios constantes que ayuda a explorar más allá del simple post-punk pero sin afectar el groove de su música.

Toda una party-band que rescata el espíritu festivo de bandas como LCD Soundsystem o The Rapture y lo fusiona con la esencia post-punk de Fire Engines y A Certain Ratio.

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122. Espers - Espers II

Regresa este grupo formado en Philadelphia, para entregarnos su segundo trabajo de estudio y el sucesor de su EP de covers del pasado año titulado “The Weed Tree”.

Para los que no han escuchado a Espers, la banda forma parte de la nueva oleada de psy-folk americano conocido como new weird america, movimiento inspirado en las bandas folk psicodélicas de los años 60 y 70, y en donde entran grandes nombres como los de Akron/Family, Devendra Banhart, Marissa Nadler y Six Organs of Admittence.

Así que ya saben por donde se dirige todo, mucha psicodelia y una excelente instrumentación que incluye arpas, teclados, violines, campanillas, guitarras acústicas de seis y doce cuerdas, dúlcemeles y hasta guitarras eléctricas.

En “II”, la banda continúa con su delicado sonido (que de momentos cobra fuerza gracias a las guitarras eléctricas) trazado por los instrumentos y la angelical voz de Meg Baird, pero añadiéndole más oscuridad a la hora de crear atmósferas. El resultado es una música con cierto aire atemporal, muy medieval y con ecos del barroco e inspirada en las bandas británicas de folk de finales de los 60 y comienzos de los 70, como Fairport Convention, Pentangle y The Incredible String Band.

El disco fue lanzado por Drag City.

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121. The Mountain Goats - Get Lonely

Tras editar el 2005 su bien criticado álbum “The Sunset Tree”, John Darnielle regresó en el 2006 con la edición de un nuevo disco titulado “Get Lonely”.

Este disco de The Mountain Goats continúa con el camino trazado en sus previos trabajos, donde las enérgicas y melancólicas melodías características de su sonido se entrelazan con las fuertes letras autobiográficas de Darnielle.

En “Get Lonely” nos encontramos con un Darnielle menos intenso que en su disco predecesor, pero con cierto parecido (en el aspecto lírico) a los últimos temas de “The Sunset Tree”, donde la tristeza y la soledad son el tema principal de las canciones.

Por otro lado, el álbum se muestra menos pretencioso que “The Sunset Tree” y presenta una instrumentación mucho más áspera comparada a la de su antecesor. Igualmente, las ambientaciones musicales varían a medida que avanza el disco, alternándose los climas cálidos con los oscuros y en donde el principal elemento sigue siendo la cruda poesía de Darnielle.

En definitiva, un disco nostálgico, reflexivo y agrio que reúne todos esos sentimientos asociados con la soledad y que se une de forma perfecta con el sutil folk americano hecho por Darnielle y sus compañeros Peter Hughes y Franklin Bruno, quienes esta vez, aparecen acompañados por el cello de Erik Friedlander y la batería de Corey Fogel.

El disco fue lanzado por el sello 4AD y fue producido por Scott Solter

400 Discos del 2006 (140 - 131)

2008-01-13T16:28:00.000-08:00

400 Discos del 2006 (140 - 131)

140. The Starlight Mints - Drowaton

Tercer álbum de la banda The Starlight Mints, con el cual vuelven a plasmar ese cóctel sonoro de pop psicodélico orquestado.

En Drowaton, las similitudes con The Flaming Lips siguen estando presentes, pero ahora se acentúan más las de The Kinks (influencia directa de la banda). También se perciben melodías cercanas al sonido de David Bowie de los 80 y arreglos similares a los trabajos de Camper Van Beethoven y The Beatles.

Igualmente, el álbum esta apoyado por una variada instrumentación a base de teclados, arreglos de cuerda, melodías silbadas, sugestivos cambios de tempo, armonías vocales, traviesas guitarras, trompetas y trombones, lo cual le da mas dinamismo al sonido pop lisérgico-luminoso del disco.

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139. John Zorn - Astronome

Astronome viene a ser la continuación de Moonchild, su otro álbum del 2006. En Astronome, John Zorn se junto una vez mas con Mike Patton, Joey Baron y Trevor Dunn, para continuar con ese sonido que fusiona el metal y el hardcore con mucha experimentación vanguardista compuesta por el propio Zorn.

En este trabajo, Zorn optó por dividir el álbum en sólo tres temas, con el fin de acercarse más al concepto de una obra clásica. De resto, el álbum sigue la misma línea de su antecesor, aunque ahora con temas extensos, lo que ayuda a que su música cobre una exploración más avantgarde y arriesgada.

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138. The Twilight Singers - Powder Burns

Cuarto trabajo discográfico de lo que una vez fue un "simple proyecto" iniciado por Greg Dulli líder de The Afghan Whigs.

En Powder Burns, Dulli aumenta la fuerza y el groove de sus guitarras, pero esta vez, con un sonido más urgente y lucido en comparación a sus antiguos trabajos. También, sigue con esa oscura ambientación que acompañan sus textos introspectivos, ligados a su lucha con las drogas y el efecto devastador del huracán Katrina en su querida New Orleans.

Igualmente, el carácter nocturno sigue presente, así como las inevitables comparaciones con su antigua banda The Afghan Whigs. Pero, a pesar de esto, el álbum muestra líneas cercanas al new wave y notorias similitudes al sonido de The Black Heart Procession, Public Image Ltd, Guided by Voices y Violent Femmes.

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137. Wooden Wand & the Vanishing Voice - Gipsy Freedom

Wooden Wand & the Vanishing Voice continúa con esa unión entre el avant-garde y el freak-folk espacial, que bebe tanto del misticismo de Donovan, como de las influencias de Van Morrison, Crosby, Stills, Nash & Young y Acid Mothers Temple & the Melting Paraiso U.F.O.

En Gipsy Freedom, el colectivo aumenta esa variada exploración musical, bañada de psicodelia, noise, jazz, música tribal, rock progresivo, drone, krautrock, blues y garage, para hacer una vez más, un disco alucinante.

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136. Drumcorps - Grist

Grist es el álbum debut de Drumcorps. Un proyecto que mezcla una fuerte dosis de grindcore con breakcore.

El disco está compuesto por once temas plagados de un ataque sonoro y riffs aplastantes típicos del grindcore, pero hecho a base de partes sampleadas y remezclas.

Un álbum cargado de mucha brutalidad, noise, gabber y mucha influencia de las bandas hardcore de los 90. Pero lo interesante es la forma en como ese copy+paste de riffs thrash/death se fusionan con voces agresivas y climas nocturnos.

En Grist encontraran un sonido similar al de Converge, Pig Destroyer o The Dillinger Escape Plan, pero con mucha mas personalidad, debido a la presencia de la electrónica en sus temas.

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135. Clinic - Visitations

Tras la experimentación de Winchester Cathedral (2004), la banda inglesa Clinic, retorna al sonido característico de sus dos primeros álbumes.

La diferencia es que Visitations no se muestra tan lineal como sus primeras obras. Hay mucha variedad en los temas, así como una instrumentación y arreglos, que no estaban presentes en su música.

Suenan a su primer disco Internal Wrangler (2000), pero en esta ocasión reciclan esas citadas influencias de Wire, Can, Pixies, The Velvet Underground y Phil Spector, para juntarlas en una amalgama musical más accesible.

En líneas generales, es un disco que los regresa a su forma original: un sonido surrealista y primitivo, bañado de psicodelia de los 60 y mucho contenido introspectivo y psico-dramático.

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134. Brazilian Girls - Talk to La Bomb

Segundo disco de estudio del grupo neoyorquino Brazilian Girls y la continuación de su homónimo debut del 2005.

En Talk to La Bomb, el sonido de Brazilian Girls se torna más oscuro y pausado en relación a su primer disco. Ahora hay más ritmos sosegados de down tempo, más ambientaciones chill out y una variada gama de elementos vocales por parte de su vocalista Sabina Sciubba.

Igualmente, el carácter cosmopolita de su música continúa presente, ya que Sciubba sigue cantando en múltiples idiomas como el inglés, el español, el italiano, el alemán y el francés. Asimismo, la variedad de estilos de su sonido sigue impregnado de mucho jazzhouse, electro, trip hop, bossa nova e industrial.

En definitiva un disco relajante donde se cruzan los ecos de Morcheeba, Zuco 103, Stereolab, Filla Brazillia, Gus Gus y Brigitte Fontaine.

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133. The Radio Dept. - Pet Grief

En este segundo álbum, la banda se aleja de ese sonido shoegaze de su primer disco, cosa que ya venian haciendo en sus últimos EP’s publicados “Pulling Our Weight” (2003) y “This Past Week” (2005). Esta vez, The Radio Dept. se involucra en un mundo más electrónico, sin tantas guitarras disonantes y con melodías más pop y mucha ambición musical.

Si antes sonaban a My Bloody Valentine y a The Jesus and Mary Chain, ahora suenan a Prefab Sprout, New Order e incluso algo de Air. Ahora reina un sonido más synth pop, donde predominan las bases electrónicas y las guitarras cristalinas que evocan el lado más sutil de The Cure, rodeando de una atmósfera celestial y melancólica a casi todo el disco, donde también resaltan las voces tenues que logran un efecto muy apacible y confortable.

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132. Amon Amarth - With Oden On Our Side

Sexto álbum de la banda sueca Amon Amarth, en el cual continúan con su aplastante propuesta de death metal melódico bañado de mucha mitología vikinga y un sonido dinámico de gruesas guitarras y constantes cambios de ritmo.

With Oden On Our Side es un álbum que destaca por una producción impecable y por contar con una sincronización musical de altura. Amon Amarth te traslada al corazón de las tierras vikingas, por medio de un enérgico viaje que va desde el death melódico más clásico y típico, hasta poco a poco ir evolucionando y meterte de lleno en la estela del progresivo.

También hay mucho del sonido death metal de los 80 y toques provenientes del metal más puro, como los trabajos de Iron Maiden y Judas Priest, así como parte de la vena progresiva del sonido de Opeth.

Igualmente, el sonido logrado por los guitarristas (Soderberg y Mikkonen) alcanza la fuerza y la energía necesaria para comandar esta majestuosa batalla épica llamada With Oden On Our Side.

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131. Tilly and the Wall - Bottoms of Barrels

Bottoms of Barrels es la segunda placa discográfica de ésta agrupación procedente de Omaha, Nebraska (USA) y la continuación de su disco “Wild Like Children” del 2004.

En Bottoms of Barrels la banda continúa con la exuberancia, el dramatismo y la emoción adolescente conseguida en su álbum debut. Aquí su peculiar sonido twee pop/indie pop sigue intacto, retomando los retoques estilísticos del folk, el sonido lo-fi y sin olvidarse de su particular percusión, hecha a base de los taconeos de la bailarina de tap Jamie Williams.

Igualmente en éste trabajo, mantienen las armonías vocales de sus cantantes, ese cierto aire a Rilo Kiley, Bright Eyes o The Go! Team y los ecos de las bandas representativas del sello Sarah Records.

Aunque la diferencia es que ahora la banda se muestra con más experiencia, ganando confianza como músicos y aumentando su propuesta sonora, la cual aparece más calida y campestre que antes. Otra particularidad es la ganancia en texturas adornadas por acordeones, trompetas, panderetas, violines, chelos, saxofones y la ampliación de las tonalidades logradas con sus guitarras, pianos y unos órganos muy bien trabajados.

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400 Discos del 2006 (150 - 141)

2008-01-11T02:00:00.001-08:00

400 Discos del 2006 (150 - 141)

150. EF - Give Me Beauty...or Give Me Death!

Álbum debut de esta agrupación sueca, en el cual combinan elementos del ambient, el shoegaze, el post-rock y el dream pop.

Give Me Beauty...or Give Me Death! es un álbum netamente instrumental, en el cual intervienen violines, acordeones, melódicas, órganos y chelos. La banda hace un post-rock poco agresivo y sí muy melancólico, apoyado por guitarras cristalinas, crescendos majestuosos y una épica instrumentación acompañada por mucha armonía vocal.

Es un álbum para aquellos seguidores de bandas como Explosions In The Sky y Godspeed You! Black Emperor.

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149. The Flaming Lips - At War with the Mystics

At War with the Mystics es un álbum inundado en una atmósfera sociopolítica e introspectiva que mantiene ese sonido característico de la banda, que combina el rock sinfónico, progresivo y el noise pop, pero con un carácter tan personal que resulta casi imposible encontrar a grupos que se le parezcan.

El disco abre irónicamente con “The Yeah Yeah Yeah Song", un tema con cierto aire a Paul Simon, continúa “Free Radicals” tema que parece una mezcla entre Prince y Daft Punk, igualmente siguen temas al muy estilo de “The Soft Bulletin” como "My Cosmic Autumn Rebellion", "Vein of Stars" y "The Wizard Turns On..." donde predominan la atmósferas espaciales similares a Pink Floyd.

Destacan las cálidas piezas “Mr. Ambulance Driver” y “Goin’ On”, el paisaje surrealista de “Haven’t Got a Clue” y “The W.A.N.D.”, así como la épica “Pompeii Am Gotterdammerung” donde Pink Floyd vuelve a ser la clara referencia.

En definitiva, la virtud de The Flaming Lips para crear una exótica amalgama de psicodelia y pop ensoñador, sigue intacta en At War with the Mystics, pero a diferencia de sus dos anteriores álbumes, éste no engancha tan fácilmente, cosa que no le quita mérito al disco, ya que a lo largo de varias escuchas descubrirás diversas tonalidades sonoras inmersas en el universo musical de los Flaming Lips.

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148. Celtic Frost - Monotheist

Monotheist marca el regreso musical de esta mítica banda procedente de Zúrich, Suiza.

Conocidos por ser unos de las principales influencias del género Death Meatl, Celtic Frost retorna luego de dieciséis años de ausencia. Y parece que el tiempo no les cayó mal, ya que, en Monotheist la banda fortalece su brutal sonido, logrando un álbum totalmente negro, terrorífico y extremo.

Regresan más pesados que nunca, y con nuevos aires de vanguardia (hecho que siempre ha estado presente en su música) realizando un disco que figura como lo más relevante del avant garde metal actual. Mucha concentración de riffs lentos, que bordean las líneas del Doom y ritmos pausados llenos de contundencia, a lo cual le añaden pequeños toques electrónicos, para aumentar los matices de sus atmósferas.

Con este trabajo, Celtic Frost se reinventan una vez mas, al lograr combinar los ambientes oscuros y el profundo sonido de sus primeros álbumes con experimentaciones atípicas de la música extrema.

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147. Luomo - Paper Tigers

El finlandés Sasu Ripatti regresa con su tercer álbum bajo el seudónimo de Luomo.

En Paper Tigers, el microhouse se expande y se transforma en un glitch-house de última generación. Ahora la electrónica cobra una experimentación rítmica más amplia, en comparación a sus previos trabajos bajo el nombre de Luomo.

Predomina una electrónica nocturna, sensual e hipnótica y con los elementos suficientes como para no agotar los recursos musicales de Sasu Ripatti. La mayoría de las canciones presentan una base que liga el microhouse con el minimal techno y el dance.

Aunque también hay pequeños guiños con el dub, el electro y un aderezo muy jazzy, gracias a la voz de su compatriota Johanna Iivanainen, quien canta en la mayoría de los temas que componen el álbum.

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146. Magyar Posse - Random Avenger

Tercer álbum de ésta banda finlandesa y la continuación de su disco Kings of Time del 2004.

En Random Avenger, la música de la banda adquiere un sonido más aventurero y ambicioso. Magyar Posse, se olvida de las oscuras atmósferas de Kings of Time y opta por realzar la técnica de sus composiciones, con el fin de lograr un sonido más concreto.

Ahora, lo que más destaca en sus canciones, es un mayor uso de sintetizadores, sampleos y adornos electrónicos. Igualmente, hay más capas de sonidos y una minuciosa instrumentación, que va desde lo más clásico a lo más enérgico, como si se tratara de unos Godspeed You! Black Emperor fusionados con los primeros trabajos de Terry Riley o Steve Reich.

Suenan a un post-rock épico con tintes sinfónicos y espaciales. Con temas más minimalistas, elegantes, dinámicos y melancólicos, además de optar por mucha combinación de música cinemática y ambientes impregnados de fantasía y majestuosidad.

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145. The Mars Volta - Amputechture

Tras la edición de su disco “Frances The Mute” en el 2005, la agrupación The Mars Volta presentó en el 2006 su tercer álbum de estudio llamado “Amputechture”.

Este trabajo de The Mars Volta presenta un cambio en comparación a sus dos previos trabajos. Esta vez la banda ha dejado un poco el lado agresivo de su sonido y se ha metido de lleno en una nueva onda más lisérgica y expansiva. Sí antes la música de The Mars Volta te parecía muy extensa, ahora sus composiciones se han vuelto mas largas que de costumbre.

Ahora lo que predomina son los medios tiempos sin tantas complejidades en la instrumentación, pero esto no quiere decir que se han olvidado de la experimentación y la psicodelia que los caracteriza, ya que en “Amputechture” la complejidad sonora se ha hecho de otra forma: menos violenta y enfocada más el prog-rock, el krautrock, el jazz, el blues y en los extensos pasajes psicodélicos.

En cuanto a Cedric, sus líneas vocales siguen tan estupendas como siempre, manteniendo sus excesos dramáticos en sus vocalizaciones y cantando con su peculiar tono de voz tanto en inglés como en castellano y algo de francés. Sus líricas en esta ocasión están inspiradas sobre las noticias actuales acerca de las marchas de inmigrantes mejicanos y de hechos como el de una mujer romana que fue encarcelada hasta su muerte por un sacerdote (por decir que hablaba del diablo).

En resumidas cuentas “Amputechture” habla sobre el temor del catolicismo al Ser Superior en vez del amor hacia el y enfocándose más que todo en la religión, como la principal causa del conflicto mundial actual, como lo explica en sus temas "Tetragrammaton" (nombre de dios en hebreo), Vicarious Atonement (en relación al calvario y expiación por parte de Cristo), Meccamputechture (sobre el Islam, la Meca y el terrorismo).

En definitiva un disco con una notable evolución en el sonido de esta banda, pero conservando las influencias de las agrupaciones que los han inspirado como Rush, King Crimson, Pink Floyd, Led Zeppelin y sin olvidarse de las raíces latinas de parte de sus integrantes.

“Amputechture” fue producido por Omar Rodriguez-Lopez y cuenta con la colaboración de John Frusciante en el tema "Asilos Magdelena".

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144. Flying Canyon -Flying Canyon

Flying Canyon es una banda formada por Cayce Lindner junto a Glenn Donaldson y Shayde Sartin, ambos miembros de The Skygreen Leopards.

Y bajo este homónimo debut, este proyecto plasma un folk psicodélico, con muchas atmósferas oscuras y densos pasajes, con pequeños trazos del stoner y el country más tenue y clásico.

Es una música sobrecogedora, con mucha influencia del sonido de Neil Young, Skygreen Leopards, Leonard Cohen, The Eagles y David Crosby, pero adaptándolas a un sonido mas contemporáneo, como si se tratara de una especie de doom folk y con mucho parecido a los trabajos de Six Organs of Admittance o Boduf Songs.

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143. DAT Politics - Are Oui Phony??

Segundo lanzamiento de los franceses DAT Politics en el año 2006.

Are Oui Phony?? es un mini-álbum de 22 minutos, compuesto por siete canciones en donde concentran parte de ese collage sonoro de glitch y electro pop logrado en su anterior placa.

Un álbum con mucha electrónica frenética hecha a base de laptop y canciones pegajosas, que sirven como el complemento perfecto de su hijo más cercano (Wow Twist).

Por si fuera poco, en Are Oui Pony?? invitan a la artista Kevin Blechdom, para que preste su voz en el tema "Motor Day".

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142. The Appleseed Cast - Peregrine

En Peregrine la música de The Appleseed Cast mantiene esas simples melodías ejecutadas con gran frescura interior que logran cautivarte e inmiscuirte en un ambiente que, aunque superficialmente sencillo, es mucho más visceral y espontáneo de lo que parece a simple escucha.

En un disco bien estructurado que fusiona de gran forma las atmósferas sombrías con las luminosas y en donde la banda decide enfocarse más en el post-rock en vez de esa dirección emotiva que los ponía a la par de bandas como Sunny Real Date State.

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141. Gnarls Barkley - St. Elsewhere

Gnarls Barkley está formado por el cantante, rapero, escritor y productor Cee-Loo, más conocido por ser miembro de Goodie Mob y por el DJ y productor americano Brian Joseph Burton, más conocido como Danger Mouse y por sus trabajos como productor del segundo álbum de Gorillaz el “Demon Days” (2005) y sus colaboraciones con Mf. Doom, bajo el nombre de Dangerdoom.

Esta combinación dio como resultado uno de los discos más variados del 2006 , forjando lo mejor del r&b, hip-hop, gospel, pop, soul, jazz y el funk con algunos toques de rock y electrónica a base de sampleos.

Un disco altamente recomendable que recoge la esencia retro de la música negra y el espíritu del Motown para adaptada a una fórmula neo-soul donde el sentimiento de Marvin Gaye y la espontaneidad de OutKast se unen con el drama de Jeff Buckley y la oscuridad de Nick Cave, al tocar temas como la necrofilia y temas introspectivos acerca de pensamientos suicidas.

Pero en el álbum no solo abundan las líricas oscuras y profundas, ya que también dan cavidad a letras más positivas o de carácter más cotidiano, como el amor, el desamor y el existencialismo.

En definitiva, Gnarls Barkley ha combinando las emociones humanas con una música colorida donde se exploran diversos sonidos y temas, lo que hace de “St. Elsewhere” uno de los álbumes mas llamativos del 2006.

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400 Discos del 2006 (160 - 151)

2008-01-09T22:19:00.001-08:00

400 Discos del 2006 (160 - 151)

160. Genghis Tron - Dead Mountain Mouth

Dead Mountain Mouth es el debut en larga duración de este trío oriundo de Poughkeepsie (Nueva York) y marca la continuación de sus dos previos EP's.

Bajo las influencias de bandas tan dispares como Kraftwerk, Skinny Puppy, Fugazi, Brutal Truth o Converge, la banda plasma su interés por fusionar dos géneros muy diferentes, como lo son el grindcore y la electrónica. Con su música se atreven a romper el molde para llevarlo a terrenos brutalmente desconocidos.

No es algo del otro mundo, pero si una nueva forma de mostrar un sonido grindcore más arriesgado, gracias al uso de mucho noise y sonidos electrónicos, que le aportan algo más llamativo a un género casi intocable o inmutable.

Dead Mountain Mouth es un álbum cargado y pesado, donde las atmósferas de ruido, los beats y un match core sintético se convierten en la médula espinal de un sonido que se consolida como una de las propuestas mas interesante de los últimos años.

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159. aMute - The Sea Horse Limbo

Dos años transcurrieron desde su espectacular debut "A Hundred Dry Trees". Y en el 2006 el belga Jérôme Deuson alias aMute presentó su disco "The Sea Horse Limbo" donde expande su uso de guitarras y glitches para incluir baterías, chelos y voces, en una colección de temas luminosos cocinados al sol.

Un trabajo épico y cargado de detalles, osado y emocionante. A veces denso o plagado de texturas, muy similar a Tim Hecker o un Fennesz, otras mucho más frágil, bello y cargado de abrasiva energía.

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158. Sally Shapiro - Disco Romance

Sally Shapiro es el seudónimo, de esta cantante sueca de nombre desconocido y del cual se sabe muy poco, debido a su bajo perfil y a la supuesta timidez que rodea su persona, ya que la misma, tampoco canta en vivo y no deja que los periodistas le tomen fotos.

Pero Disco Romance es su álbum debut y en el mismo se respira la más pura esencia del europop y el italo disco de los 80.
Como si estuvieses escuchando a las divas de hace dos décadas Valerie Dore, Sabrina Salerno y Sandra Cretu .

Mucho sonido nocturno y artificial, donde la dulce voz de Sally aparece bañada por sintetizadores, ritmos, baterías electrónicas y melodías propias del italodisco, el synt-pop y el electro.

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157. The Most Serene Republic - Phages [EP]

Tras editar su fabuloso debut en el 2005, los canadienses The Most Serene Republic, retornaron en el 2006, con su primer EP titulado “Phages”.

Phages está formado por ocho canciones y es presentado como un “tour EP”, en donde continúan con sus desarrollos multi-instrumentales y sus raíces propias del indie rock, para conjugarlas finalmente en frescas y estilizadas melodías.

Siguen evocando tanto a sus colegas Broken Social Scene y a los Death Cabe For Cutie, y se siguen moviendo dentro de las estructuras musicales de su debut. La diferencia es que en “Phages” se enfocan en melodías más trabajadas y se funden en un sonido más dinámico, noisy y ensoñador.

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156. Té - If That Is What Is Being Thought, Liberated Sound Talks the Depth of [Musical] World.

Debut de esta banda japonesa, quienes hacen un post-rock instrumental influenciado por Mogwai, Appleseed Cast, Tristeza, Slint, Godspeed You Black Emperor y Mono.

La instrumentación de su música bebe mucho del math rock y se apoya mas que todo por los muros de sonidos a base de guitarras, así como, de variados elementos del noise y disonancias que recuerdan mucho a los trabajos de Sonic Youth y Explosions in the Sky.

Un álbum épico, impregnado por mucha fuerza, momentos calmados y delicadas ambientaciones que ayudan a variar el clima sonoro de su música.

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155. Neil on Impression - The Perfect Tango

Segundo trabajo de los italianos Neil on Impression, en donde reúnen cuatro temas de carácter épico y con mucha influencia del post-rock y los trabajos cinematográficos de Riz Ortolani y Bruno Nicolai.

La dulzura y la melancolía de sus composiciones son el eje central del disco, donde la instrumentación es construida a base de pianos, violines y trompetas, que se fusionan con gran variedad de sonidos propios del post-rock.

The Perfect Tango también está cargado por diversas capas sonoras, así como también, retazos de un sonido muy jazzy y mucha influencia de la música clásica, lo que da como resultado un sonido atmosférico, con aromas misteriosos.

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154. Hanne Hukkelberg - Rykestraße 68

Segundo álbum de la noruega Hanne Hukkelberg y la continuación de su disco Little Things del 2004.

Rykestraße 68 esta envuelto por una atmósfera más oscura que la de su debut. Pero sin olvidarse de esa calidez e hipnotismo de su predecesor. Por su parte, el eclecticismo sonoro se hace presente una vez más, ya que, en Rykestraße 68, hay esa gran variedad de instrumentos y sonidos encontrados de su primer disco.

Igualmente la calidad vocal de Hukkelberg continúa a la altura, comandand un trabajo de tintes cinéticos, en donde el jazz, la electrónica y el post-rock se mezclan con las marcadas influencias de Kings of Convenience, Björk, Stereolab y Tori Amos.

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153. Triarii - Pièce Héroique

Pièce Héroique marca el regreso del alemán Christian Erdmann, tras el lanzamiento de Ars Militaria en el 2005.

En Pièce Héroique, el dark ambient, el folk, el industrial y las marcadas marchas orquestadas vuelven a ser el corazón dentro de la música comandada por Christian Erdmann.

Como si se tratara de los soldados legionarios de la antigua Roma, la música de Triarii, se vale de las marchas apocalípticas para marcar el ritmo del álbum. Aunque en esta ocasión, el sonido se afianza por un aire neoclásico y por atmósferas más densas, lo cual le aporta más variedad a su sonido.

Igualmente, Pièce Héroique muestra un mayor número de ideas a diferencia de su debut, ya que, en el álbum la instrumentación cobra más protagonismo, buscando el uso de melodías más suaves y experimentando más con los coros y los sampleos.

Por otra parte, siguen las desasosegadas atmósferas marciales, así como melodías que evocan los trabajos de H.E.R.R., Ordo Rosarius Equilibrio, Arditi, Wappenbund y Der Blutharsch.

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152. Oh No! Oh My! - Oh No! Oh My!

Oh No! Oh My! es una agrupación formada en Austin, Texas (USA) por tres jóvenes, con el simple hecho de dar a conocer su música a través del mejor estilo de DIY, “Do It Yourself” (Hazlo tú mismo).

La banda esta integrada por Greg Barkley (voz, guitarra, bajo, banjo, acordeón, percusión y pianos tipo Rhodes y Wurlitzers), Daniel Hoxmeier (guitarra, banjo, acordeón, teclado, pandereta, percusión, sampleo y programación) y Joel Calvin (batería, teclado, pandereta, campanas y una gran variedad de instrumentos de percusión).

Comenzaron tocando en Nashville bajo el nombre de The Jolly Rogers y con un estilo de música más depresivo, pero todo esto cambió cuando la banda optó por cambiarse el nombre a Oh No! Oh My! (Nombre tomado de una canción de The Robot Ate Me) para así darle un tono más colorido a su música.

Juntos reunieron sus ideas musicales e influencias de grupos como Belle and Sebastian, Magnetic Fields y The Shins, para hacer (según ellos) una especie de “post-pop” pegadizo de frescas melodías y con cierto toque de encanto.

Y el resultado logrado se encuentra en este homónimo debut distribuido por ellos mismos, donde su simpático y alegre sonido es delineado por once coloridas canciones de fácil escucha. Como si The Unicorns sonaran menos arriesgados y con una estructura musical similar a Clap Your Hands Say Yeah, The Boy Least Likely To y Of Montreal.

En definitiva, un primer trabajo compuesto por un sonido sencillo, inteligente, divertido y adictivo, con letras irónicas y elementos del twee pop, folk e indie rock.

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151. Psapp - The Only Thing I Ever Wanted

Segundo álbum de este dúo londinense formando por la cantante, tecladista y violinista inglesa Galia Durant y el multi-instrumentista alemán Carim Classmann, el cual ha trabajado con artistas de la talla de Einstürzende Neubauten y Natacha Atlas.

En este nuevo disco, continuan con su propuesta sonora a base de una gran cantidad de instrumentos, como violines, teclados de juguete, xilófonos, guitarras y pianos, lo que le da cierto aire folk a su música.

Además, a esto le añaden una electrónica sofisticada a base de laptops, lo que da como resultado un sonido muy cristalino y cautivante, cercano al pop y al post-rock, pero con una instrumentación como eje fundamental de experimentación, donde se aprecian los ecos de Piano Magic, Stereolab, Camera Obscura, Colleen, Broadcast, Laika y Múm.

400 Discos del 2006 (170 - 161)

2008-01-09T14:31:00.001-08:00

400 Discos del 2006 (170 - 161)

170. Mono - You Are There

El cuarteto oriundo de Tokyo, retornó el 2006 para entregarnos el sucesor de su “Walking Cloud and Deep Red Sky, Flag Fluttered and the Sun Shined” (2004).

You Are There es un disco que continúa con la misma línea de su anterior trabajo, basado en una fuerte dosis de post-rock/noise experimental de carácter instrumental, pero mostrando un sonido más comprimido, sin llegar a los agresivos momentos de álbumes pasados.

El disco está compuesto por seis temas de carácter épico, carentes de letras y en donde el juego de contrastes entre la intensidad y la sutileza, te da la oportunidad de respirar entre cada canción.

Canciones que se expanden al mejor estilo post-rock como los temas “The Flames Beyond the Cold Mountain”, “Yearning” o “Moonlight”, donde el ruido, las guitarras corrosivas y los crescendos te sumergirán dentro de la tempestad sonora de Mono. Por otra parte se hacen presentes las melodías paradisíacas en “A Heart Has Asked for the Pleasures” o “The Remains of The Day” que sirven como introducción a los temas más fuertes.

En definitiva un disco envuelto por atmósferas inquietantes y con cierto sentimiento musical que lo pone cerca de bandas como Pelican o Isis.

You Are There ha sido producido por el genio Steve Albini.

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169. Klaxons - Xan Valleys [EP]

Debut de esta banda inglesa, a la cual la revista NME le adjudica la etiqueta de new rave, género inspirado en revivir gran parte de la esencia de la escena rave de los 90.

Pero más allá de una simple etiqueta o un nuevo estilo, Klaxons forja un sonido que rescata el color y la luz de la ciudad de Londres de los 90s y la fusiona con elementos del new wave, el dancepunk y mucha esencia indie.

Mas que un nuevo estilo, es una nueva propuesta por revitalizar el pasado, haciéndolo de una forma fresca, bebiendo tanto de la electrónica mas luminosa y festiva como de las guitarras y los teclados mas estridentes.

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168. Goodnight Loving - Cemetery Trails

Debut de esta banda de Milwaukee, que hace una especie de pop/folk atemporal, cargado de mucha instrumentación clásica y melodías que evocan nostalgia. Pero al mismo tiempo, su sonido emana frescura, ya que este es muy limpio y fácil de digerir.

Su música es una variada mezcla de rock, pop, folk, country y blues. Como si Uncle Tupelo se fusionara con The Feelies y el ruido melódico de The Pixies.

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167. The Red Krayola - Introduction

La banda tejana The Red Krayola, famosa por ser uno de los pilares del rock experimental y psicodélico de los años 60, regresó el 2006 para entregarnos un nuevo álbum.

Un disco que se presenta como el más accesible de toda la carrera de The Red Krayola y en donde Mayo Thompson contó con la ayuda de Stephen Prina (Gastr Del Sol), John McEntire (Tortoise, Sea & Cake) y Tom Watson (Overpass, Slovenly).

En Introduction la música de The Red Krayola se ve más orientada al concepto de la canción como tal, donde combinan géneros como el rock, pop, country, jazz y anti-folk, pero sin olvidarse del enfoque experimental que caracteriza a la banda, muy similar a lo que hacia Captain Beefheart en su época.

En definitiva un disco sofisticado e irreverente, que muestra una cara nunca antes vista de la banda y a un Thompson más revelador que de costumbre.

Para los que desconocen la banda, Introduction podría servir como punto de partida para conocer a una banda que lleva haciendo música por más de 40 años y es una de las más importantes dentro de la historia del rock experimental.

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166. John Zorn - Moonchild: Songs Without Words

Este disco bajo la batuta de John Zorn cuenta con la colaboración del vocalista Mike Patton, el baterista Joey Baron, y el bajista Trevor Dunn.

Moonchild: Songs Without Words, es un disco que se aleja de las direcciones jazzys de sus otros trabajos y se acerca mas al sonido enérgico del metal y el hardcore.

Este álbum, nos sumerge en el mundo extravagante y experimental de las composiciones de John Zorn. Mucha improvisación y vanguardia, en este amasijo brutal de sonidos, donde chocan el noise, el hardcore, el post-rock y mucho desenfreno instrumental.

Con este trabajo, John Zorn buscó una manera más contemporánea de expresar su música. Por eso se decidió juntar a los tres músicos nombrados anteriormente, para que ellos mismos se hicieran cargo de las brutales composiciones de este músico norteamericano.

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165. Dhafer Youssef - Divine Shadows

Dhafer Youssef es un cantante, intérprete del laúd árabe y compositor de origen tunecino.

Divine Shadows es su tercera entrega, en la que Youssef combina a la perfección el misticismo de la tradición sufí con elementos contemporáneos de música electrónica y jazz, aunque para este álbum, se nota un trabajo más compacto y personal, en comparación a sus previos álbumes.

Se destacan los largos desarrollos vocales en la mejor tradición sufí, arreglos instrumentales mínimos, una banda de auténtico lujo (ojo a la influencia Jazzland) y el portentoso modo en que Youssef transmite a través de su voz y su laúd árabe, hacen de esta nueva entrega una experiencia sónica en toda regla. Belleza pura imposible de explicar en palabras; necesario para cualquier aficionado a de la world music.

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164. Built to Spill - You In Reverse

Luego de cinco años sin editar disco, Built To Spill regresó para presentarnos un excelente trabajo y donde queda claro que Doug Martsch sigue siendo uno de los mejores compositores de la escena independiente americana.

La lírica atractiva, llena de introspección y temáticas convencionales no es lo único que hace perfecto este disco, ya que, a lo largo diez temas, Built To Spill derrocha una emotividad admirable, gracias a su sonido casi cristalino y bien registrado.

El disco abre con la épica “Goin’ Against Your Mind” una pieza de más de ocho minutos de duración. Continúan temas cargados de emotividad como “Traces”, “Liar” y “Gone” (con cierto parecido a Neil Young), la atmósfera de Pink Floyd se siente en “Wherever You Go”, la rica melodía se hace presente en “Conventional Wisdom” que suena casi como una mezcla entre Dinosaur Jr. y Crazy Horse.

”Mess With Time” podría ser el tema mas disparejo del disco, un tema con mucha fuerza, apoyados por agresivos riffs que recuerdan mucho a Wipers.

En los dos últimos temas “Just a Habit” y “The Wait” la psicodelia y las atmósferas espaciales estan presentes y en ambas piezas destaca el excelente trabajo de Doug en la guitarra.

En definitiva”You In Reverse” es otro disco redondo dentro de la prolífica carrera de Built To Spill, sin ninguna apreciación de acentuada mejora o declive, es simplemente eso, otro disco de Built To Spill, donde la banda pone toda su sapiencia para que todo suene en su sitio, con la fuerza necesaria y la suavidad requerida.

Cabe destacar que en este nuevo trabajo incluyen a Jim Roth (guitarrista que forma parte de las giras de Built To Spill desde 1999).

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163. Crystal Castles - Alice Practice [EP]

En las calles de la ciudad de Toronto (Canadá), un joven chico llamado Claudio, se encuentra un teclado en el basurero ubicado al lado de su edificio. Al llegar a su casa Claudio se acordó de la consola de videojuegos Atari 5200 que había encontrado una semana atrás y decidió procesar el chip de sonido de la consola dentro del teclado, para así tener un mayor control en los sonidos a través de su laptop.

Luego de varios días experimentando e improvisando con algo de ruido y sonido, Claudio opta por darle parte de estos temas a una chica que conoció llamada Alice, para que ella finalmente aportara las voces a la música hecha por Claudio. Meses después entraron al estudio con el teclado roto y un micrófono descompuesto, para grabar de nuevo unos temas, en donde Alice cantaba sobre las pistas de Claudio a manera de prueba y no en pro de hacer una banda por el simple hecho de que no contaban con los equipos necesarios.

Luego de esto, Alice y Claudio, dejaron de verse por un largo tiempo. Seis meses después Claudio vuelve a escuchar sus grabaciones y decide crear una cuenta en MySpace para subir parte de los temas grabados con Alice. El nombre escogido fue el de Crystal Castles en honor al famoso castillo de la serie animada She-Ra (la hermana de He-Man).

Y a partir de ese momento es que Crystal Castles comienza a dar que hablar, hasta que finalmente un año después diversos sellos disqueros comenzaron a contactar a Claudio, forzándolo a que se reuniera con Alice de nuevo.

Ambos no tenían idea de lo que estaba ocurriendo, pero a pesar de esto decidieron lanzar un EP casero que los mantuvo de gira por locales de su ciudad y posteriormente en diversas ciudades del Reino Unido.

Su música iba creciendo aún más gracias a la Internet y los diversos blogs de la web y finalmente eligieron el sello Merok Records para la edición de su primer EP de siete pulgadas llamado “Alice Practice”, el cual está formado por cuatro temas y en donde la banda plasma todo su arsenal sonoro.

Con este EP, los Crystal Castles, presentan su intenso y distorsionado sonido, forjado a través de ritmos pulsantes donde chocan el electro-punk y la rabia del glitchcore. Un sonido muy áspero pero a la vez pegadizo, con la intención de hacer ruido y divertirse, recogiendo parte de la estela llamada “new-rave” de bandas como Klaxons y combinando la actitud riot grrl y el sonido enérgico e intenso de bandas femeninas como las Yeah Yeah Yeahs, Mu, Erase Errata o las Chicks On Speed con una fuerte dosis sintética de unos Nintendo Teenage Robot y unos Printed Circuit.

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162. Drop the Lime - We Never Sleep

Segundo álbum del proyecto Drop the Lime del músico y cantante neoyorquino Luca Venezia.

En We Never Sleep, se explora toda esa gama musical ligada a la escena grime y el breakcore actual. Un álbum donde el breakbeat y el dubstep se cruzan de la mejor manera, para forjar un sonido bailable, festivo y nocturno que evoca mucho de la escena rave de los 90.

Mucho groove y electrónica hecha a base de breaks acelerados, variadas secuencias y cambios de ritmo, en donde entran el jungle, el hardcore, el 2 step, el drill’n’bass, el drum’n’bass, el techno y la experimentacion. Además, de contar con la voz de Luca Venezia, la cual esta fuertemente inspirada por el soul y el hip-hop.

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161. Gregor Samsa - 55:12

Segundo disco de Gregor Samsa luego de su “27:36” del 2003.

Si el nombre les suena familiar, se debe a que esta banda ha tomado su nombre del protagonista de “La Metamorfosis” relato de Franz Kafka publicado en 1915.

La música de Gregor Samsa se caracteriza por una experimentación que transita por el post-rock y el shoegaze, un sonido muy cautivador, hipnótico y ensoñador donde abundan ruidos ambientales y texturas autocomplacientes. Un sonido muy similar a bandas como Sigur Ros, Mogwai, Low, Slowdive y Labradfor.

El disco fue grabado en el Recorditorium de Richmond y fue producido por Jason Laferrera y mezclado por Brian Paulson (Slint, Wilco, Beck).

400 Discos del 2006 (180 - 171)

2008-01-08T23:44:00.000-08:00

400 Discos del 2006 (180 - 171)

180. Midlake - The Trials of Van Occupanther

The Trials of Van Occupanther es el segundo álbum de esta banda procedente de Texas, en la que deciden desviarse de ese sonido lo-fi de su primer disco, para centrarse en una vía mas vintage, cercana al folk, pop y rock de los años 70.

Un sonido cercano a Fleetwood Mac, Neil Young, America o The Flyng Burrito Brothers, el cual aparece registrado en once piezas óptimamente trabajadas a nivel compositivo y de cómoda escucha.

The Trials of Van Occupanther, se muestra mucho más nítido y limpio que en su antecesor, pero conservando ese estallido de sensibilidad en su música, apoyada en unas líricas referentes al amor y a la introspección. Y en una instrumentación, marcada por las guitarras eléctricas y acústicas, el piano, el violín, la flauta y la excelente voz de Tim Smith, la cual recuerda a Rufus Wainwright y en algunas veces al quebradizo tono de Thom Yorke.

Es un Midlake con un sonido más pulido y digerible, muy a la par de bandas como Keane o Travis, pero fusionando la esencia de los grupos nombrados anteriormente, con una tenue psicodelia cercana a Grandaddy o The Flaming Lips, la cual sirve para crear un ambiente mágico en su música.

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179. The Paper Chase - Now You Are One of Us

Cuarto trabajo discográfico de esta banda oriunda de Dallas.

Now You Are One of Us muestra de nuevo la paranoia, el ruido y la cacofonía de sus previos trabajos. Aunque ahora la tensión aumenta al darle un toque más agobiante a sus letras, las cuales están ligadas a la brutalidad, la muerte, fantasmas y textos de contenido críptico y esotérico.

Hacen de las suyas con la disonancia, el juego de sampleos y los pianos punzantes, para aumentat el carácter caótico de su música.

Un sonido surrealista y vanguardista, que retuerce el noise y el post-punk y lo transforma en un escalofriante universo, donde se cruzan The Jesus Lizard, Xiu Xiu y Shockabilly.

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178. Grandaddy - Just Like the Fambly Cat

“Just Like the Fambly Cat” representa el último trabajo de ésta formación californiana, que anuncio su separación en enero del 2006.

El titulo del álbum, en parte hace referencia a la mascota de la infancia de Jason Lytle que se murió, y es precisamente sobre eso, sobre finales. "Lo que sucede es que me he dado cuenta que los gatos saben que cuando es su tiempo de irse o morir, en vez de hacer un gran espectáculo de ello, tienen una forma muy digna de desaparecer." comenta Lytle.

Just Like the Fambly Cat, muestra melodías más pop que de costumbre, pero igualmente retoma elementos de su exitoso “The Sophtware Slump” del 2000 y su anterior trabajo “Sumday” del 2003.

Siguen sonando diferentes, logrando dar color y vida al panorama musical, ya que cubren a sus composiciones en un mundo de fantasía, que te envolverá en sus densas capas de sintetizadores y sus excelentes guitarras, acompañado por una música en donde sobresalen los momentos pretenciosos, los textos reflexivos cargados de melancolía y el enfoque neo-psicodelico, que los coloca a la par de bandas como The Flaming Lips, Mercury Rev, Swell o Super Furry Animals.

Just Like the Fambly Cat marca el epitafio de una excelente banda, donde extraen su esencia post-moderna y los logros de discos pasados, para darle una orientación más concisa y directa.

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177. OOIOO - Taiga

Quinto álbum de este cuarteto femenino de Japón.

Taiga es una especie de post-rock experimental ligado con mucho prog-rock y pasajes repletos de jazz al mejor estilo de King Crimson. Pero mas que es eso, Taiga es un álbum que hace referencia a la naturaleza, juntando un rock de vanguardia con recursos extraídos directamente de la world music.

Plagado de sonidos tribales e influenciado por la presencia constante del jazz y el folclore africano, Taiga se convierte en un álbum poco convencional, que mezcla un eclecticismo sonoro sofisticado e innovador.

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176. Scarlet's Well - Black Tulip Wings

Quinto trabajo discográfico del proyecto del hindú Ganesh Seshadri, mejor conocido bajo el seudónimo de Bid y por su trabajo como vocalista de la legendaria banda The Monochrome Set.

Black Tulip Wings muestra un sonido más consistente y redondo en comparación a sus previos trabajos y mucho de esto se debe a que es el primer disco grabado con los ocho músicos londinenses que suelen acompañar a Bid en sus directos. Ahora hay un sonido renovado y hasta temas basados en poemas de Tennyson y Poe.

Hay más elegancia, sensibilidad y canciones hechas con más cuidado, donde el indie pop, el chamber pop, la psicodelia y cierto toque medieval se juntan, para dar como resultado un álbum lleno de misterio y fantasía, comandada por una exquisita e hipnótica instrumentación.

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175. Beck - The Information

Tras editar el 2005 el álbum Guero junto con los Dust Brothers, Beck retornó el 2006 para editar el disco que iba ser el sucesor de aquél “Sea Change” del 2002, pero que al final por cuestiones de preferencias Beck decidió archivarlo para centrarse de lleno en “Guero” (2005).

Si el objetivo de su anterior placa era volver en parte al sonido y a la estética de su preciado “Odeley” (1996), en “The Information” Beck ha decidido continuar con el sonido conseguido en los álbumes previos a “Guero” como lo son el “Mutations” (1998) y el “Sea Change” (2002).

Al escuchar “The Information” se puede apreciar como éste trabajo sería la continuación de su disco “Sea Change” y mucho de esto se percibe en el trabajo de producción, el cual fue llevado a cabo por Nigel Godrich, quien precisamente se encargó de sus obras más personales, por esta razón, este nuevo trabajo de Beck se sitúa entre un “Sea Change” y un “Guero”.

En este disco se funden ambas vertientes de Beck y él vuelve a hacer gala de su eclecticismo sonoro, facturando canciones frágiles que beben del Dylan más folkie y combinando esa gran diversidad de estilos, como el indie rock, el hip-hop, el funk, la electrónica, el blues y el country. Toda una mezcolanza en la que Godrich aporta sus habituales matices para simplemente adornar y resaltar la belleza austera de algunas de sus piezas.

El disco a su vez muestra un sonido muy urbano, ya que Beck se centra en recrear parte del agobiante mundo saturado de información y de tecnología.

The Information fue lanzado por el sello Interscope.

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174. Skream - Skream!

Skream es el seudónimo de Oliver Jones un joven productor de dubstep, quien fue uno de los principales pioneros de este movimiento en la ciudad de Croydon en el centro del sur de Londres.

El homónimo debut en larga duración de Skream, recrea el mismo sonido de sus previos EP's, en donde se contempla la mutación sufrida por el underground electrónico del Reino Unido.

En Skream!, Olives Jones continúa con esa especie de dub siniestro ligado con techno, breakbeat y minimal, y en donde el sonido es marcado por tensos bajos y densas atmósferas, que ayudan a nutrir el sonido urbano de su música.

En conclusión, un trabajo, en el que Skream se apunta -una vez mas- como uno de los pilares de la escena dubstep británica.

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173. Jarvis Cocker - Jarvis

Álbum debut del vocalista de Pulp, Jarvis Cocker, donde muestra la madurez alcanzada, tras la disolución de su banda y su corto proyecto Relaxed Muscle.

Con este trabajo, Jarvis Cocker realiza un trabajo introspectivo, inclinado hacia un pop más calmado e intimo, con tiempos lentos y estructuras convencionales del pop/rock. Se podría comparar un poco al espiritualismo conseguido en el álbum We Love Life del 2001, pero con un Cocker, mas apasionado y reflexivo que nunca.

En Jarvis, las canciones se vuelven más personales, pero la elegancia de sus temas y sus influencias habituales permanecen intactas. Como los ecos a David Bowie, T-Rex y Serge Gainsbourg. Aunque, también hay espacio para escuchar pequeños roces con Elvis Costello, The Carpenters y mucho de la esencia de Belle & Sebastian.

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172. Nina Nastasia - On Leaving

Cuarto disco de esta cantante americana y que según ella misma es un álbum “más triste que demente”.

Y es que en On Leaving, se abandona un poco esa oscuridad y tensión de su anterior placa Run To Ruin del 2003. Pero, lo intersante es que no hay cambios drásticos, ya que, solo se escuchan pequeñas variaciones de formulas pasadas, en las cuales, actúa una vez mas el legendario Steve Albini, para poner todo en su lugar.

En este trabajo, Nina Nastasia, aparece acompañada por su habitual banda, quienes con notas menos etéreas, firman canciones donde el piano y la batería sobresalen cobrando mayor protagonismo, lo cual aumenta el contenido dramático en los pasajes donde la voz de Nina no obtiene una presencia absoluta.

La vena folk sigue intacta, y es lo maravilloso de este álbum, ya que Nina Nastasia más que una solista es un grupo, debido al resultado y la unidad lograda en los temas que componen el álbum.

Cada tema suena reconfortante, sumamente elegante y con un sonido envidiable para muchas voces femeninas. En definitiva una experiencia pura, para aquellos amantes de Joanna Newsom, Cat Power, Patty Griffin y Neko Case.

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171. Avishai Cohen - Continuo

Séptimo disco de este bajista israelí y la continuación de su álbum At Home del 2005.

Avishai Cohen continúa cosechando frutos con su música y sorprende -una vez más- en la ejecución de su instrumento, ya que, en las manos de Cohen el contrabajo adquiere nuevos matices, dignos de escuchar.

En Continuo, los aires del Medio Oriente y el jazz marcan el paso, así como también, el dúo conformado por Sam Barsh en piano y Mark Guilliana en batería, quienes acompañan a Cohen en este hermoso trabajo, donde el jazz se fusiona con la música clásica, algo de pop y mucha influencia étnica, logrando así un sonido absolutamente original y con pocos puntos de contacto con otras obras.

400 Discos del 2006 (190 - 181)

2008-01-08T15:59:00.000-08:00

400 Discos del 2006 (190 - 181)

190. Sunn 0))) & Boris - Altar

Altar es un disco, en el cual colaboran el dúo americano de drone metal Sunn 0))) y el grupo japonés Boris.

Tener en un mismo álbum a dos de los principales exponentes del drone metal y el sludge metal (Sunn 0))) y Boris, respectivamente) es prácticamente adentrarte en un caos sonoro único e inigualable.

Durante casi 54 minutos, estas bandas te sumergen en un mundo oscuro, alucinante y apabullante. Un ambiente sonoro, lleno de distorsión y saturación, así como de densas atmósferas y una épica psicodelia, en donde se explora -en partes iguales- los elementos de cada uno de estas agrupaciones.

El resultado es una mezcla, de drone y un post-rock muy fantasmal, aderezado por voces etéreas y con una instrumentación encaminada por las vías de la experimentación.

Cabe resaltar, que en Altar también colaboran: Kim Thayil (Soundgarden), Joe Preston (Earth, Thrones, Melvins, High on Fire), Jesse Sykes (Jesse Sykes and the Sweet Hereafter), Phil Wanderscher (Sweet Hereafter), Rex Ritter (Jessamine, Fontanelle) y Tos Niewenhuizen (Beaver, GOD) entre otros

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189. Regina Spektor - Begin to Hope

La chica moscovita residente en New York regresó en el 2006 con un nuevo trabajo que marca la continuación de su disco “Soviet Kitsch” del 2004.

Al escuchar “Begin To Hope” nos encontraremos con un sonido menos arriesgado que su anterior álbum, donde la música se siente como un delicado balance entre su anti-folk de la escena East Village de N.Y de sus primeros trabajos y su “nueva postura” dentro del sello disquero Sire.

Begin to Hope adopta un sonido más accesible y producido, en el que predominan más arreglos de beats y retoques electrónicos, los cuales se unen perfectamente con su piano y teclado, aumentando así la textura de sonidos en su música.

Un ejemplo de ello, es “Better”, un tema marcado por una melodía pop a base de un riff de guitarra cortesía de Nick Valensi (The Strokes) o el tema “That Time” un tema punzante de formato pop/rock.

Igualmente sus líricas introspectivas que hablan de historias personales, amor o desamor continúan presentes, así como los ecos del jazz, la música clásica, el blues y las inevitables comparaciones a Fiona Apple, Tori Amos, Björk y la mismísima Billie Holiday.

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188. Robert Pollard - From a Compound Eye

Esta sería el primer disco en solitario de Pollard tras su último trabajo con la banda Guided By Voices.

Este disco fue editado bajo el sello Merge, y es un disco doble que desde que lo escuchas te engancha, debido a su simplicidad convertida en grandeza.

Son 26 temas que recogen la experiencia personal de Pollard, presentándolo como un collage de ideas que reflejan su personalidad (un hombre que esta cercano a sus 50 años), sus influencias y sonando igual a lo que ha hecho en toda su carrera, tanto en Guided By Voices, como en sus otros proyectos paralelos.

En fin un disco que tiene los ingredientes necesarios: la espontaneidad del indie rock y la energia del lo-fi, todo bien tocado e interpretado con un sentimiento especial.

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187. I'm Not a Gun - We Think as Instruments

Tercer disco de estudio de este proyecto integrado por el austriaco John Tejada y el japonés Takeshi Nishimoto.

We Think as Instruments muestra un lado más orgánico, en comparación a sus previos trabajos, debido a un mayor uso de instrumentación en influencias del jazz, en la ya conocida estructuración electrónica de sus temas.

Ahora lo orgánico se acopla perfectamente con lo artificial y da como resultado una música humeante para flotar, en donde la delicadeza de la electrónica se fusiona con pequeños pasajes acústicos.

Si te gusta la música de Nightmares on Wax, Fridge, Tied and Tickled Trio, Xelo, Helios o Sea and Cake, quizás este disco sea de tu agrado.

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186. A Cloud Mireya - Singular

“Singular” es una colección de temas producidos durante los últimos 3 años por Claudia Dehea (On!Air!Library!, Daylight´s for Birds) y Guillermo S. Herren, más conocido como Prefuse 73.

Temas que empezaron como una simple diversión en los descansos de sus respectivos proyectos, pero pronto tomó forma, para convertirse en un nuevo proyecto, en donde la belleza de las armonías de Claudia, y su voz, se entremezclan con las guitarras flotantes, ocasionales ritmos y sonidos encontrados de Scott Herren, un maestro en la combinación de atmósferas.

La comparación con el último Savath + Savalas, donde contaba con la voz de Eva Puyuelo, es inevitable, pero juegan con estilos diferentes, ya que, A Cloud Mireya se centra menos en un estilo en concreto para flotar en un poso más cosmopolita.

En pocas palabras, un nuevo proyecto de Scott Herren en su onda más pop.

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185. Nachtmystium - Instinct: Decay

Instinct: Decay es el tercer álbum de esta banda americana y la continuación de su disco Demise (2004).

Con este disco, Nachtmystium se convierte en una de las más innovadoras bandas en la actual escena black metal. Un trabajo sufocante, psicodélico, melancólico, muy caótico al punto de la desorientación, creando un trascendental e hipnótico viaje que pocos logran, muy recomendado, demostrando que se puede innovar sin perder las brutalidad y la esencia negra.

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184. Yeah Yeah Yeahs - Show Your Bones

Segundo esperado disco de esta agrupación, que se gano buenas criticas en el 2003 con su debut “Fever To Tell”.

Según la vocalista de la banda, Karen O, “Show Your Bones” es lo que le sucede a tu dedo cuanto lo introduces en una toma de corriente eléctrica.

Para este nuevo disco la banda busco alejarse de “Fever To Tell”, con el fin de reinventarse de alguna forma y no tratar de repetir el mismo efecto de su antecesor.

En “Show Your Bones” nos encontramos ante una banda centrada, esta vez, en el indie más denso, donde cada detalle de producción ha sido hecho de forma cuidadosa, consiguiendo un sonido más tranquilo y menos eufórico.

Continúan las influencias de Royal Trux y Joan Jett, pero esta vez suenan mas a Siouxsie and the Banshees.

Un trabajo que no te enganchara a la primera escucha, ya que la energía de su predecesor no esta presente, por eso es necesario escucharlo cuidadosamente más de tres veces para asimilarlo.

En el disco se pasean momentos calmados como “The Sweets” y “Warrior”, (en estas destaca el trabajo vocal de Karen O) y momentos más enérgicos como “Gold Lion”, “Honeybar” y “Mysteries” (donde suenan muy similar a The Strokes), a su vez la voz de Karen O ha cobrado más protagonismo en los temas, así como gran variedad de tonalidades sonoras y letras mas trabajadas.

El disco fue producido por Squeak E. Clean y mezclado por Alan Moulder (NIN, A Perfect Circle, The Smashing Pumpkins) e igualmente lanzado bajo el sello Interscope.

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183. Héctor Buitrago - Conector

Conector es el debut del músico Héctor Buitrago, más conocido por ser el bajista de Aterciopelados.

Conector es un trabajo marcado por una gran diversidad cultural y en especial por la pasión musical de su creador, ya que, en cada de una de las canciones se explora las diferentes influencias musicales que han sido parte fundamental en la carrera del músico colombiano.

La música que compone este álbum, esta muy ligada con los sonidos étnicos de su tierra y Latinoamérica. Mucho de ese sonido amazónico, en especial de las etnias ingana, kamentsá y cofán, que entienden a la tierra como madre y promulgan la hermandad de los seres de la naturaleza.

Igualmente, el sonido tribal inmerso en el disco, no solo explora las costumbres de su tierra, ya que, también se busca una conexión cultural, a través, de cantos mongoles, mantras hindúes y oraciones en sánscrito, que envuelven al oyente en un halo de espiritualidad universal.

También hay espacio para la electrónica, el pop, algo de new age y la participación de los músicos: Andrea Echeverri, Julieta Venegas y el español Alex Ubago, quienes aumentan el exotismo, el diseño e ideología que compone este proyecto llamando Conector.

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182. Morrisey - Ringleader of the Tormentors

Este disco, de nuevo contiene todos los elementos que hacen de su música admirable. Canciones que acarician la perfección, excelentes melodías y un Morrissey hundido en su lírica atormentada sobre la muerte, la sexualidad, juventud, violencia urbana y dilemas existenciales.

Las confesiones de Morrissey y su descontento hacia el mundo que lo rodea, se hacen presente a lo largo del disco, como en “I See You In Far Off Places” donde nos muestra su visión sobre la política de USA, mientras es acompañado por una armonía oriental casi mística.

Pasajes doloridos como en la canción “Life Is A Pigsty” y “Dear God Please Help Me”, la cual cuenta con arreglos del italiano Ennio Morricone, y el resultado es un tema que emana una brisa casi religiosa.

Momentos íntimos como en “To Me You Are A Work of Art” un tema contagioso, donde Morrissey nos afirma que su tristeza se ve calmada por la presencia de su amante.

Y no pueden faltar las piezas ricas en melodías como en ”You Have Killed Me”, “The Youngest Was The Most Loved”, “In The Future When All's Well” y “The Father Who Must Be Killed”.

Este álbum fue grabado en Roma, en el estudio de Ennio Morricone y cuenta con la producción y mezcla de Tony Visconti (David Bowie, T-Rex).

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181. The Long Winters - Putting The Days To Bed

Tercer disco de esta banda de Seattle y la continuación de su álbum “When I Pretend to Fall” del 2003.

En éste trabajo titulado “Putting the Days to Bed”, la banda ha combinado todo lo logrado a lo largo de su corta discografía y le han añadido el radiante sonido pop conseguido en su EP del 2005 "Ultimatum" en donde su música adquirió un aire más íntimo y sutil.

En cuanto a las letras de John Roderick, estas se muestran más personales que nunca y nos revelan el lado más íntimo de Roderick, el cual nos habla sobre temas íntimos acerca de sentimientos urbanos o rutinas cotidianas.

El disco a su vez, presenta temas muchos más redondos entre sí, en comparación a la variedad de “When I Pretend to Fall” (2003) y muestra una unidad similar a la obtenida en su disco debut, pero con la diferencia de que estos temas cuentan con una mejor calidad de producción y una mayor fortaleza a nivel compositivo.

Por otro lado “Putting the Days to Bed” cuenta con una nueva formación compuesta por Eric Corson en el bajo, Nabil Ayers en la batería y Jonathan Rothman en el teclado y una vez más aparecen los fieles amigos de Roderick, Chris Walla (Death Cab For Cutie) y Chris Funk (The Decemberists) en algunos temas del disco.

400 Discos del 2006 (200 - 191)

2008-01-08T00:07:00.000-08:00

400 Discos del 2006 (200 - 191)

200. Mahogany - Connectivity!

Connectivity! es la continuación de su disco debut The Dream of a Modern Day del 2000.

Esta producción mantiene la atmósfera dream pop de su debut. Mucho aire fresco y deliciosas melodías que recuerdan a Belle & Sebastian, Stereolab, Cocteau Twins, My Bloody Valentine y Slowdive.

Pero en Connectivity! la banda aumenta su potencial sonoro, mostrando una evolución hacia melodías más pop y un claro interés por la exploración rítmica y la originalidad.

Juegan con dinámicas percusiones mecánicas, masivos acordes de guitarras de doce cuerdas, rigurosas líneas de bajo, voces celestiales y letras de carácter reflexivo que hablan de ciudades, construcciones abstractas y con mucho contenido post-modernista.

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199. Scissor Sisters - Ta-Dah

En este segundo trabajo discográfico, la banda neoyorquina apuesta de nuevo al dance luminoso de su predecesor.

Tah-Dah continúa con el pop bailable y el sonido inspirado en los Bee Gees, Duran Duran, Elton John, George Michael, Queen y hasta algo del rock de The Rolling Stones.

Un álbum plagado de mucha elegancia, psicodelia, glamour y festejo, así como también, pronunciados ecos del new wave, el disco y el funk de los 70.

Además, hay bases rítmicas mas marcadas, gran cantidad de arreglos con instrumentos de vientos y mucho adorno electrónico, que hacen de este trabajo, un disco muy diverso.

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198. The Roots - Game Theory

Séptimo disco de estudio de esta agrupación de Philadelphia y la continuación de su álbum Phrenology del 2002.

Este trabajo se caracteriza, por ser un álbum más serio, duro y oscuro en comparación de sus últimos trabajos. Desde el comienzo, Game Theory recrea lo mejor del sonido de este colectivo. Aunque, esta vez, se encaminan hacia una vía más evolucionada y
madura.

Igualmente mantienen la esencia del hip-hop, el jazz, el funk, el rock y también se animan a rescatar la ambición de sus álbumes Illadeph Halftime (1996) o Things Fall Apart (1999).

En definitiva, un disco bañando de melancolía y mucho enfado con el gobierno americano, pero siempre comandado por un hip-hop hecho con clase y estilo

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197. Carla Bozulich - Evangelista

Evangelista es un disco oscuro, intenso y extraño. Envuelto por una atmósfera de sosiego, misterio y un aura hipnótica, que confunde y al mismo tiempo seduce.

Con este trabajo, Carla Bozulich, reinventa lo establecido, logrando un álbum experimental, repleto de ruido y densos ambientes que acompañan su expresiva voz. Una voz que se susurra, grita y se pasea por diversas emociones, en el cual la cantante explora sonidos y registros por medio de técnicas vocales poco convencionales.

Por su parte, el álbum, es un trabajo muy atmosférico, adornado por mucha instrumentación a base de guitarra, violín, cello, órgano, piano, contrabajo, mandolín y pequeños loops y sampleos, que se fusionan para crear una cacofonía sonora muy
arriesgada y difícil de analizar.

Para obtener su sonido, se rodeó de miembros de bandas como Godspeed You!, Black Emperor o Black Ox Orkestar y bajo la producción del veterano Shahzad Ismally.

En fin, Evangelista es un disco vanguardista, que combina mucho de la ambientación drone y del post-rock más letárgico, con pequeños retoques del folk y la música gótica.

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196. Les Georges Leningrad - Sangue Puro

Tercer disco de estudio de este trío canadiense, en el cual continúan con el sonido descontrolado de sus previos discos, donde el post-punk, el noise y el electro, se combinan para forjar uno de los sonidos más crudos y claustrofóbicos de la escena actual.

Sangue Puro mantiene la propuesta desenfrenada de su música, pero sin tocar tanto el terreno bailable sus anteriores discos. De hecho, ahora se tornan más experimentales que nunca, logrando un trabajo disperso, sobrecargado de ruido y afiladas guitarras, que elevan la propuesta y el estilo no wave de la banda.

Post-punk caótico, una base electro, beats pronunciados e incluso guiños con el hip-hop y el industrial, es lo que marca el paso en los 40 minutos de duración de Sangue Puro.

Si quieres imaginarte a que suena la banda, piensa en una fusión entre el lado mas salvaje de Siouxsie & the Banshees o The Slits y únelo con el caos sonoro de de los primeros álbumes de Sonic Youth, la esencia de Sun City Girls y el lado electrónico de bandas como Fad Gadget, Adult. y Add N To (X).

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195. Benoît Pioulard - Précis

Précis es la continuación del EP Enge del 2005 de este multi-instrumentista, cantautor, escritor y fotógrafo, llamado Thomas Meluch y mejor conocido bajo el pseudónimo de Benoît Pioulard.

Este debut larga duración, contiene mucho de la esencia electrónica y del dream pop de su EP Enge. No obstante, Précis va más allá de ese sonido, ya que en el mismo, hay mucho destello de texturas a base de percusiones y sonidos que aumentan el carácter ensoñador de su música.

Ahora hay melodías más creativas y sencillas, logrando estructuras más cautivantes y delicadas. Mucho folk cargado de texturas sonoras en las que mezcla sabiamente algunas dosis de experimentación y suaves melodías vocales.

Sin duda alguna un trabajo para los que disfrutan a bandas como Fennesz, Boards Of Canada, Animal Collective y My Bloody Valentine.

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194. Lupe Fiasco - Food and Liquor

Disco debut del rapero americano Wasalu Muhammad Jaco mejor conocido como Lupe Fiasco.

El debut de Lupe Fiasco, Food and Liquor, es un álbum de hip/hop que reúne mucho de la época gloriosa del colectivo Native Tongues Posse y también gran parte de ese sonido producido que parece prácticamente derivado de la consciencia de Kanye West (el cual fue pieza clave a la hora de producir el disco).

Apoyado por Kayne, y artistas como Jay-Z, Charles "Chilly" Patton, The Neptunes, Mike Shinoda y Craig Kallman, entre otros; el disco de Lupe Fiasco cubre de forma perfecta la manera de hacer hip-hop. Una producción limpia de principio a fin, en la cual se respira el soul, el jazz y las influencias de Nas, A Tribe Called Quest, Eightball & MJG y Jungle Brothers.

Cada canción posee elegancia y frescura, las cuales aumentan gracias a ritmos marcados y a la voz de Lupe Fiasco que se distingue del resto de la escena actual, mas que todo por la forma en que sus letras metafóricas se alejan de los clichés de éste género.

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193. Bardo Pond - Ticket Crystals

En este disco titulado Ticket Crystals, la banda muestra un sonido más variado y renovado. Continuando con lo mostrado en “On The Ellipse”, pero con un sonido menos salvaje, inclinados hacia un lado más delicado y explorando mayormente la vena psych-folk de la banda.

El cambio no es tan drástico, ya que estos elementos, siempre han estado presente en su sonido. Igualmente mantienen su amplio espectro de capas de ruido y feedbacks, más la psicodelia en sus pasajes instrumentales, bañados con la más pura esencia del space rock, el post rock y el noise.

Ambos lados de la banda contrastan de forma estupenda, al mezclar el suave sonido acústico con los estallidos eléctricos comandados por las guitarras de los hermanos Michael y John Gibbons, quienes marcan la tónica de estas pequeñas sinfonías adornadas con la hipnótica voz de Isobel Sollenberger.

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192. Adrian Klumpes - Be Still

"Be Still" es el debut en solitario de Adrian Klumpes, a quien hasta ahora se le reconocían sus muchas virtudes en su papel de pianista de Triosk.

"Be Still" fue grabado en apenas cinco horas sin necesidad de abandonar la casa que el australiano posee en Sydney. Allí, con su piano, Klumpes ha creado una oda al minimalismo y a la economía de recursos.

Un haiku sonoro que algunos comparan, de un modo creemos que muy acertado acertado, con la pintura de Rothko. Y es que, como sucede en la obra del norteamericano de origen letón, Klumpes consigue hilvanar una música de extraordinaria expresividad a partir de un número premeditadamente reducido de elementos.

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191. Peaches - Impeach My Bush

Tercer álbum de la canadiense Merrill Nisker (mejor conocida como Peaches) y con el cual marca su regreso tras la edición de su disco “Fatherfucker” en el 2003.

Este trabajo de Peaches, no es tan feroz como su predecesor, pero de nuevo cuenta con los ingredientes característicos de su sonido electroclash salvaje y maleducado. Un álbum repleto de sensualidad y rebeldía, apoyado a través de líricas de contenido sexual explícito y por una fuerte dosis de electro-punk a base de melodías electrónicas, fuertes guitarras y roces con el hip-hop.

Igualmente, el contenido lírico de doble sentido aparece inmerso de nuevo, como se nota en el simple título del disco Impeach My Bush, el cual deja claro que Peaches no se enfoca sólo en el sexo, si no más bien trata de enfatizar una crítica política hacia el gobierno de Bush.

Y según palabras de la misma Nisker “el disco, es una invitación a reflexionar sobre la parte que nos toca a todos con respecto a la guerra y a lo que pasa en el mundo. Trato de que la gente se cuestione a sí misma, que cuestionen los roles de hombres y mujeres, autoridades, gobiernos. Si la gente cree que solamente hablo de sexo, no se entera de nada.”

Además de esto, el disco muestra una Nisker más abierta a las posibilidades de producción, en la cual contó con la ayuda de Mickey Petralia (Beck, Ladytron) y Greg Kurstin (Gwen Stefani, Lily Allen), productores que proporcionaron un sonido más análogo a la música de Peaches, dejando a un lado la GrooveBox y optando más al uso de moogs, genuinos sintetizadores Roland Junos y Jupiters, secuenciadores, caja de ritmos analógicas y lyndrums.

Todos estos elementos lograron un sonido más pulcro y claro en su música, hecho que se puede notar en los beats de los temas "Tent in Your Pants", "Downtown" y "Slippery Dick". Por otro lado las guitarras han sido tocadas con amplificadores Marshall y con genuinas guitarras Gibson Les Paul Jr. consiguiendo proyectar el sonido sucio digno del espíritu punk, como lo logrado en los temas “You Love It”, “Do Ya” y "Give 'Er" donde aparece la colaboración de Josh Homme (Queens of the Stone Age/ Eagles of Death Metal) en las guitarras.

Otros de los músicos invitados en Impeach My Bush, fueron Joan Jett, Samantha Maloney (Hole, Mötley Crüe, Eagles of Death Metal), Leslie Feist (Broken Social Scene) y Beth Ditto (The Gossip).

En definitiva un disco con lo mejor de la agresividad femenina, saturado de intensidad, atrevimiento, provocación, hedonismo y de toda la parafernalia sexual a la que esta mujer nos tiene más que acostumbrados.

400 Discos del 2006 (210 - 201)

2008-01-03T02:42:00.000-08:00

400 Discos del 2006 (210 - 201)

210. Ned Collette - Jokes and Trials

Debut del australiano Ned Collette, quien nos transporta a un viaje nostálgico y melancólico, rodeado por un sonido folk y una atmósfera crepuscular muy particular, que recuerda mucho a los trabajos de Nick Drake, Donovan, Robert Wyatt y Cat Power.

Pero lo mas llamativo, son las canciones de Collette, las cuales tienen mucha influencia del cantautor Leonard Cohen. Son dulces y tristes y retratan las emociones humanas del día a día con tal simplicidad y autenticidad, que sorprende por su carga emotiva y por los recursos poéticos empleados en sus textos.

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209. Rodrigo y Gabriela - Rodrigo y Gabriela

Segundo disco de estudio del dúo mexicano Rodrigo y Gabriela y la continuación de su debut Re-foc del 2004. La propuesta de éste homónimo trabajo, sigue con ese sonido acústico e instrumental influenciado por el flamenco, el tex-mex, el folk europeo, la música celta y mucha de la esencia del rock n roll y el heavy metal.

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208. Tunng - Comments of the Inner Chorus

Tras editar Mother's Daughter and Other Songs en el 2005, esta banda inglesa regresó en el 2006, para lanzar su segundo trabajo discográfico titulado Comments of the Inner Chorus.

Comments of the Inner Chorus, es un disco en donde la banda refuerza el sonido folk-electrónico de su debut y lo convierte en un universo pastoral y extravagante, apoyado por cuentos que parecen ser sacados de la mente de los hermanos Grimm e incluso historias surrealistas que evocan mucho de la película The Wicker Man.

Asimismo, el sonido digital y el sampleo ceden el paso al uso de adornos más orgánicos y percusiones más marcadas, así como también, un mayor uso de las voces y la instrumentación del folk tradicional inglés.

Un álbum con mucha atmósfera campestre y variadas texturas que te sumergirán en un universo donde se encuentran Nick Drake, Simon & Garfunkel y Penguin Cafe Orchestra entrelazados con las ambientaciones electrónicas de Lemon Jelly, The Notwist y Four Tet.

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207. The Dresden Dolls - Yes, Virginia…

Segundo álbum de esta banda de Boston y la continuación de su homónimo debut “The Dresden Dolls” del 2004.

En este disco The Dresden Dolls mantienen su propuesta de rock de cabaret, compuesto sólo por batería, voz y piano. Pero la diferencia es que Yes, Virginia… se muestra más agresivo en cuanto a sonido y con cierto grado de madurez en el aspecto compositivo y lírico.

Por su parte el sarcasmo, el humor negro y el toque teatral en sus temas siguen intactos, así como cierta esencia retro de la Alemania de los años 30, inspirada en artistas como Kart Well.

Yes, Virgina… está compuesto por trece temas de carácter introspectivo, inspirados en la vida misma, las relaciones con la familia, amigos, amantes y la forma en como se desarrollan estas.

Como dato curioso, el título del álbum fue sacado de una editorial que apareció en el periódico New York Sun en 1879, en respuesta a la carta mandada por una niña llamada Virginia donde cuestiona la existencia de Santa Claus. Esta anécdota se convirtió en una parte trascendental de la tradición navideña de los Estados Unidos (Yes,Virginia There is a Santa Claus), Sí, Virginia, existe Santa Claus, es tan real como el amor, la generosidad y la devoción.

Yes, Virginia… fue grabado en el estudio Allaire de New York y contó con la producción de Sean Slade y Paul Q. Kolderie (Radiohead, Pixies)

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206. Sibylle Baier - Colour Green

Hace más de 30 años, entre 1970 y 1973, una cantante, costurera, pintora, actriz y bailarina alemana llamada Sibylle Baier, grabó de forma casera una serie de canciones junto a su guitarra y una máquina de grabación. Todas estas grabaciones quedaron guardadas por más de treinta años en su hogar, hasta que el hijo de Baier astutamente decidió enviar una copia de lo que había grabado su madre a J. Mascis, de Dinosaur Jr.

Ahora tres décadas después las cálidas canciones compuestas por Baier son publicadas este año por el sello Orange Twin, con el fin de dar a conocer uno de los mejores secretos guardados del folk alemán. Y es que en éste álbum nombrado “Colour Green” los sentimientos, la nostalgia y las pequeñas tragedias de la vida diaria de Baier, son relatados de una forma dulce y reflexiva, al mejor estilo de grandes como Vashti Bunyan, Nick Drake, Nico, Leonard Cohen y Joni Mitchell.

Con tan sólo el sonido de su guitarra y su voz y con arreglos muy precisos, Baier aparece hoy para maravillarnos con un folk austero y de tonalidades sepia como el de la portada del disco.

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205. The Tiny - Starring: Someone Like You

Segundo disco del trío sueco The Tiny, y la continuación de su álbum Close Enough (2004).

El trabajo realizado por este trío en Starring: Someone Like You, muestra un sonido más variado que en el de su debut, ya que, la mayoría de las canciones recrean un universo propio, bañado de excentricidad musical y comandada por la exuberante voz de Ellekari Larsson (la cual es casi como una mezcla entre la voz de Bjork, Joanna Newson, Liz Phraser y Kate Bush)

El sonido sigue rescatando mucho del folk, el jazz, el indie pop y el chamber pop, e igualmente se afianza gracias a una gran gama de instrumentos de vientos, un órgano Wurlitzer, un vibráfono y unos sintetizadores casio.

Un álbum ampliamente dramático y sobrecogedor. Recomendado para los amantes de la folktronica más intima.

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204. The Futureheads - News and Tributes

Ansiado segundo disco de esta banda inglesa que dio mucho que hablar con su homónimo debut del 2004 en la escena indie del post-punk/new wave de ésta década.

Al escuchar este nuevo trabajo de The Futereheads, nos encontramos con un sonido mas variado con respecto a su debut. Se muestran menos urgentes que en su predecesor, logrando canciones más cercanas al formato pop-rock o brit-pop, pero manteniendo la esencia de la banda.

Si antes sonaban más a The Jam, en éste disco se aproximan más a los trabajos de XTC e incluso hay momentos donde suenan similar a los primeros discos de Blur. Igualmente no pierden las influencias de The Jam y The Clash en la fuerza y contundencia de su sonido, como la enérgica “Yes/No” o mostrando sus afiladas guitarras en “Cope” y “Return Of The Berseker”.

Los nuevos caminos, se muestran en canciones con un sonido más calmado y más armonioso, como en los temas “Burnt” donde hacen uso de guitarras acústicas o en “Thursday” jugando con armonías vocales al estilo de los Beach Boys. Mientras que en temas como “Skip To The End” o “Face” las melodías pop se combinan perfectamente con el espíritu punk de la banda.

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203. Damien Jurado - And Now That I'm in Your Shadow

Séptimo trabajo de estudio del cantautor americano Damien Jurado y la continuación de su disco On My Way to Absence (2005).

En And Now That I'm in Your Shadow hay menos de ese sonido rockero y cargado de su anterior placa. En esta ocasión Jurado muestra un sonido mas desnudo, con su voz, su guitarra acústica y acompañado de un piano y algunas cuerdas, al mejor estilo americano, el cual contrasta con un pequeño toque lo-fi hecho con efectos y sonidos.

Por su parte, las letras siguen tocando el lado íntimo del cantautor, haciendo de éste álbum, un trabajo bañado de tristeza y con mucha influencia de Bob Dylan y Neil Young.

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202. Loose Fur - Born Again in the U.S.A.

Loose Fur, es el proyecto formado por Jim O’Rourke (Sonic Youth, Gastr del Sol), Glenn Kotche (Wilco) y Jeff Tweedy (Wilco).

Este es su segunda placa luego de editar en el 2003 su debut “Loose Fur”.

En esta ocasión nos topamos con temas más sencillos, apoyados en letras de carácter religioso e introspectivo, sin tanta experimentación y menos desarrollos instrumentales, a excepción del tema “Wreckroom” (una pieza de más de ocho minutos de duración) .

Por otro lado, también se ven mas adentrados en el mundo del folk americano, cosa que obviamente les recordara a los trabajos de Wilco.

En Born Again in the U.S.A. el rock sureño se hace presente en“Hey Chicken”, el folk agridulce en “Answers to Your Questions”, las bases mas roqueras en “Apostolic”, “Stupid As The Soon” y “Pretty Sparks”, así como la ironía de “The Ruling Class” (que habla sobre un Jesucristo consumidor de crack) y la burla a los mandamientos cristianos en “Thou Salt Wilt”.

En definitiva un álbum muy lineal, pero con gran cantidad de detalles, que recoge lo mejor de la personalidad de sus integrantes.

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201. Sarah Blasko - What the Sea Wants, The Sea Will Have

Segundo trabajo discográfico de la cantautora australiana Sarah Blasko y la continuación de su debut The Overture & The Underscore del 2004.

What the Sea Wants, The Sea Will Have, explora un sonido mas diverso y más llamativo, en comparación con su debut. Ahora, la estructuración de sus temas tiene una mayor producción, así como su voz, la cual sigue en esa línea de artistas como Sarah McLachlan, Fiona Apple y Carina Round.

La principal novedad es la utilización de instrumentos como el piano, el cello y los fagotes, los cuales sirven para darle mucho del sonido de la música de cámara a las composiciones de Blasko.

También hay uso de un mellotron y pasajes electrónicos, que aumentan la elegancia y calidez al álbum, el cual se mantiene uniformemente como una pieza confortante e intima, con pequeños momentos tornasolados y pequeños destellos de luz, que aparecen ante tanta atmósfera oscura y los abrumadores pasajes oceánicos de sus canciones.

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400 Discos del 2006 (220 - 211)

2007-12-31T14:03:00.000-08:00

400 Discos del 2006 (220 - 211)

220. Dan Deacon - Acorn Master [EP]

Acorn Master es un disco animado, que reúne todo el sonido infantil y neurótico del músico de Baltimore, Dan Deacon.

Dan Deacon continúa con su constante experimentación electro-acústica plagada de beats distorsionados, loops y muchas texturas, donde entran diversos sampleos sacados de programas de TV y video juegos, así como, un firme uso de guitarras, casiotones y vocoders.

Seis temas hechos a base de laptop y sintetizadores, que te meterán de lleno el extraño -pero contagioso- mundo de Dan Deacon.

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219. Goose - Bring it On

Álbum debut de esta banda formada en el año 2000 en la ciudad de Kortrijk (Belgica) y la cual esta conformada por Mickael Karkousse (voz y teclado), Dave Martijn (guitarra y teclado), Tom Coghe (bajo y teclado) y Bert Libeert (bateria).

En Bring It On los belgas unen sus fuerzas para reunir un puñal de canciones hechas a base de mucho sintetizador y orientadas al dance rock, el electro y el synth pop. Un disco de mucho contenido bailable muy al estilo de bandas como Justice, Digitalism y Daft Punk, y con un poco del espíritu de Depeche Mode, Public Image y los primeros Radio 4.

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218. Cult Of Luna - Somewhere Along the Highway

La banda sueca Cult of Luna, regresó en el 2006 con una nueva placa discográfica y la continuación de su álbum “Salvation“ del 2004.

Luego de editar tres álbumes, Cult of Luna, ha logrado un notable crecimiento como banda, debido a su constante evolución a la hora de sacar un disco, hecho que le ha servido para ganar cierto estatus en la escena post-metal del nuevo milenio, situándolos a la par de bandas como Isis o los mismos Neurosis.

Si en “Salvation” optaron por explorar terrenos más “tranquilos” en su música, en este nuevo trabajo no nos encontramos con nada nuevo que marque esa evolución constante en su sonido.

Con este nuevo trabajo, quizás mucha gente esperaba un cambio acorde con los que han ido produciéndose de disco a disco a lo largo de su carrera. Pero esto no fue así, ya que el camino trazado en Somewhere Along the Highway no es quizás la evolución más lógica que podía seguir la banda.

Aunque eso no significa que Somewhere Along the Highway se una vil copia o una simple repetición de formulas de sus anteriores trabajos, ya que si hay algo que resaltar en este disco, es que es mucho más intenso que su antecesor, no en términos musicales, pero si en cuanto a composición y emotividad.

El otro punto a resalar, es que en este álbum, están más cerca del post-rock como nunca antes lo estuvieron, ya que, explotan al máximo los extensos pasajes instrumentales, los cuales son prácticamente la piedra angular de todo el disco.

Esas oscuras murallas de sonido se fusionan con los elementos ya conocidos, como las delicadas guitarras agudas, algún que otro efecto electrónico y la voz desgarradora de Klas Rydberg.

En definitiva, Somewhere Along the Highway es un álbum donde el post-rock y el doom metal se encuentran, para dar como resultado una música nostálgica pero expresada con contundencia.

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217. Zombi - Surface to Air

En el 2006 , este dúo multi-instrumental de Pittsburg, formado por Steve Moore (bajo y sintetizador) y A.E. Paterra (batería y sintetizador) regresó para editar ”Surface To Air”, su segundo disco y la continuación de su “Cosmos” del 2004.

En este nuevo trabajo la banda sigue con su sonido inspirado en las bandas progresivas de los 70 y las bandas sonoras de terror.

Su sonido es puramente instrumental y muy sinfónico, donde exploran los caminos del prog-rock y el space rock, muy similar al de bandas como Genesis y Rush (a la cual suenan muy parecido).

Imagínense al Rush de la primera era de los 80’s (pero sin Geddy Lee en las voces y sin Alex Lifeson en las guitarras). Ya que esto se ve reemplazado por la presencia de sintetizadores análogos y experimentación electrónica, generando atmósferas espaciales al mejor estilo ambient de Tangerine Dream y evocando los pasajes sonoros de las películas de terror, inspirados en John Carpenter, Fabio Frizzi, Dario Argento y Goblin.

En definitiva, ”Surface To Air” es un disco que no solo rescata ese sonido progresivo de los 70, sino que también sirve como homenaje a esas gloriosas bandas sonoras.

El disco fue lanzado bajo el sello Relapse.

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216. Amy Winehouse - Back to Black

Segundo disco de estudio de esta cantautora británica, y la continuación de su debut Frank editado en el 2003.

Back to Black conserva mucho de lo expuesto en su primer disco, pero sin tocar tanto esa influencia del jazz y las estructuras de acordes complicados de su debut. Ahora la cantante se mueve hacia los terrenos del soul y el r&b, influenciada más que todo en el sonido Motown y los grupos de chicas de los años 50 y 60, logrando así un sonido mas sencillo y directo.

Y para lograr recrear ese sonido atemporal, Winehouse acudió a los productores Mark Ronson y Salaam Remi, quienes sintetizaron la originalidad y la creatividad de la cantante, en un álbum que nos lleva de vuelta al soul tradicional americano y en donde se mezclan tanto esas influencias musicales de Billie Holiday, Aretha Franklin y Mary J. Blige, con pequeños guiños vocales de artistas como Tori Amos, Lauryn Hill, P.J Harvey y Nina Simone

En definitiva, un disco en donde se nota el crecimiento como intérprete de esta cantante, al lograr canciones directas, las cuales narran historias de engaños, reconciliaciones, dolor y excesos.

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215. Poni Hoax - Poni Hoax

Debut de ésta banda francesa integrada por Laurent Bardainne (teclado), Nicolas Ker (voz), Nicolas Villebrun (guitarra), Arnaud Roulin (bajista), Vincent Taeger (bateria).

Este primer disco de Poni Hoax plantea un sonido electrónico hecho a base de ritmos sencillos e inspirados en la escena disco/electrónica europea de los 80, así como del electro, new wave y el new romantic. A su vez, su música posee pegajosas e irresistibles melodías, las cuales aparecen bañadas por cierto misticismo y frías ambientaciones que recuerdan mucho a los trabajos de Gary Numan, Visage, Air, Arno y algo de Ludwig von 88.

Igualmente la banda fusiona su sonido electrónico con bases de guitarra y batería particulares del rock tradicional, las cuales se asemejan un poco al post-punk de bandas como Joy Division o Interpol. Por si fuera poco el contenido lírico de sus canciones y la forma de cantar de su vocalista Nicolas Ker, rememoran la época dorada del pop francés de Serge Gainsbourg y de artistas británicos como David Bowie y Morrissey.

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214. Pearl Jam - Pearl Jam

La banda sobreviviente del grunge, retornó el 2006 para entregarnos su octavo disco de estudio y el sucesor de “Riot Act” del 2002.

Para este nuevo álbum, nos encontramos con un Pearl Jam más agresivo y enérgico, en comparación a sus últimas entregas, ya que en este disco homónimo, la banda recupera esa esencia de sus primeros tres álbumes, con un mayor sonido rock/hard rock, algo de punk, garage/grunge y por su puesto las claras referencias de sus influencias, como The Who y Neil Young.

Asimismo, la banda ha calificado éste álbum, como el más democrático de sus discos. Hecho que se ve plasmado en sus líricas de carácter protestante hacia Bush y el sistema americano, las cuales aparecen más crudas y directas que de costumbre.

El disco, por su parte, muestra su lado más rockero e intenso, en la primera mitad, donde aparecen los temas, “Life Wasted”, “World Wide Suicide”, “Comatose”, “Severed Hand”, “Marker in the Sand” legitimas piezas de hard rock enfocadas hacia el régimen político y social de USA.

Igualmente se encuentran temas más calmados como el tema “Parachutes” con un sonido acústico y con cierto aire folk que recuerda a The Beatles, la balada “Gone”, el interludio “Wasted Reprise”, la nostálgica “Army Reserve” y la cálida “Come Back”.

También sobresalen los temas “Big Wave” con un excelente trabajo por parte de Stone Gossard y Mike McCready, y la épica “Inside Job” una pieza que destaca por las texturas empleadas en las guitarras.

En definitiva Pearl Jam, ha hecho un disco donde rescata la fuerza de sus primeros años y que para muchos, es su mejor trabajo desde “Vitalogy” (1994).

Pearl Jam fue producido y mezclado por Pearl Jam y Adam Kasper, y fue lanzado bajo el sello J.

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213. Mates of State - Bring It Back

Cuarto álbum de los esposos Kori Gardner y Jason Hammel y la continuación de su disco Team Boo del 2003.

En Bring It Back la banda continúa con ese sonido indie rock que los caracteriza, pero con la diferencia de que ahora hay más presencia del piano y teclados vintage, en vez del sonido rítmico a base guitarras.

Ahora, la banda factura un sonido indie que evoca mucha nostalgia de la década de los 70 y nos adentra a un álbum mas intimo y profundo que sus predecesores. Esta vez sus ricas armonías y estribillos pop aumentan con creces, así como, la gran variedad de texturas, las cuales se combinan perfectamente con el juego de voces de este dúo.

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212. Albert Hammond, Jr. - Yours to Keep

Yours to Keep es el álbum debut del guitarrista de The Strokes, Albert Hammond, Jr., también conocido por ser el hijo del famoso cantautor Albert Hammond.

En este debut en solitario Albert Hammond, Jr. firma diez canciones, las cuales según él mismo comenta, fueron rechazadas por los Strokes. Y es de esperarse, que la mayoría de estas canciones (rechazadas) tengan ese sonido particular de la guitarra del famoso grupo neoyorquino, así como gran parte del ritmo y composición de las mismas.

De hecho, los temas “In Transit”, “Everyone Gets a Star” y “Bright Young Thing”, son versiones personalizadas por el propio Hammond Jr. de tres temas instrumentales que ya habían aparecido en el dvd en vivo del 2001 -In Transit- de la banda, con los
nombres, “By The Way”, “Swiss Beats” y “Holland” respectivamente.

Pero no es solo, el sonido rítmico de The Strokes, lo que se respira en el álbum, ya que en el mismo, hay mucha influencia delos Beach Boys, Buddy Holly y de los trabajos solistas de Brian Wilson, así como también mucho del sonido de Love, Arthur Lee y hasta un poco del sonido acústico de Beatles/John Lennon, hecho que quizás se deba a la colaboración de Sean Lennon en el álbum.

En definitiva un disco muy calido y colorido, el cual fue hecho de una forma sencilla, honesta y bien elaborada, y que irónicamente suena mas a The Strokes, que el último trabajo de la banda.

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211. Ahleuchatistas - What You Will

Este es un trío formado en febrero del 2003, en Ashville, NC, (USA), compuesto por Shane Perlowin (guitarra), Sean Dail (batería) y Derek Poteat (bajo).

What You Will es su tercer trabajo, editado bajo el sello Cuneiform, luego de sus, “The Same and The Other” (2005) y “On The Cultura Industry” (2004).

Su música es un ataque sonoro, que va desde el post-rock, punk, math rock y el jazz-rock, todo hecho de forma experimental, y afianzado por unas guitarras muy afiladas, logrando melodías que van desde momentos caóticos hasta pasajes casi gloriosos.

Un disco que no se aparta de lo que han hecho anteriormente, pero que sigue demostrando esa propuesta vanguardista e innovadora, sumergida en un contenido político-social.

Catorce innovadores temas, que hacen de este álbum, un trabajo compacto (solo para amantes de estas propuestas).

Para tener una idea de cómo suena la banda, habría que imaginarse una fusión entre Fantômas, Upsilon Acrux , Captain Beefheart, By The End Of Tonight y John Coltrane.

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400 Discos del 2006 ( 230 - 221)

2007-12-30T17:35:00.001-08:00

400 Discos del 2006 ( 230 - 221)

230. The Killers - Sam's Town

Segundo álbum de estudio de esta banda de Las Vegas y la continuación de su debut Hot Fuss del 2004.

Sam's Town abandona las influencias del new wave presentes en su primer disco, para esta vez, orientarse hacia un sonido que fusiona el lado mas tradicional del rock americano y con el del británico.

Si su primer disco estaba inmerso en la revitalizadora nueva ola o el hype de esta década, en Sam's Town la banda busca una identidad propia haciendo un sonido más americano y un poco mas maduro. Se distancian de las sombras de Duran Duran y New Order y se acercan más a las de U2 y Bruce Springsteen, quienes son las influencias más claras a lo largo del disco.

Igualmente, ya no están esos beats bailables de Hot Fuss, y ahora los teclados se tornan mas ambiciosos, lo cual le añade más estilismo al nuevo sonido de la banda.

En Sam's Town las guitarras parecen ser firmadas por el mismo The Edge y los textos evocan mucho el trabajo de Bruce Springsteen, ya que, el disco esta centrado en historias decadentes e himnos urbanos, donde los hoteles-casinos, los amores, los excesos y el dolor son el principal contenido lírico.

Asimismo, el sonido aparece marcado por otras claras influencias como Tom Petty and the Heartbreakers, David Bowie, Queen y Echo & the Bunnymen.

En conclusión, un álbum más trabajado, en el cual la banda no repite lo expuesto en su debut.

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229. Pure Reason Revolution - The Dark Third

Este nuevo milenio ha estado marcado por la aparición de una denominada “cuarta generación” de rock progresivo, entre las cuales se podría meter a bandas de la talla de Muse, Mew, The Secret Machines y The Cooper Temple Clause. Bandas prácticamente jóvenes que fueron influenciadas por el prog rock clásico pero que también recogen parte del legado de las bandas progresivas que emergieron en la década de finales de los 80 y de toda la década de los 90.

Entre sus influencias más cercanas se encuentran las bandas Änglagård y Porcupine Tree, siendo esta última la más notoria de todas, debido a que la música de ésta banda inglesa se caracterizó por su diversidad sonora al combinar el rock progresivo con música psicodélica y música ambiental. Y fue esa diversidad musical la que fue pieza clave en el desarrollo de esta nueva generación de rock progresivo.

La novedad de esta nueva camada se centra en que estos incorporan elementos de otros géneros de la década de los 90, como el indie rock, la llamada ola alternativa, la electrónica y algo de post rock. Influenciados por bandas como Radiohead, Nirvana, The Smashing Pumpkins, Tool, Super Furry Animals y la mismísima Björk. Y es así, como este género busca redefinirse con esta nueva generación.

Y parte de esta nueva oleada, esta comandada por la agrupación inglesa Pure Reason Revolution, formada en Londres en el año 2003 y quienes tienen a sus espaldas varios singles y EP’s que plasman este nuevo discurso musical. La agrupación está compuesta por John Courtney (voz, guitarra y teclados), Chloe Alper (bajo y voz), Jamie Wilcox (voces, guitarras), Jim Dobson (voz, guitarra, bajo, teclados y violín) y Andrew Courtney (batería), y ahora, luego de hacer tanto discurso musical reiterativo, han decidido editar este año su disco debut titulado “The Dark Third”.

Un trabajo en donde lo expuesto anteriormente se queda corto, ante tanta magnitud a la hora de plasmar las diversas influencias del grupo. A primera escucha el sonido de la banda se relaciona de inmediato con Porcupine Tree, pero con una diferencia enorme en cuanto a experimentación.

En este debut Pure Reason Revolution factura una amplia una ambientación etérea y expansiva al mejor estilo de Pink Floyd. Registran un rock progresivo plagado de sucesivos cambios de atmósferas que van de lo sutil a la densidad máxima, al estilo Tool y fusionándolo con diversas ráfagas de astral folk, electrónica, armonías vocales y gran cantidad de arreglos inteligentes que hacen de su música un amplio universo musical, que evoca los trabajos de Queen, The Beach Boys, The Smashing Pumpkins, King Crimson y Super Furry Animals.

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228. Slayer - Christ Illusion

Décimo disco de estudio de la banda californiana Slayer y la continuación de su álbum “God Hates Us All” del 2001.

Con este nuevo trabajo titulado “Christ Illusion” la banda ha retornado un poco al clásico sonido de discos como “South Of Heaven” (1988) y “Seasons In The Abyss” (1990) pero manteniendo ciertas similitudes de sus ultimos discos, en especial de su predecesor “God Hates Us All” del 2001.

Mucho de este proceso de buscar recuperar fórmulas y estructuras del pasado, se debe a que en este nuevo aporte de Slayer, la agrupación cuenta con el regreso de su baterista original Dave Lombardo, el cual ayudó a rememorar cierto aire del viejo sonido de la banda.

Otro factor determinante en el sonido de “Christ Illusion” es el regreso de su productor de toda la vida Rick Rubin, quien se ha juntado con el otro productor Josh Abraham para fortalecer y rescatar parte del sonido característico de Slayer.

Igualmente la rapidez, la intensidad y la música brutal de “Christ Illusion” se acoplan de forma perfecta con textos que hablan de la guerra, la muerte, el odio y en especial los ataques hacia la religión.

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227. Summoning - Oath Bound

Nuevo álbum de estos austriacos, oriundos de Vienna, y el sucesor de su disco “Let Mortal Heroes Sing Your Fame” del 2001.

En esta sexta producción de su carrera, la banda continúa fiel a su estilo inspirado en los libros de J. R. R. Tolkien, logrando con su música evocar esos paisajes medievales descritos por Tolkien en sus libros de The Lord of the Rings.

Oath Bound es un disco envuelto por una atmósfera épica, llena de nostalgia y excelentes melodías cercanas a su anterior trabajo (“Let Mortal Heroes Sing Your Fame”), pero con más capas de guitarras, hechas con más dureza y al mejor estilo del black metal melódico. También destacan las grandiosas percusiones, las voces recitadas, los arreglos folk y los teclados, lo que le da ese carácter aventurero al disco.

Todos los temas siguen la misma línea del álbum, pero cabe destacar el tema “Mirdautas Vras” el cual esta escrito y cantado en el lenguaje oscuro de Mordor.

El disco fue lanzado por el sello Napalm Records.

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226. Front Lline Assembly - Artificial Soldier

Si su última placa Civilization del 2004, marcaba el retorno de Rhys Fulber a la banda, para este nuevo trabajo ha sido Chris Peterson, quien regresa de nuevo para unirse a Front Line Assembly, junto a un nuevo integrante Jeremy Inkel, miembro de Left Spine Down y Noise Unit.

Artificial Soldier, recupera el sonido crudo y agresivo caracteristico de la banda. Un sonido esquizofrénico, con mucho retoque digital, fuertes guitarras y ambientado por densas y oscuras atmósferas adornadas por bases programadas, muchos breakbeats y una fuerte dosis de electro-industrial y mucha adrenalina épica, donde la elegancia y los fuertes estribillos, nos regresan al mejor estilo de su época de comienzos de los 90, en especial, la de su disco Tactical Neural Implant de 1992.

Por si fuera poco, el disco cuenta con la colaboración de Jean-Luc de Meyer (Front 242) y Eskil Simonsson (Covenant).

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225. If These Trees Could Talk - If These Trees Could Talk

Debut de ésta banda de post-rock formada en Akron, Ohio (USA).

Su música es puramente instrumental y similar al post-rock hecho por Mogwai y Explosions In The Sky, quienes son influencias directas de la banda. Pero las claras similitudes con dichas bandas, se alternan con diversas influencias de la escena post-metal actual, como la de las bandas Isis y Red Sparowes, adquiriendo de estas ultimas, la crudeza y las guitarras afiladas que marcan la intensidad de su sonido.

Aunque ante tantos crescendos y cambios de ánimos, la banda construye diferente melodías a base de sus tres guitarras, que van desde la fuerza hasta momentos y ambientaciones espaciales que recuerdan mucho al trabajo de Adam Jones (Tool).

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224. The Strokes - First Impressions of Earth

El tercer esperado trabajo de The Strokes, trajo una dirección un poco compleja en comparación con sus previos álbumes.

El disco contiene muchos temas al más estilo del sonido de “Is This It” (2002), aunque predomina mucho un camino más ruidoso y con unos punteos de guitarra muy peculiares, así como unas estructuras más trabajadas.

El cambio más drástico en el sonido de la banda, lo es el tema “Vision of Division” el cual abre con un sonido muy al Motown de los 60, el cual acelera de forma enérgica con la guitarra y así el tema va creciendo de una forma muy intensa, hasta desembocar en una fuerte dosis de arpegios españoles/orientales y punteos desenfrenados que hacen de este tema lo mas elaborado de The Strokes hasta le fecha.

También el tema “Ask me anything” marca nuevos horizontes en el sonido de la banda, en la cual, introducen un mellotron para afianzar el ritmo de la música.

Esta nueva dirección hecha por The Strokes busca reinventarse de nuevo, trayendo un sonido mas trabajado y sin tantos hits. De momentos se nota el profesionalismo adquirido y en otros una propuesta indie, con retazos sonoros muy ruidosos y un trabajo de guitarras mucho mas afiladas, mostrando algo nuevo en su repertorio.

En este disco lo que mas se destaca es el trabajo de las guitarras por parte de Albert Hammond Jr. y Nick Valensi.

El disco fue producido por David Kahne (No Doubt, New Order).

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223. Sparrows, Swarm and Sing! - O'Shenandoah, Mighty Death Will Find Me

O'Shenandoah, Mighty Death Will Find Me es un disco que muestra una evolución en el sonido post-rock de los americanos Sparrows, Swarm and Sing!. Ahora su instrumentación orquestada adquiere nuevos matices y elementos que se combinan con esa intensidad y esos crescendos al mejor estilo de Godspeed You! Black Emperor, Mogwai y Explosions in the Sky.

Los nuevos elementos son la adición de un sonido más folk, el cual se puede percibir en los nuevos pasajes acústicos que aparecen en su música. Por otro lado hay muchas melodías vocales y un mayor uso de los muros de sonidos pertenecientes al post-rock tradicional.

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222. The Submarines - Declare a New State!

Disco debut de esta pareja de esposos integrada por Blake Hazard y John Dragonetti, quienes se conocieron en Boston, donde una fuerte amistad, se convirtió en un romance con gratos frutos musicales, luego que Dragonetti produjera el debut como solista de Hazard -el cual lleva por nombre Little Airplane y fue editado en el año 2002-

Posteriormente, luego de largas presentaciones en Boston, la pareja decide trasladarse a Los Angeles, para continuar con su carrera, la cual se ve frenada en el 2004 luego que la relación llegara a su fin.

Aunque, este hecho, irónicamente motivó y estimuló creativamente a ambos, ya que Hazard seguía grabando su material en el estudio de Dragonetti, donde ellos componían y escribían las canciones acerca de su ruptura, teniendo así material suficiente para un álbum.

Aparentemente este trabajo sirvió para reconciliar su amor y también para dar nacimiento a un nuevo proyecto musical llamado The Submarines, el cual con este disco debut llamado Declare a New State!, muestran un sonido que se pasea por el indie pop y la indietronica más delicada, logrando un trabajo cercano al sonido de Death Cab for Cutie, Rilo Kiley y algo de The Postal Service.

Declare a New State! es un disco muy emotivo, bañado de dulces melodías y un pop agridulce con pequeños tintes electrónicos, los cuales marcan la base para las líricas de contenido sentimental detrás de la historia de ambos.

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221. Mogwai - Zidane: A 21st Century Portrait

Segundo disco lanzado en el año 2006, por los escoceses de Mogwai, luego de su álbum "Mr. Beast".

Este álbum esta compuesto por 10 canciones grabadas luego de finalizar el disco Mr. Beast, y las mismas componen la banda sonora de la película Zidane: A 21st Century Portrait. Un filme que recoge todas las facetas de uno de los mejores futbolistas de la historia, Zinedine Zidane.

Con este disco, la banda no se planteo tomar una dirección específica al momento de hacer la música, ya que la mayoría de las canciones fueron hechas de forma improvisada. La música del mismo, contiene mucho de la energía de Mr. Beast, pero también recupera la experimentación y los tempos calmados de su álbum Come on Die Young de 1999.

En pocas palabras es un disco que contrasta ambos hemisferios de la banda, fusionando el post-rock característico de su música con su lado más ambiental e hipnótico.

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400 Discos del 2006 ( 240 - 231)

2007-12-24T13:22:00.000-08:00

400 Discos del 2006 ( 240 - 231)

240. Muse - Black Holes and Revelations

Cuarto álbum de estudio de la banda inglesa Muse y la continuación de su aclamado “Absolution” del 2003.

Black Holes and Revelations empieza en el mismo lugar donde terminó “Absolution”. Abriendo con el tema “Take A Bow” donde unos pronunciados sintetizadores nos trae a la cabeza el sonido característico de la banda.

Pero es tan sólo un minuto y medio lo que nos sirve como introducción ante el nuevo y “revelador” cambio de su música, ya que en plena ambientación épica y con Matt Bellamy exclamando que arderemos en el infierno por nuestros pecados; un beat electrónico entra en escena para adentrarnos en terrenos inexplorados.

Y es que este nuevo trabajo de Muse, es de los que suponen un shock para aquellos fieles seguidores de la banda, ya que el rumbo tomado esta vez, es la creación de canciones más armónicas y “felices” con una pequeña mezcla de estilos como el electro el dance y el jazz, pero sin olvidarse de las fuerzas de sus guitarras y parte de su enérgico sonido.

Según la banda, este nuevo material “es una mezcla “muy drástica” de estilos musicales; algunas pistas rozan el “jazz melódico” mientras que otras son el extremo opuesto del espectro, algo así como un “rock salvaje basado en el groove, influenciado por Prince”. E incluso el trabajo del influyente compositor italiano Ennio Morricone nos inspiró el tono de la canción "The Knights of Cydonia"

El nuevo camino trazado en Black Holes and Revelations se nota en temas como “Starlight” un tema con una base pop/rock adornada por un piano que evoca la dulzura de ABBA o “Supermassive Black Hole" quizás el más revelador del álbum, donde las guitarras se fusionan con un ritmo bailable y una voz robótica que sirve de gancho en la canción.

Asimismo, la fuerza y la esencia de su sonido lo encontraremos en temas como “Map of the Problematique” donde una atmósfera trance actúa como preámbulo ante una enérgica pieza condensada en fuertes riffs de guitarras y diversos efectos electrónicos. O en el tema “Assassin” la canción más potente del disco, con una agresividad marcada por rápidos contratiempos y una púnzate guitarra; y la exuberante "Knights of Cydonia" toda una composición épica al mejor estilo de Rush, Queen y Pink Floyd.

Pero ante tantas “revelaciones” y beats electrónicos inmersos en el álbum, cabe resaltar que el sonido se muestra más integro y no se olvidan de los crescendos y de sus líricas de orientación apocalíptica, alienígena e introspección-reflexiva. De igual forma mantienen el enfoque de opera rock/épico de su música, así como también la suma de los detalles estilísticos en su sonido, como los arreglos de cuerdas y trompetas en “City Of Delusion” o la guitarra flamenca en “Hoodoo”

También es necesario resaltar las constantes influencias de Queen a lo largo del disco, no sólo a nivel musical, si no también en el nivel armónico-vocal de Bellamy como en el tema "Soldier’s Poem" donde su registro vocal similar al de Thom Yorke (Radiohead) se fusiona con un tono parecido al de Freddie Mercury (Queen)

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239. Buzzcocks - Flat-Pack Philosophy

Flat-Pack Philosophy es el octavo disco de estudio de esta legendaria banda pionera del punk británico a finales de la década de los 70 y el sucesor de su álbum Buzzcocks (2003).

Luego de ser unas de los principales exponentes del punk hace casi 30 años, la banda retornó en el 2006 con toda esa energía que los caracterizo a comienzos de su carrera. Y es que en Flat-Pack Philosophy, la agrupación reúne toda esa intensidad y fuerza digna del punk, para de una vez por todas forjarse como la banda con mayor vigencia de entre todos esos grupos que nacieron de la primera oleada punk.

A pesar de contar con previos trabajos que ponían en manifiesto este hecho, con este álbum la banda recupera con creces los orígenes del punk rock, como si los años no hubieran pasado por estos británicos oriundos de Manchester.

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238. The Tangent - A Place in the Queue

Tercer disco de estudio de esta banda de rock progresivo y la continuación de su álbum The World That We Drive Through del 2004.

A Place in the Queue es otro trabajo mas en donde la banda reúne su arsenal musical plagado de inteligentes arreglos y complejas estructuras que se ajustan en medio de diversos pasajes musicales afianzados por sintetizadores, órganos, pianos, mandolinas, saxofones, flautas y muchas atmósferas propias del rock sinfónico y progresivo (muy parecido al sonido de los primeros álbumes de Yes y de la era de Peter Gabriel en Genesis)

Por otro lado el sonido progresivo de la banda, contrasta con numerosos pasajes dignos jazz, el bossa nova, la música celta, la psicodelia y hasta algo de soul de la mítica Motown, haciendo de este álbum, el trabajo más ambicioso de la banda hasta la fecha.

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237. The Sword - Age of Winters

The Sword es una banda formada hace cuatro años, en Austin (Texas) y esta conformada por J.D. Cronise (voz y guitarra), Kyle Shutt (guitarra), Bryan Richie (bajo) y Trivett Wingo (batería).

Su música esta en la misma vía, de bandas como Pearl and Brass, Wolfmother o Witchcraft (grupos que forman parte de esa nuevo oleaje del hard rock/stoner que viene creciendo fuertemente estos últimos años) pero con un sonido mas heavy que recoge los metálicos riffs de la mítica banda Black Sabbath, y lo conjuga con un estilo similar al de bandas como Early Man y algo de High on Fire y Mastodon.

Este es su arrollador álbum debut, el cual se mantiene duro desde el comienzo hasta el final, con fuertes riffs de guitarra y una música con cierto aire retro que evoca ese sonido del rock de los 70.

Un disco recomendado a todos aquellos seguidores de este genero, ya que con este debut The Sword se apunta como una de las grandes sorpresas del los últimos años.
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236. God is An Astronaut - A Moment of Stillness [EP]

A Moment of Stillness es el tercer trabajo y primer EP de ésta banda formada en el 2002 en Irlanda.

Con éste EP, la banda continúa con su sonido netamente instrumental e inspirado en el post-rock y el shoegaze, donde la música es hecha a base de pasajes sónicos y afiladas guitarras que evocan mucho de los trabajos de Mogwai y Sigur Ros. Por su parte, también hay espacio para esas calidas atmósferas mostradas en su debut The End of the Beginning del 2002, así como también pequeños retoques electrónicos, lo cual sirve para relajarse ante el contundente viaje épico de su música.

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235. Cursive - Happy Hollow

Quinto trabajo de estudio de esta banda oriunda de Nebraska y la continuación de su disco The Ugly Organ (2003).

Para Happy Hollow, la banda decidió arriesgarse musicalmente añadiendo instrumentos de viento y ritmos nunca antes explorados por el grupo. Ahora, suenan menos agresivos que antes y con un sonido que circula tanto por el gospel, el blues y el rock, rompiendo así su propia estructura musical.

Igualmente sus letras toman un camino más universal y se alejan un poco del contenido introspectivo inmerso en sus previos trabajos, ya que, en Happy Hollow, las líricas toman una vía más crítica y sarcástica en contra de la religión, la sociedad americana y su particular sueño americano.

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234. The Antarcticans - Teach Children; Fear all Teachings of Eternity; The Doom of Self and Nature

Teach Children; Fear all Teachings of Eternity; The Doom of Self and Nature es el segundo álbum de estudio de The Antarcticans y la continuación de su homonimo debut del 2004.

Esta placa discográfica aumenta con creces lo propuesto en su debut, ya que canción tras canción el ataque instrumental-sónico de la banda alcanza una potencia que deja en claro la intención de reforzar ese muro sonoro mostrado en su primer disco.

También hay algo de experimentación en la forma de estructurar su música, jugando con las ambientaciones y los crescendos, los cuales recogen mucho de la escena post-metal de comienzo de esta década, muy similar a lo hecho por bandas como Isis y
Pelican, y a su vez, mantienen la esencia del post-rock de bandas como Godspeed You Black Emperor y los primeros trabajos de Mogwai y Explosions in the Sky.

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233. Sean Lennon - Friendly Fire

Friendly Fire es el segundo disco de estudio de Sean Lennon (hijo de John Lennon) luego de editar ocho años antes su debut Into the Sun (1998).

Al escuchar Friendly Fire, se encontrarán con un sonido menos experimental en comparación a su disco debut de finales de los 90. De hecho, es un disco más desnudo y melancólico, que bebe tanto de esas influencias inevitables de The Beatles como la de los Beach Boys. Mucha guitarra acústica y delicadas armonías, que evocan no solo el trabajo vocal de su difunto padre, si no también al de Brian Wilson (influencias directas de Sean).

Un álbum muy circular, directo y bucólico, que se refuerza gracias a los textos de Sean, los cuales hablan de historias llenas de dolor, soledad y una fuerte depresión causada por amores perdidos.

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232. Shapes and Sizes - Shapes and Sizes

Shapes and Sizes, es una banda formada en Canadá, la cual se estreno en el 2006 con un homónimo disco lanzado por ellos mismos y que luego de captar la atención del músico Sufjan Stevens, este fue relanzado a través del sello Asthmatic Kitty.

En este primer álbum de shapes and sizes encontraran esas melodías inteligentes propias del indie rock canadiense de estos últimos años, combinándolo con cierta experimentación medida, la cual ayuda a darle una mayor variedad sonora a su música.

Se pasean tanto por el pop, como por el jazz y el caos sonoro, y al mismo tiempo juegan con las voces y los instrumentos, lo cual brinda muchas capas de sonidos que van desde lo mas dulce hasta estados de ánimos contradictorios, mostrando un repertorio musical en el cual se sienten las influencias de Deerhoof, Frog Eyes y gran parte de ese sonido del sello disquero Elephant Six de bandas como Elf Power y The Apples in Stereo.

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231. Jolie Holland - Springtime Can Kill You

Springtime Can Kill You es el tercer disco de Jolie Holland, y su segundo trabajo de estudio luego de su álbum Escondida del 2004.

Con esta nueva placa discográfica la cantante tejana expande una vez mas su sonido, logrando en esta ocasión sonar más accesible que en sus primeros trabajos. No es un cambio drástico, pero si se nota la intención del disco, ya que se siente un trabajo vocal y una instrumentación más compacta y directa, pero sin olvidarse de esa esencia del jazz y el blues al mejor estilo de Billie Holliday (lo cual es la pieza fundamental de ésta cantautora)

En Springtime Can Kill You respiraremos -una vez más- ese sonido tradicional americano de los años 30, en donde se cruzan estilos como el blues, el folk, el gospel, el jazz y el country, aunque hecho de una forma mas pausada y con una voz cargada de sexualidad y timidez que te sumerge en un mundo en blanco y negro, donde la melancolía y los textos introspectivos de Holland te harán trasladar las raíces de los Estados Unidos, donde la radio era el foco principal antes de la llegada de la Televisión.

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400 Discos del 2006 ( 250 - 241)

2007-10-05T20:48:00.000-07:00

400 Discos del 2006 ( 250 - 241)

250. The Rogers Sisters - The Invisible Deck

En “The Invisible Deck” la banda pule ese sonido garage desgarrador, visceral e impulsivo que lo caracterizaba, para en esta ocasión incluir una variada instrumentación, tiempos más lentos y líricas más reflexivas como en “Your Littlest World” o “Money Matters”.

Los riffs y las melodías post-punk/new wave siguen siendo la pieza clave de su música, así como los trabajos vocales de la guitarrista-vocalista Jennifer Rogers y el bajista-vocalista Miyuki Furtado, quienes al cantar encarnan casi de forma perfecta a los primeros trabajos de la banda The B-52's.

El disco a su vez, presenta cierta atmósfera nocturna y oscura, pero eso no les impide olvidarse de su habilidad para crear ritmos pegajosos que chocan con el dance punk, como en “The Clock”.

En definitiva, tan solo 10 temas componen este álbum, pero el poco tiempo es compensando con el feeling que logran trasmitir con su intensa música, la cual te recordará los trabajos de Yeah Yeah Yeahs, Sleater-Kinney, The Slits y Missing Persons.

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249. Iron Maiden - A Matter of Life and Death

“A Matter of Life and Death” se podría comparar con las dos últimas placas de estudio de la agrupación “Brave New World” (2000) y “Dance Of Death” (2003), pero con la diferencia de que éste intengra nuevos elementos en su música y presenta un nuevo reto en cuanto a la estructura musical que venían desarrollando en estos dos últimos trabajos, en la cual se nota un trabajo más elaborado con un sonido más progresivo y oscuro.

Al escuchar “A Matter of Life and Death” lo primero que se les vendrá a la cabeza es el disco “Seventh Son of a Seventh Son” de 1988, pero no por que guarden mucha similitud, sino por la estructura progresiva que los relaciona, pues este nuevo disco representa su álbum más progresivo desde ese mítico álbum de finales de los 80.

Extensas canciones, largos pasajes instrumentales y numerosos cambios de tiempos se pasean por todo el disco, así como un mayor énfasis en las ambientaciones, las cuales han cobrado más fuerza. En líneas generales el sonido de la banda se ha tornado más sombrío y menos melódico que en sus discos antecesores. Ahora las densas atmósferas y los medios tiempos cobran más protagonismo, cosa que a muchos les costará asimilar por primera vez, ya que este trabajo necesita varias escuchas para entrar en su ritmo.

Igualmente la producción del disco es enorme, con un sonido bien arriesgado y complejo, donde el carácter épico es el principal protagonista a lo largo de los 10 temas que componen el álbum, los cuales se mantienen bastante parejos y en donde la mayoría sobrepasan los 7 minutos de duración.

Quizás el único tema que se situaría al margen de todo el disco, sería la canción "Different World", tema con el que abren el álbum de una forma inesperada, con un estribillo muy “accesible” no muy común en el estilo de la banda, hecho que lo convierte en un mundo diferente en comparación al resto del disco.

De resto, las novedades serían los matices orientales hechos por Janick Gers en el tema "The Pilgrim", los diversos arreglos acústicos que abundan en el disco y los registros vocales inéditos por parte de Bruce Dickinson en temas como "The Longest Day" y la balada “Out Of The Shadows”.

En cuanto al aspecto lírico, la banda sigue con su línea de abordar y criticar temas como la religión, el terrorismo, la politica y rememorando hechos como el desembarco de Normandía.

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248. MSTRKRFT - The Looks

MSTRKRFT es un dúo canadiense formado el 2005, por Jesse F. Keeler, bajista de la extinta banda Death from Above 1979 y por el músico Alex Puodziukas, más conocido como Al-P y famoso por ser el productor del disco “You're a Woman, I'm a Machine” de Death from Above 1979.

El sonido de este nuevo proyecto abandona el rock afilado de DFA 1979 y esta vez se enfoca hacia un sonido más robotico y electrónico, a base de vocoders y enfatizando el fuerte amor de Jesse F. Keeler hacia el sonido de los Daft Punk. Y es que parte de ese house filtrado de los franceses se hace presente en el sonido de los MSTRKRFT (pronúnciese "Masterkraft").

Por otro lado, en este debut titulado “The Looks” se pueden percibir las constantes influencias del dance punk y la sustancia enérgica y metálica que dominaba buena parte del sonido de los DFA 1979, aunque en esta ocasión todo ha sido transformado y robotizado, dentro de un mundo electrónico dominado por fuertes beats, filtros y mucho ritmo.

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247. Katatonia - The Great Cold Distance

The Great Cold Distance sigue con la formula que ha empleado la banda a lo largo de sus últimos trabajos. Un metal melancólico, que transita por el doom, black, gothic y death, en el cual predominan las tristes melodías y las ambientaciones hipnóticas.

Este nuevo trabajo, a diferencia de su predecesor, presenta momentos más intensos, como en los temas “Leaders”, Costernation”, “Rusted”, “Increase” y “July”, así como también, se nota un sonido más grave, con guitarras más ásperas y alejándose de esos momentos delicados del “Viva Emptiness".

Por su parte Jonas Renske, continúa devastado como siempre, al borde del abismo emocional e inundado en sus líricas profundas y depresivas.

En definitiva un trabajo elegante, con gran cantidad de detalles y una excelente composición que incluso te hará recordar de momentos a sus álbumes “Last Fair Deal Gone Down” (2001) y Discoraged Ones (1998) pero en donde se puede respirar un aire de renovación de la banda, fusionando sus influencias directas con las de sus bandas preferidas actualmente (Jeff Buckley, Tool, Slowdive, Paradise Lost).

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246. Half-Handed Cloud - Halos & Lassos

Cuarto álbum del proyecto musical de John Ringhofer, mejor conocido por ser el trombonista de Sufjan Stevens. En Halos & Lassos el sonido indie pop y la influencia cristiana se concentran en diecinueve mini canciones en las que John Ringhofer, manifiesta su pasión por los sintetizadores de los ochenta y una gran variedad de instrumentos como clarinetes, marimbas y banjos.

En cuanto a la estructura de su sonido, éste no cambia mucho en relación a sus previos trabajos, ya que en Halos & Lassos, se encontraran con el típico sonido indie pop casero de baja fidelidad al cual John Ringhofer nos tiene acostumbrados. La única diferencia la aportan la nueva instrumentación y los beats a base de drum machines y casiotones.

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245. The Format - Dog Problems

Segundo álbum de esta banda formada en Arizona y la continuación de su disco debut “Interventions and Lullabies” del 2003.

Este trabajo titulado “Dog Problems” está inspirado (en su mayoría) por la mas reciente ruptura amorosa de su vocalista Nate Ruess, el cual nos canta acerca de su corazón roto y añadiéndole un poco de sarcasmo y amargura, los cuales contrastan irónicamente con el fresco y dulce sonido de la banda.

En “Dog Problems” el sonido indie pop de la banda aumenta con creces en comparación con su anterior trabajo, ya que en esta ocasión, la instrumentación y las orquestaciones han cobrado mas vida gracias a la incorporación de una gran variedad de instrumentos como el piano, la trompa, el xilófono y el banjo.

Y son todos estos nuevos elementos los que le dan el toque de gracia al disco, tornando a la banda con un enfoque más ambicioso y haciendo de su sonido una buena combinación de rock, emo, al-country y pop, y con un sonido inspirado en bandas como The Beatles, The Flaming Lips, Cat Stevens y con cierto aire a Phoenix y The Get Up Kids.

Con toda esta vitalidad inusual, la banda nos otorga un disco plagado de canciones frescas bañadas por una energía estimulante que les enganchara de inmediato.

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244. Mudhoney - Under A Billion Suns

Si creíste que el único sobreviviente de la era grunge de Seattle era Pearl Jam, pues estabas equivocado, ya que Mudhoney está más vivo que nunca.

”Under A Billion Suns” marcó el regreso de Mudhoney en el 2006. Un grupo que nunca alcanzó el éxito de bandas como Soundgarden, Nirvana o Pearl Jam, ¿pero quien dice que el éxito lo dice todo?, ya que, con un bajo perfil la banda se apunto como pionera del sonido grunge de Seattle.

Y en este álbum, la energía que ha caracterizado a la banda, sigue funcionando a base de fuertes riffs de guitarras que van desde Black Sabbath hasta The Ramones y un sonido que va desde el blues-rock más directo hasta al garage punk/hardcore punk influenciado por The Stooges, MC5 y Wipers.

Un disco explosivo de unos veteranos por los que nadie apostaba a estas alturas, pero que han regresado con una genuina obra maestra del género, que demuestra que después de 17 años, la banda abanderada por Mark Arm y Steve Turner sigue en forma.

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243. Sickoakes - Seawords

Sickoakes, es una banda formada en Estocolmo, Suecia, la cual en sus comienzos en 1999 estaba integrada por David (bajo), Jonas (saxofón), Mats (guitarra) y Simon (guitarra), quienes juntos comenzaron a experimentar con sus instrumentos en una vieja fábrica de dulces y a partir de allí la banda inició con el proceso de composición de algunos temas instrumentales de carácter post-rock, y satisfechos por los resultados, decidieron incluir a dos músicos más en su proyecto: al trompetista y trombonista Joel y al baterista Erik.

Con la banda ya formada y luego de definir su sonido, la agrupación comenzó a presentarse en diversas partes de Suecia y hasta grabaron diversos temas en vinilos y cd’s, entre los cuales se destacó la primera versión de “Wedding Rings & Bullets in the Same Golden Shrine” una canción que fue editada en el sello Pleasedosomething.

Posteriormente con la edición de ese tema, el sello Type les puso el ojo y los suma a sus filas, para finalmente editar su primer álbum debut titulado “Seawards” donde la intensidad y dramatismo de su sonido se ve plasmado en siete temas, donde reúnen lo mejor del post-rock de carácter épico y cinemático, de bandas como Mogwai, Explosions in the Sky y Godspeed You! Black Emperor.

En este debut, Sickoakes se apoyan por esas sutiles ráfagas orquestales y largos desarrollos instrumentales propios del post-rock, pero a su vez, le añaden más texturas y melodías punzantes a base de unas cristalinas guitarras que le agregan cierto encanto a su atmosférico y oceánico sonido. Como si agarraran la vena más celestial de Mogwai y lo fusionaran con el lado más orgánico y natural de Port Royal.

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242. Zero 7 - The Garden

El dúo británico formado por Henry Binns y Sam Hardaker, retornaron en el 2006 para entregarnos su tercera placa discográfica de estudio llamada “The Garden”

Luego de editar dos álbumes y varios EP’s, la música de Zero 7, siempre ha sido encasillada con el downtempo y el lounge, solo por el simple hecho de llevar un tempo más pausado en sus producciones, hecho que lleva a muchos a evadir sus evidentes roces con el trip-hop, el ambient y el acid jazz .

Pero para este nuevo álbum, la banda ha recolectado una gran variedad sonora, experimentando con varias ambientaciones y mucha diversidad de instrumentos, lo que hace que los estilos presentes en sus previos trabajos, aparezcan de forma más pronunciada.

El downtempo sigue presente, pero ante tal diversidad de estilos como el soul, el acid jazz, el funk e instrumentos como flautas, trompetas y trombones, la música toma otro rumbo más colorido. El resultado en “The Garden” es un sonido más orgánico y con una arquitectura más armoniosa enfocada hacia el pop.

El disco, a su vez cuenta de nuevo con la colaboración de la cantante australiana Sia Furler prestando su voz en algunos de los temas y con la aparición del cantautor sueco José González, cantando en varios temas, entre los cuales se incluye un cover de la canción “Crosses” de su albúm “Veener” (2003).

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241. Lambchop - Damaged

Los momentos oscuros de Lambchop han quedado atrás en este último disco titulado Damaged, ya que para éste álbum, la banda de Kurt Wagner ha facturado un trabajo más delicado y luminoso, como en los tiempos viejos de la agrupación.

Sin tantos adornos, Lambchop ha realizado un disco con un sonido mas desnudo y frágil, el cual recupera la intimidad de “Is a woman” (2002) y gran parte de ese espíritu de la música americana inmerso en sus dos primeros trabajos discográficos.

En Damaged, también se encontraran con un Wagner más reflexivo e intenso que antes, con unas letras influenciadas por su cercano contacto con la muerte y su reciente recuperación tras haber sido sometido a un tratamiento para luchar contra un cáncer.

Mucha confesión y madurez, pero con los mismos ingredientes musicales del sonido country americano y las influencias de Nick Drake, Billy Sherrill, Leonard Cohen y East River Pipe.

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400 Discos del 2006 ( 260 - 251)

2007-02-20T14:56:00.000-08:00

400 Discos del 2006 ( 260 - 251)

260. Seekonk - Pinkwood

Segundo disco de ésta banda oriunda de Portland y la continuación de su debut del 2003 For Barbara Lee. En Pinkwood, encontraran lo expuesto en su anterior placa discográfica, la cual estaba adornada por un sonido cercano a la psicodelia y el folk-pop más clásico.

La única diferencia es que para este segundo trabajo, la banda remplaza a su antigua vocalista Shana Barry por Sarah Ramey, la cual en ningún momento afecta al sonido reconfortante de la agrupación. Igualmente, su sonido mantiene esa línea musical del sonido impregnarte de Mazzy Star, Low y The Velvet Underground y todas esas atmósferas llenas de vibraciones acústicas y paisajes etéreos comandados por la dulce voz de Sarah Raney.

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259. The Concretes - In Colour

En In Colour el colectivo sueco The Concretes decide darle un sonido mas fresco y directo a su música, apoyándose en un sonido más armónico e incluso sonando más a sus primeros EP's.

De hecho a su sonido indie pop, le dan nuevos aires cercanos al folk, al soul y al country, pero sin salirse de su contexto musical alegre y contagioso que recuerda mucho a Belle and Sebastian y a The Pastels.

Por otro lado, sus posturas sonoras que se encuentran a medio camino de The Velvet Underground y el sonido Motown, continúan en algunos temas de este álbum.

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258. Matt & Kim - Matt & Kim

Debut de éste dúo Brooklyn compuesto por Matt Johnson (guitarra, voz y teclado) y Kim Schifino (batería y voz). Juntos hacen una propuesta minimalista orientada hacia un sonido pop-punk, pero a la vez rescatan formulas cercanas al electro y al new wave, en especial por sus melodías a base de teclados.

Suenan mucho al sonido pop-punk de los 90, las cuales contaban con una base simple y buenos estribillos. Por otro lado sus canciones poseen mucho color y diversión, lo cual se acopla perfectamente a las armonías vocales de Matt y Kim (las cuales guardan cierto parecido al dúo Mates of State)

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257. Talkdemonic - Beat Romantic

Segundo disco de estudio de éste dúo oriundo de Portland en el cual expanden su sonido folktronic instrumental a territorios mas elaborados y experimentales. En Beat Romantic, hay un mayor énfasis en las percusiones, lo que le da cierto toque frenético al sonido de Talkdemonic.

También hay muchos beats dignos del hip-hop y arreglos mas sofisticados en la composición de su música. Al mismo tiempo, el ambient y los roces con el post-rock continúan siendo pieza clave de su música, así como la viola de Lisa Molinaro, la cual le da ese toque delicado a su sonido.

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256. Christina Rosenvinge - Continental 62

Continental 62, cierra la trilogía de la serie independiente comenzada con los discos Frozen Pool (2001) y Foreign Land (2002). Esta serie de discos fue iniciada por Christina, desde que ésta se traslado de Madrid a New York, lugar donde se junto con gran cantidad de músicos que le ayudaron a definir un estilo propio.

En Continental 62, hay parte de ese nuevo estilo desarrollado en sus dos previos trabajos, aunque ahora se muestra un camino más personal, maduro y preparado, pero siempre apoyado por unas composiciones sencillas y directas que rozan con el indie-folk americano, la música francesa y mucho del sonido inspirado en la música de cine de Michel Legrant.

Un disco sofisticado y accesible, que combina clasicismo con una tenue experimentación cortesía de sus músicos-compañeros Steve Shelley en la batería (Sonic Youth, Two Dollar Guitar), Jeremy Wilms en el bajo (Antibalas, Chin Chin), Lee Ranaldo (Sonic Youth, Text Of Light) y Tim Foljahn (Two Dollar Guitar, Cat Power) guitarras y voces.

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255. David Gilmour - On an Island

Para los que no les suena el nombre, Gilmour es el mítico guitarrista y actual líder de Pink Floyd, que luego de 22 años, regresó para entregarnos su tercer album solista y su primer trabajo de estudio, luego de su labor con Pink Floyd en “The Division Bell” (1994).

On an Island tiene mucho de esa guitarra espacial que evoca ese sonido carateriztico de Pink Floyd y mucho del trabajo que hizo Gilmour en los últimos discos de esa mítica banda inglesa. Por otra parte, hay mucha influencia del blues y variadas orquestaciones que le dan un toque de elegancia al disco.

En líneas generales, es un disco sigue con la línea de sus previos trabajos, tanto en Pink Floyd como los de sus discos solistas y según palabras de Gilmour, ésta placa es una visión personal de varios estilos como el rock, folk, y la música orquestada.

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254. Jon Auer - Songs From the Year of Our Demise

Debut de uno de los miembros principales de The Posies, Jon Auer, en el cual nos deleita con un sonido más melódico y más pop en relación a sus otros proyectos. Obviamente Auer rescata algo de ese power pop de The Posies y Big Star en éste disco en solitario, pero lo que mas sobresale es que hay muchas melodías que evocan ese sonido frágil del pop clásico de The Beatles y Beach Boys.

También se destacan diversos arreglos que emulan el pop barroco del disco Dear 23 (1990) de The Posies, así como parte de ese sonido rockero del álbum Frosting on the Beater (1993). Es como si The Posies facturara un disco más lánguido y taciturno, y obviamente, esto se debe a que es un trabajo personal en donde Auer busca un sonido más atmosférico e inmediato.

Se destaca también una instrumentación a base de teclados, órganos y armónicas, las cuales se acoplan junto a la inconfundible guitarra de Jon y su voz inocente y melancólica.

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253. Mandelbrot Set - All Our Actions Are Constantly Repeated

Debut de ésta banda de post-rock instrumental que nace tras la disolución de una banda llamada Hentai, en la cual tocaba su guitarrista Keung. Luego de esa separación, Keung ansioso por continuar haciendo música, se une a Simon (batería) y a la multi-instrumentista Melissa (bajo y trompeta), para forjar un sonido que combine la pasión por los efectos de guitarra de Keung con las diversas influencias sonoras y la creatividad musical de Simon y Melissa.

El resultado de esa combinación queda plasmado en este primer trabajo llamado All Our Actions Are Constantly Repeating, un disco que a primera escucha, se podría comparar con el sonido caracterizo post-rock de bandas como Explosions In The Sky, Godspeed You! Black Emperor y Mogwai, aunque también dejan notar diversos elementos del math rock, en especial por la forma de tocar de su baterista Simon.

Por otro lado, hay mucha similitud con las estructuraciones armónicas que factura la banda Yndi Halda y mucho de ese muro sonoro característico de Kevin Shields (My Bloody Valentine)

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252. Starless & Bible Black - Starless & Bible Black

Debut de éste trío que hace una música orientada hacia el sonido folk/rock británico de finales de los 60 y comienzos de los 70.

Suenan muy parecido a la legendaria banda Fairport Convention, en especial a su disco de 1969 Liege & Leaf, pero con ciertos arreglos que le dan un carácter más contemporáneo a su música, como la adición de una ligera electrónica, loops, distorsiones y muchos adornos a base de sintetizadores.

Un disco para los amantes de los ya mencionados Fairport Convention y para bandas más actuales como Tunng, The Eighteenth Day of May, Adem y James Yorkston.

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251. Prefuse 73 - Security Screenings

Luego de haber editado el 2005 su disco “Surrounded by Silence”, Prefuse 73 regresó en el 2006 para publicar nuevo disco.

En esta ocasión Scott Herren ha optado por nombrarlo como un mini-álbum de innovación entre su anterior disco y el que será su próximo trabajo. Según propias palabras de Herren, el disco fue inspirado por las malas experiencias que tuvo a la hora de promocionar su anterior placa y por la situación existente en los aeropuertos a raíz de los ataques del 11 de septiembre, específicamente en todo el entorno que vive un pasajero a la hora de abordar un vuelo.

Su música continua la misma línea de sus últimos trabajos, ya sabemos que está más alejado del hip-hop y se centra más en la electrónica experimental, todo un collage de melodías, capas, sampleos, ruidos, que pasan desde el IDM, el glitch, free-jazz y el ambient mas abstracto, muy similar a lo que hizo en “One World Extinguisher” (2003).

Este disco ha sido editado de nuevo por el sello Warp y ha contado con la colaboración de Four Tet y Tunde Adebimpe (TV On The Radio).

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400 Discos del 2006 ( 270 - 261)

2007-02-17T18:24:00.000-08:00

400 Discos del 2006 ( 270 - 261)

270. Jimmy Edgar - Color Strip

Tras editar dos EP's con el sello Warp, éste joven artista de Detroit debuta en formato larga duración con éste disco ‘Color Strip’, editado una vez mas a través del sello Warp.

Color Strip mantiene el discurso empleado en sus previos EP's: un sonido electrónico orientado hacia el electro y los ritmos rotos, pero al mismo tiempo experimentando con diversas gamas de estilos como el soul, el hip-hop y el R&B.

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269. Covenant - Skyshaper

En Skyshaper, la banda sigue lo que trazo en su anterior trabajo, una electrónica enfocada en el dance, EBM, industrial y electro, pero añadiéndole nuevos elementos.

Muchas secuencias heredadas de Kraftwerk son las que marcarán el ritmo, además de fuertes sintetizadores y una marcada percusión que se mezcla junto a la increíble voz de Eskil Simonsson.

Por otro lado sobresale un electro muy frió y nocturno, los ecos
a The Human League, las bases tecno y un ambiente industrial que recoge estelas de su disco “United States Of Mind” (1999)

En conclusión, un disco que demuestra la evolución constante de ésta banda, logrando un sonido mas “maduro”, lleno de matices, programaciones inteligentes y sutilezas sonoras, explorando otros terrenos y sin sonar tan oscuros como antes.

Para lo que no han escuchado la banda, su sonido esta influenciado por Front 242, Front Line Assembly, Depeche Mode, VNV Nation, Nitzer Ebb, Apoptygma Berzerk y Meat Beat Manifesto.

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268. Silversun Pickups - Carnavas

Debut de ésta banda oriunda de Los Angeles, la cual factura un rock que evoca el sonido de la escena alternativa de los 90 y lo mezcla con mucho ruido, ráfagas sonoras y ambientaciones ensoñadoras.

Como si The Smashing Pumpkins se fusionara con Lush o My Bloody Valentine, y con un sonido que recuerda mucho a las melodías de The Catherine Wheel o Pearl Jam.

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267. The Thermals - The Body, The Blood, The Machine

Tercer disco de esta banda de Portland, en la que continúan con el camino tomando en su anterior placa del 2004 Fuckin A. Alejados del lo-fi y centrados más en un sonido aguerrido y directo, The Thermals factura otro disco lineal articulado a través de rabia y melodías que circulan entre el indie y el punk rock.

Aunque en The Body, The Blood, The Machine se muestran mucho más inspirados y frenéticos, no solo por la histérica voz de su cantante Hutch Harris, sino por el contenido crítico de sus letras en contra del poder de la religión y su influencia en el estilo de vida de los americanos.

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266. Isis And Aereogramme - In the Fishtank 14

La banda escocesa Aereogramme y los americanos Isis, se juntan para explorar diferentes facetas de su sonido y plasmarlas en esta catorceava edición del sello Konkurrent.

El producto de ésta unión sónica fue la de tres temas en el cual se fusiona el post-metal característico de Isis con las ráfagas abrasivas y las capas acústicas de Aereogramme.

En líneas generales, el resultado es un mural de sonido y ruido, apoyado por fuertes guitarras e hipnóticos crescendos.

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265. Boards of Canada - Trans Canada Highway [EP]

EP compuesto por seis canciones, entre las cuales se incluye el tema "Dayvan Cowboy" (el cual apareció en su último trabajo de estudio del 2005) y una remezcla del mismo hecha por Odd Nosdam.

Los otros cuatro temas restantes mantienen el concepto sonoro de su carrera, es decir un IDM apoyado por sus extensos pasajes sonoros que evocan el ambient de Brian Eno y las ráfagas sonoras del shoegazer. Aunque, con la diferencia de que estos temas no contienen esos adornos o arreglos de guitarras que incluían en su último disco “The Campfire Headphase” del 2005.

En “Trans Canada Highway” hay una mirada al pasado, en especial a su EP del año 2000 “In A Beautiful Place Out In The Country EP”. También hay parte del hechizo bucólico de su disco “Music Has The Right To Children” (1998) y parte del desasosiego de su álbum “Geogaddi” (2002).

El sonido paisajístico y etéreo de “Trans Canada Highway” también rescata parte de los breaks y beats propios del hip-hop de “Geogaddi”. A su vez la electrónica invernal, las melodías nostálgicas y las atmósferas perturbadoras dignas del sello Warp se hacen presentes en éste EP.

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264. Pet Shop Boys - Fundamental

Noveno disco de estudio de la banda británica Pet Shop Boys en el cual recuperan todo el arsenal que los ha hecho famosos a lo largo de su carrera y lo trasladan hacia un sonido con aires de renovación y con una temática de mucha carga política en sus letras.

Un disco que suena a Pet Shop Boys desde el principio hasta el final, apoyándose siempre por ese enfoque melódico-bailable que evoca los trabajos de Soft Cell y The Human League de la década de los 80 y las melodías y medios tiempos de New Order y Kraftwerk.

Como novedad se muestran canciones más calmadas, muchas orquestaciones y arreglos sofisticados que recuerdan a su disco Behavior de 1990.

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263. Isobel Campbell & Mark Lanegan - Ballad of the Broken Seas

En Ballad of the Broken Seas la dulce y suave voz de Campbell se junta con la nocturna voz de Lanegan, lo que da como resultado una combinación realmente mágica.

Y eso es lo que es este disco, desde que suena el primer tema hasta el último. Una exuberante y sofisticada música te sumergirá en un ambiente muy íntimo, comandado por estas ambiciosas voces, las cuales te harán recordar a esas excelentes bandas de la cual formaron parte, pero más aun que eso, el resultado es un efecto completamente diferente, un chamber pop/folk lleno de gracia y extravagancia.

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262. Anathallo - Floating World

Floating World desde el principio hasta el fin, se muestra como un trabajo en cual la banda decide recorrer terrenos nunca antes explorados, orientados, esta vez, hacia un post-rock muy íntimo y ensoñador.

Lo que destaca por encima de todo es como la diversa instrumentación de la banda, en la cual incluyen trompetas, pianos, xilófonos, campanas, cadenas, stomp boxes y tiras de velcro, se ve magistralemente acompañada por la dulce voz de Matt Joynt.

Un disco influenciado por la religión y en donde, los coros también son un elemento importantísimo, ya que las armonías terminan de retocar las piezas que Joynt conduce como si fueran sinfonías.

En definitiva un álbum muy etéreo, repleto de folk y magia, muy cercano a los trabajos de The Books, Sufjan Stevens, Kid Brother Collective y Animal Collective

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261. Hell on Wheels - The Odd Church

En The Odd Church, Hell on Wheels mantiene claro sus referencias musicales que evocan el sonido pop-rock independiente de los ochenta y noventa.

Un álbum que rescata ese clásico sonido de bandas como Hefner y The Verlaines, pero con una influencia muy obvia de Pixies, la cual se nota en los diversos coros y estribillos de sus canciones.

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400 Discos del 2006 ( 280 - 271)

2007-02-17T12:50:00.000-08:00

400 Discos del 2006 ( 280 - 271)

280. Fionn Regan - The End of History

Disco debut de éste cantautor irlandés llamado Fionn Regan, el cual nos trae un folk atemporal apoyado por una instrumentación desnuda a base de sutiles acordes de guitarras y su dulce voz, que nos canta temas llenos de melancolía y romanticismo, y en donde se perciben los ecos de grandes cantautores como Saul Bellow, Jeff Buckley, Leonard Cohen, Nick Drake y Elliott Smith.

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279. Milosh - Meme

Segunda placa discográfica del canadiense Mike Milosh y la continuación de su debut “You Make Me Feel” del 2004.

Si en su primer disco Milosh narraba las dificultades sobre el amor, ahora dos años después nos topamos con un cantautor más emotivo y marcado por la ruptura con su chica. En Meme, Milosh explora en sus canciones ese nuevo estado que va de la desolación inicial a la búsqueda de nuevas aventuras románticas.

Por su parte el aspecto musical y su pasión por el soul siguen intactos, ya que en Meme, la sutil electrónica de carácter downtempo con la que se dio a conocer en su debut continua siendo la pieza clave de su sonido. Y es que Milosh con este trabajo, demuestra lo mejor de la electrónica deconstructivista, combinando su exquisito gusto por las melodías melancólicas con un buen surtido de ambientaciones electrónicas.

Un disco para los amantes de bandas como Telefon Tel Aviv o The Go Find

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278. Delorean - Into The Plateau

En Into The Plateau la banda española Deloran rescata elementos de discos pasados y los encamina hacia un sonido más dance que en el de sus previos trabajos. Ahora el sonido se maneja de una forma lineal y directa, como si todas las canciones del disco conformaran una única y extensa canción orientada hacia la pista de baile.

Hay mucha mas armonía entre los instrumentos y adaptan su sonido post-punk a una perfecta sincronización comandada por beats que evocan la década de los 80 y unas oscuras atmósferas de guitarra que sirven para darle un toque nocturno a su sonido bailable.

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277. Loveninjas - The Secret of the Loveninjas

Loveninjas es una banda formada en Estocolmo (Suecia) y éste es su disco debut llamado The Secret Of The Loveninjas.

El sonido de la banda podría compararse al de bandas como Pulp o Belle & Sebastian, es decir, una música plagada de sencillos arreglos y coros tanto efectivos como divertidos. También se notan las influencias de las bandas suecas Eggstone y Popsicle, que le dan ese toque sueco a su música.

Twee pop dulce y suave, y sobretodo con mucho atractivo.

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276. Josh Ritter - The Animal Years

En The Animal Years, Josh Ritter sigue el camino trazado en Hello Starling del 2003, donde el folk y el country se entrelazaban de una forma simple y sencilla. Aunque ahora se nota un Josh Ritter más íntimo e introspectivo y sin tanta de esa ironía presente en previos trabajos.

Un trabajo para los amantes del folk reflexivo y calmado que rescata esa esencia de cantautores como Bob Dylan, Leonard Cohen y Nick Drake.

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275. Diane Cluck - Monarcana

Monarcana es un disco que fue grabado entre 2001 y 2004, pero éste finalmente vio la luz en el año 2006, a través del sello Very Friendly. Éste trabajo representa el sexto disco de la cantante y compositora Diane Cluck, muy famosa por ser la favorita de Devendra Banhart y por formar parte de la escena anti-folk neoyorquina.

El disco muestra cierta madurez y evolución en comparación a sus anteriores trabajos, pero siempre manteniendo intacto su concepto musical a base de un sonido muy desnudo comandado por guitarras acústicas, xilófonos y sus melodías construidas por un piano y un armonio.

Un disco con un sonido lo-fi premeditado, pequeños toques del indie rock y en especial mucho folk legañoso. Por otro lado, su música recuerda un poco a los trabajos de Kate Bush, Satie, Edith Frost y Cat Power.

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274. Amusement Parks on Fire - Out of The Angeles

En el 2004 Michael Feerick, presentó su homónimo debut bajo el nombre de Amusement Parks on Fire, donde él mismo tocó y grabó todos los instrumentos.

Ahora, en su segundo álbum de estudio, la novedad es que ahora el proyecto de Feerick está convertido en una banda compuesta por Daniel Knowles (guitarra/producción), Peter Dale (batería), Gavin Poole (bajo) and Joe Hardy (teclado).

En “Out Of The Angeles” y se muestra lo logrado por Feerick en su anterior trabajo. Toda una gama de sonidos inmersos en esa nueva ola llamada “nu-gaze” inspirada en las bandas de shoegaze My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain.

En “Out Of The Angeles” los muros de sonidos suenan más expansivos que en su debut y también hay más elementos del post-rock en medio de su oceánico e intenso sonido. Por otro lado, la distorsión guitarrera, los crescendos y las frías atmósferas continúan intactas.

Toda una ráfaga sonora envuelta en una amalgama musical donde chocan Mew, Serena Maneesh y The Secret Machines, para lograr así un disco con lo mejor del shoegazing, el noise y cierto toque de punk rock atmosférico que aumenta el carácter épico de su música y le da un enfoque personal a su sonido.

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273. Magnolia Electric Co. - Fading Trails

Fading Trails es una compilación de temas de cuatro diferentes sesiones de grabación, entre la cual se incluyen las grabadas junto a Steve Albini en el Electrical Audio de Chicago, las de David Lowery en el Sound of Music Studio en Richmond, Virginia, y las de James Lott, en el Sun Studios de Memphis, Tennessee.

El disco muestra un sonido menos intenso y distorsionado, pero sin olvidarse de esa línea country influenciada por Neil Young. Además, se percibe como un trabajo más reflexivo y agridulce y se centra más en un trabajo de guitarras muy similar al de los Crazy Horses (compañeros de Neil Young).

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272. Piano Magic - Incurable [EP]

EP de cuatro temas de esta banda, donde muestran lo mejor de su sonido ambient/tecno pop experimental repleto de elegancia, tonos grisáceos y atmósferas nostálgicas, al más puro estilo de Dead Can Dance, My Bloody Valentine y Disco Inferno.

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271. Laura - Radio Swan Is Down

Segundo disco de esta banda australina de post-rock en el cual forjan un sonido más variado en comparación a su debut del 2005 Mapping Your Dreams. La variedad de Radio Swan Is Down se puede percibir en los diversos estados de ánimo en que te sumerge su música instrumental, y en especial por las ambientaciones que se trasladan de los momentos más emotivos y dramáticos a las atmosferas más intensas y ruidosas.

Ahora hay mucha mas capas de sonidos y ambientaciones que ayudan a crear variedad en su música, así como un mayor uso de una instrumentación a base de pianos, guitarras acústicas, cellos, xilófonos y órganos.

En definitiva, un disco para los fieles amantes del género post-rock instrumental.

400 Discos del 2006 ( 290 - 281)

2007-02-16T08:25:00.000-08:00

400 Discos del 2006 ( 290 - 281)

290. The Sunshine Underground - Raise The Alarm

The Sunshine Underground es una banda formada en Leeds (Inglaterra) en el año 2004 y “Raise the Alarm” es su disco debut en el que muestran un sonido muy influenciado por bandas como Madness y The Clash.

Por otro lado, además de tener esas claras referencias, la banda guarda una pequeña similitud con bandas mas recientes como Franz Ferdinand o The Rapture, por el aspecto bailable de su música la cual posee una base rítmica muy dance.

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289. Pearls and Brass - The Indian Tower

En The Indian Tower se nota un sonido más avanzado con respecto a su primer disco. Ya desde las primeras notas nos viene a la memoria esa escena del hard rock de finales de los 60 y comienzos de los 70, de bandas como Black Sabbath y Cream e incluso hasta el mismo Jimi Hendrix.

La propuesta de ésta banda es netamente sludge/stoner metal, muy similar a Queens of The Stone Age o Young Heart Attack. Una música repleta de directas melodías, sacudiendo las notas con temperamento y con desarrollos instrumentales enérgicos e intensos, sencillamente efectivos.

Un disco recomendado a los que gusten de esa época del hard rock de los 70.

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288. Goldenboy - Underneath the Radio

Underneath the Radio, plantea lo hecho en su disco predecesor del 2002 Blue Swan Orchestra, un sonido indie-pop plagado de etéreas y frágiles melodías comandadas por la somnolienta voz de Shon Sullivan y la percusión de Brian Bos.

Un álbum muy intimo, en donde destacan redondas composiciones y sencillos arreglos que evocan los trabajos de Elliott Smith, Luna y algo de The Smiths.

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287. mewithoutYou - Brother, Sister

Tercer trabajo de mewithoutYou, en el cual retoman el sonido atmosférico conseguido en su anterior placa Catch for Us the Foxes (2004) y lo elevan al cuadrado para simultáneamente conseguir un sonido más experimental y accesible a la vez.

Por otro lado en Brother, Sister el sonido post-hardcore de mewithoutYou muestra una instrumentación más variada y dinámica, que le aporta más armonía a su música.

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286. Audioslave - Revelations

En Revelations, Audioslave ha encontrado la formula exacta para forjar un sonido propio y compacto. Ahora la banda se centra en un sonido más melódico y con más secciones rítmicas que evocan la esencia del soul y el funky de los 70.

Según el propio Tom Morello, el disco suena como si Led Zeppelin se encontrara con Earth, Wind & Fire, y en realidad ese es el camino que ha tomado la banda. No es un cambio drástico, pero igualmente éste se percibe de principio a fin en el disco.

Igualmente las comparaciones con Rage Against The Machine continúan, pero no tanto como en la de sus primeros álbumes.

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285. Sway - This is My Demo

Debut de larga duración del británico de origen ghanés Derek Safo, mejor conocido como Sway y famoso por generar una fuerte expectación en el panorama Hip Hop de su país gracias a dos mixtapes y por el hecho de haber ganado un premio Momo (unos de los prestigiosos premios musicales británicos) sin tener ningún álbum oficial publicado.

En este debut This Is My Demo, Sway factura un trabajo digno del grime apoyado por un sonido minimalista a base de samplers, instrumentos reales y programaciones electrónicas que se mezclan con diversos estilos como el R&B, hip-hop y el soul, y en donde el principal elemento es la voz de Sway y su capacidad de rimar con gran rapidez y versatilidad.

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284. Archie Bronson Outfit - Derdang Derdang

Segundo disco de estudio de Archie Bronson Outfit, en el cual continúan con esa sencilla mezcla de garage rock con blues y en donde las guitarras ruidosas se acoplan perfectamente con una efectiva y constante base rítmica.

El disco por su parte mantiene un sonido muy lineal, pero a la vez se destaca por un excelente nivel compositivo que recuerda en parte los trabajos de Jon Spencer Blues Explosion y los primeros trabajos de Black Rebel Motorcycle Club.

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283. I Love You But I've Chosen Darkness - Fear Is on Our Side

El sonido de I Love You But I've Chosen Darkness es un post-punk oscuro influenciado por Joy Division, pero a esto le añaden elementos musicales muy similar a The Chameleons, The Cure o Talk Talk (influencia directa del grupo).

Su sonido es muy nocturno que evoca la oscuridad de los 80, con mucha melancolía y dramatismo, que a su vez contrasta con melodías pop y atmósferas que envuelven sin ahogar, pero son las guitarras angulares las que cobran el protagonismo junto a unas líneas de bajo muy pronunciadas, un teclado, una batería punzante y algún que otro loop, que te hará recordar esa época.

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282. I am Robot and Proud - The Electricity in Your House Wants to Sing

Tercer disco y el sucesor del álbum “Grace Days” del 2003.

En "Electricity in Your House Wants to Sing" el sonido IDM sigue intacto, combinando la electrónica más simple con una instrumentación orgánica muy delicada, la cual es enfocada hacia el pop más sofisticado y alegre, pero con ese toque nostálgico y melancólico, siempre presente en sus álbumes.

Si te gustan los trabajos de Mouse On Mars, Kid 606 y Boards Of Canada, de seguro este disco te encantará.

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281. Joan As Police Woman - Real Life

Joan As Police Woman es el nombre usado por Joan Wasser, una violinista, cantante y compositora oriunda de Biddeford, Maine (USA), la cual ha trabajado con una gran cantidad de artistas como Sheryl Crow, Dave Gahan, Lou Reed, Scissor Sisters, Antony and the Johnsons y Rufus Wainwright; y hasta fue pareja del mítico Jeff Buckley en la época en que éste murió.

En éste primer trabajo de estudio Joan combina elementos como el pop, folk, gospel, chamber pop, soul y jazz. Pero lo que más resalta es la excelente calidad vocal e interpretativa de Joan, la cual nos canta temas llenos de emotividad apoyados por letras referentes al amor y la pérdida.

Es un sonido meticulosamente trabajado, dotado de elegancia e inociencia, al mejor estilo del white soul, con valiosos juegos de voces adornados por pianos, violines, cuerdas, una rítmica batería, un discreto bajo y la sexy voz de Joan.

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400 Discos del 2006 ( 300 - 291)

2007-02-12T15:56:00.000-08:00

400 Discos del 2006 ( 300 - 291)

300. Thunderbirds Are Now - Make History

En Make History, la banda de Detroit Thunderbirds Are Now continúa con su estructura new wave/punk de discos pasados, pero esta vez la llevan hacia una dirección más directa, accesible y melódica.

Ahora su sección rítmica y sus guitarras presentan una orientación más cercana a la de la banda Les Savy Fav (una de sus principales influencias) y en parte su sonido evoca al pop-punk y el indie rock de los 90.

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299. Shout Out Out Out Out - Not Saying/Just Saying

Debut de ésta banda canadiense oriunda de Edmonton, la cual plasma en su debut titulado Not Saying/Just Saying un sonido enfocado hacia el indie dance, el dance punk y el electro.

Guardan cierta similitud con las bandas Datarock y The Rapture, pero con la diferencia de que su sonido es mucho más experimental y con una orientación más electrónica a base de drum machines y vocoders e incluso pasajes que evocan el krautrock de los 70.

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298. Jack-O And The Tennessee Tearjerkers - The Flip Side Kid

La banda de Jack Yarber regresa con un sonido más crudo y fuerte, pero al mismo tiempo manteniendo su autenticidad y dramatismo característico.

En The Flip Side Kid llevan a otro nivel su combinación de blues, soul y country, y la tradición singer-songwriter americana fusionada con el punk, el garage y hasta el hard rock.
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297. The Trucks - The Trucks

Desde Washington llega esta banda femenina llamada The Trucks, quienes reúnen en su homónimo debut diversas influencias musicales de bandas como Peaches, Yeah Yeah Yeahs, The Ramones, Le Tigre, Blondie y B52's, entre otras.

Aunque en líneas generales el sonido de la banda se encamina más hacia el electro-punk apoyado por un discurso lírico plagado de ironía y sexualidad, muy al estilo de Peaches.

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296. Radio Birdman - Zeno Beach

Casi 30 años después del último trabajo de Radio Birdman, la banda se reúne para editar su tercer disco de estudio titulado Zeno Beach, el cual fue grabado en Sydney y producido por el propio Deniz Tek junto al ingeniero de sonido Greg Wale.

Zeno Beach es el claro ejemplo de que ésta mítica banda australiana sigue en forma luego de casi tres décadas de silencio, ya que en éste álbum la agrupación continua destilando mucho rock n roll de la vieja escuela, a punta de guitarras afiladas y una base punk rock influenciada por MC5 y The Stooges.

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295. Devin Townsend Band – Synchestra

En Synchestra la banda de Devin Townsend (Straaping Young Lad) regresa con esa poderosa dosis de rock progresivo/sinfónico plagado de eclecticismo sonoro, y armado con diferentes matices y atmósferas que se fusionan entre si, para lograr un viaje íntimo, colorido, épico, heavy y mágico.

Un disco con mucha energía y melodía, donde destacan las texturas en las guitarras y los teclados, así como el trabajo de la batería. Tambié se destaca una lujosa producción y la participación de Steve Vai en el tema “Triumph”.

Synchestra, reúne temas hechos de una manera muy peculiar, repletos de choque de estilos, y donde Townsend da rienda suelta a su creatividad, para lograr un disco muy versátil.

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294. Current 93 - Black Ships Ate the Sky

Con éste álbum, David Tibet (Current 93) continúa la línea trazada en sus dos previos trabajos (donde la instrumentación era la pieza clave de su música). Aunque en esta ocasión, la variedad de instrumentos es mucho más amplia, donde las guitarras, piano, violines, banjos, chelos, bajo, harpas o teclados trazan un delicado folk apocalíptico que sirve de acompañamiento para los relatos de Tibet acerca del fin del mundo.

Un disco influenciado por el himno metodista Idumea compuesto en 1763 por el poeta y predicador inglés, Charles Wesley y que a su vez, cuenta con las colaboraciones de artistas como Marc Almond (Soft Cell), Bonnie "Prince" Billy, Antony Hegarty (Antony and the Johnsons), Baby Dee, Shirley Collins y Clodagh Simonds (Mellow Candle).

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293. Miaou - Painted E.P

Segundo EP de ésta banda oriunda de Tokyo, en el cual reúnen cinco nuevas canciones y tres remixes de canciones pertenecientes a sus previos trabajos. En éste EP el sonido post-rock característico de la banda se va por una vía más electrónica orientada al ambient.

En Painted, Miaou suena mas bucólica y su sonido se mueve hacia una línea similar a la de The Album Leaf o Four Tet, pero esto no significa que sus roces con Explosions in the Sky y Mogwai queden por fuera.

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292. The Album Leaf - Into the Blue Again

Cuarto disco de estudio del proyecto de Jimmy Lavalle (The Album Leaf), en el cual se nota un sonido más íntimo e introspectivo a diferencia de sus previos trabajos.

También se pierde un poco de esa ambientación traslúcida de sus discos pasados y se muestran canciones más melódicas cercanas al pop. De resto su sonido post-rock/ambient y los elementos acústicos de su música siguen en su lugar, así como, los arreglos electrónicos, la dulzura de sus pasajes, su variada instrumentación y las influencias de Tortoise.

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291. Mt. - Lethologica

Debut de este trío ingles que pertenece a esa nueva oleada de post-rock británico similar al de las bandas From the Sky, p-C Down-C Left-C Right-C ABC + Start y These Monsters. Aunque más que un debut, Mt. viene a ser la continuación de la banda de post-rock Ctrlaltdelete, un cuarteto que ya había lanzado unos EP's hace un par de años.

Ahora reducidos a un trío, Mt. mantiene el sonido post-rock con el cual comenzaron bajo el nombre de Ctrlaltdelete, aunque ahora con nuevo nombre, el trío decide pulir un poco su sonido y lo funden hacia una línea más melódica y con muchas más capas sonoras.

De hecho hay momentos que suenan a una banda de más de tres personas fusionando las afiladas guitarras al mejor estilo de Mogwai y Mono con complejas secciones rítmicas similar a los trabajos de We Followed Tigers y Dysrhythmia.

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400 Discos del 2006 ( 310 - 301)

2007-02-10T12:13:00.000-08:00

400 Discos del 2006 ( 310 - 301)

310. Trivium - The Crusade

Tercer álbum de estudio de la banda Trivium en el cual decidieron realizar un cambio drástico en comparación a sus previos trabajos.

En “The Crussade” la banda abandona un poco el metalcore y opta por un sonido más melódico y clásico inspirado en los primeros Metallica y en bandas trash metal como Anthrax y Testament. También se notan las influencias del metal clásico de Iron Maiden y hasta las armonías de bandas como Skid Row, Mötley Crüe y Def Leppard.

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309. Cortney Tidwell - Don't Let Stars Keep Us Tangled Up

En “Don't Let Stars Keep Us Tangled Up” se nota más ambición que en su EP predecesor. Ahora hay más armonías celestiales y un estilo country-folk muy personal fusionado con pequeños toques de jazz, shoegaze y ligeros adornos electrónicos.

Todo un sonido espectral y etéreo inundado por el ambiente claustrofóbico, eufórico y melancólico de sus líricas y con una voz que te canta y susurra el mejor estilo de Björk, Hope Sandoval/Mazzy Star, Laura Veirs, Leslie Feist y Elizabeth Fraser (Cocteau Twins).

El disco fue lanzando por el sello Ever y contó con la colaboración de Kurt Wagner y William Tyler de Lambchop, Jonathon Marx (antiguo miembro de Lambchop) y de un grupo electrónico de Nashville llamado Ryan NorrisHands Off Cuba.

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308. Vitaminsforyou - The Legend of Bird's Hill

En The Legend of Bird's Hill, Bryce Kushnier (Vitaminsforyou) decide darle un sonido más complejo y exuberante a su música, añadiendo nuevos arreglos y más programaciones que aportan más ambición a su sonido pop-electrónico-casero.

Ahora se nota un sonido más psicodélico e intrincado, pero al mismo tiempo manteniendo su línea musical que evoca los trabajos de The Postal Service, Manitoba, Schneider TM y Four Tet.
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307. The Advantage - Elf Titled

Para éste segundo álbum The Advantage vuelve con su propuesta de hacer covers de temas de videojuegos de la consola NES (Por lo que a muchos estos temas le sonaran familiar)

La adrenalina recorrerá tu cuerpo en temas rápidos como “Batman-Stage I” en donde el bajo marca una esencia casi heroica, momentos de tensión como en “Contra-Alien's Lair&Boss Music” (donde hay un excelente trabajo de guitarra), el toque perverso llega en “Double Dragon III-Egypt “ y hasta un aire de post-rock se cola en “Ducktails-Moon”.

Un álbum en donde sobra esa esencia de aventura la cual llega al climax con temas como “Metroid-Kraid's Lair”, “Castlevania-Intro+Stage” y “Megaman II-Stage Select+Metal Man”, “Guardian Legend-Corridor”

En fin un disco netamente instrumental con un sonido noise-experimental que de momentos toca con el math-rock. Algún que otro contratiempo y riffs cercanos al metal, pero con un sonido muy original e ingenioso que te meterá de lleno en el mundo del Nintendo 8-bit.

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306. The Who - Endless Wire

Primer disco de estudio de The Who luego de 24 años de silencio y el primero sin su bajista John Entwistle (el cual falleció en el año 2002). Endless Wire es prácticamente un repaso de su larga historia musical, en especial de sus discos más famosos como: Tommy (1969), Who´s Next (1971) y Quadrophenia (1973).

La diferencia es que en Endless Wire se han utilizado técnicas actuales de grabación que le aportan mejor calidad de audio a su sonido en comparación a sus previos trabajos.

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305. She Wants Revenge - She Wants Revenge

El sonido de She Wants Revenge es influenciado por bandas como Joy Division, Bauhaus y Depeche Mode y en éste debut logran emular parte de esas influencias, pero a base de un indie rock muy similar a Interpol (ya que la voz de Justin Warfield suena muy igual a la de Paul Banks). Aunque suenan más unos primeros Depeche Mode y evocan el post-punk más suave y bailable, hecho a base de ambientaciones electrónicas que le dan ese aire gótico a su música.

Este primer álbum esta lleno de emociones, mucha introspección y corazones rotos, ya que es un disco homenaje a todas las mujeres con las que salieron o estuvieron enamorados.

Un álbum muy nocturno y melancólico, que parece ser sacado de la misma década de los 80’s.

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304. Dirty Pretty Things - Waterloo to Anywhere

Tras la disolución de The Libertines, su guitarrista Carl Barât no perdió tiempo y decidió juntarse con Gary Powell (compañero y baterista de su antigua banda) para formar una nueva agrupación llamada Dirty Pretty Things.

Éste es su primer álbum “Waterloo to Anywhere”, un disco intenso y armonioso, inspirado en bandas como The Stooges, The Kinks, The Clash, The Jam y apoyado por una fuerte dosis de rock directo que circula tanto por el garage, el post-punk, el brit pop, el ska y en donde destaca el trabajo de Barât tanto en las voces como en las guitarras y los estribillos pegajosos al mejor estilo rock n’ roll de finales de los 60 y comienzos de los 70.

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303. Monkey Swallows the Universe - The Bright Carvings

Disco debut de ésta banda inglesa oriunda de Sheffield. En The Bright Carvings, se encontrarán con un sonido indie pop acústico lleno de dulzura y melancolía, el cual se destaca por sus desnudos arreglos de cuerdas a base de cello, violín y guitarras que le dan cierto aire folky a su música.

Por otro lado su sonido agridulce se acopla perfectamente con líricas que hablan acerca del amor, el desamor, los celos y la apatía. Igualmente al escucharlos podrán notar cierto parecido al sonido de bandas como Bright Eyes, Belle & Sebastian, Nick Drake e incluso algo de PJ Harvey y Mazzy Star.

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302. The Sleepy Jackson - Personality: One Was a Spider, One Was a Bird

Este segundo trabajo de The Sleepy Jackson se muestra con un sonido menos rockero en comparación a su predecesor, ya que en “Personality: One Was a Spider, One Was a Bird”, se nota más ambición y emoción en las orquestaciones, en los coros y en los arreglos, lo que hace resaltar la exuberancia de su pop atemporal inspirado en George Harrison y Brian Wilson.

Un álbum plagado de melodías pegadizas que no sólo rozan con las décadas de los 60 y 70, si no también con cierta psicodelia y magia heredada de The Flaming Lips.

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301. Larkin Grimm - The Last Tree

Segundo trabajo de la agrupación Larkin Grimm, la cual pertenece a esa oleada americana de psych folk americano conocido como la new weird america.

En The Last Tree el acid folk de Larkin Grimm se muestra como una aventura donde la fantasía y la imaginación no conocen límites. Un sonido plagado por un aura de misticismo y mucha experimentación sonora de tintes psicodélicos.

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400 Discos del 2006 ( 320 - 311 )

2007-02-07T20:50:00.000-08:00

400 Discos del 2006 ( 320 - 311)

320. Vaux - Beyond Virtue, Beyond Vice

En Beyond Virtue, Beyond Vice, el sonido de Vaux se expande hasta tocar territorios nunca antes explorados y con una orientación mucho más melódica.

El sonido post-hardcore de la banda ahora incorpora nuevos elementos electrónicos similares al Kid A de Radiohead y al Mechanical Animals de Marilyn Manson, lo que convierte a Beyond Virtue, Beyond Vice el trabajo más ambicioso de Vaux hasta le fecha.

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319. The Hidden Cameras - Awoo

El colectivo de Toronto no ha cambiado su fórmula musical en su tercer trabajo de estudio titulado Awoo. Aquí, tanto el pop barroco-orquestado como el folk alegórico y las provocativas y hedonistas letras de Joel Giba, siguen como la pieza clave de su música.

La única diferencia es que en Awoo hay menos instrumentos en comparación a sus previos trabajos y como consecuencia se percibe un sonido más dirigible y accesible que de costumbre.

Aunque en líneas generales su “gay church folk music” y los guiños con The Magnetic Fields, The Polyphonic Spree y Belle & Sebastian continúan formando parte de su repertorio musical.

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318. Ihsahn - The Adversary

The Adversary es el debut solista del vocalista de Emperor, Ihsahn. El disco combina varios elementos pertenecientes a los géneros del metal extremo y a la vez presenta una línea progresiva parecida a los recientes trabajos de Emperor.

Para ser más preciso, el álbum incorpora gran variedad de estilos como el death metal, black metal, metal sinfónico, algo de thrash metal y una gran influencia de bandas clásicas como Iron Maiden, King Diamond y Mercyful Fate.

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317. Bonk - Bonk Against Nothing

Segundo trabajo discográfico del grupo noruego Bonk, en el cual continúan expandiendo su sonido garage-punk con el que debutaron en el 2004.

En Bonk Against Nothing, la banda suena más sólida y catártica a la hora de fusionar estilos como el garage, metal, blues, stoner, punk con pequeñas ráfagas de noise. Pero ante tanta diversidad, la banda hace lo que más le gusta un rock n roll crudo y directo, en donde se perciben los roces con The Stooges, The Who, AC/DC y Turbonegro.

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316. Plaid & Bob Jaroc - Greedy Baby

Greedy Baby es un trabajo que combina música e imágenes, es decir un CD/DVD o un AV álbum (Audio Visual) formado por la música de Plaid y el trabajo cinematográfico y de animación desarrollado por Bob Jaroc.

El trabajo musical de Plaid en éste trabajo mantiene un poco la línea electro-techno experimental de sus previos trabajos, en especial la de sus dos últimas placas, Spokes (2003) y Double Figure (2001). Aunque en Greedy Baby hay un sonido más ambient y toques más atmosféricos y urbanos que aumenta el efecto envolvente de su música.

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315. Nightmares on Wax - In a Space Outta Sound

En esta ocasión, la electrónica de Nightmares on Wax se fusiona con ecos del pasado que han sido influencia en su música, como lo son el soul, hip-hop, funk, r&b y el gospel, todo hecho a manera de tributo y adaptándolo a su universo musical.

Transita por el trip hop en “Passion”, los balearic beats se hacen presentes en “Deepdown” una pieza influenciada por sonidos latinos, el reggae en “Flip Ya Lid”, el downtempo en “Me”, el R&B en “I Am You” y las percusiones africanas en “African Pirates”.

Toda una gama de géneros bien conjugados por Evelyn, el cual los acomoda a su tradicional enfoque de hip-hop y el ambient dub, pero esta vez, con grooves más ligeros, realizados con mucha clase e influenciado por la esencia de la música negra, hecho que no solo se afirma al escuchar el disco, si no, que también lo demuestra en la portada de este.

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314. Comets on Fire - Avatar

En “Avatar” la banda continua explorando sus diversas influencias musicales que les han inspirado en toda su vida, en especial en ese sonido de finales de los 60 y comienzos de los 70, como lo son el proto-punk, el hard rock, el space rock y el rock psicodelico de antaño. Aunque cabe destacar que su sonido no sólo se centra en revivir esta época dorada, ya que por otro lado la banda también ha sido influenciada por el noise-rock de los 80, cosa que ha quedado demostrada en sus previos trabajos, en especial en su última placa "Blue Cathedral".

Pero la banda siempre ha tratado de incorporar ciertos aspectos que impliquen una evolución en su sonido y en esta ocasión el cambio se nota más en el aspecto compositivo. Ya que el objetivo de “Avatar” estuvo más focalizado en la exploración de sus diversas influencias para usarlas en diferentes formas a la hora de la grabación.

El resultado en “Avatar” es que su sonido se muestra más melodico y accesible que antes. Por otro lado “Avatar” es menos noisy en comparación a su disco predecesor, pero esto no quiere decir que hayan perdido la energía característica de su sonido, ya que el disco desde el principio hasta el final, reúne la intensidad y el caos heredado de bandas como The Stooges, Blue Cheer, Pink Floyd, Cream, Black Sabbath y Jimi Hendrix.

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313. Dysrhythmia - Barriers and Passages

Cuarto álbum de esta banda de match rock instrumental progresivo formada en Philadelphia y con el que marcan la continuación de su disco “Pretest” del 2003.

Las más claras referencia en su música son el sonido progresivo de King Crimson y el Rush más delirante entrelazados con los ritmos derivados del jazz de John Zorn y el caos sónico de Sonic Youth. Un estilo denominado math rock, netamente instrumental, “supuestamente” errático e impredecible y con la especial predilección por la experimentación digna del post rock y las métricas irregulares del jazz.

Lo interesante es que no aportan nada nuevo, pero paradójicamente con Dysrhythmia, este estilo adopta otra dimensión, como un Don Caballero con esteroides, buscando un sentido de exploración musical más amplia y dándole un nuevo aire al rock experimental.

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312. Incubus - Light Grenades

Sexto disco de estudio de Incubus, en el cual forjan un nuevo sonido más maduro y renovado, combinando elementos de sus dos últimos discos de estudio “A Crow Left of the Morder” (2004) y “Morning View” (2001).

De hecho en Light Grenades hay momentos en que la banda suena a unos primeros Radiohead como en "Anna Molly" y hasta hay ciertos parecidos con Pearl Jam y gran parte de la ola alternativa de los 90.

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311. Why? - Rubber Traits [EP]

Tercer EP del proyecto de Jonathan "Yoni" Wolf, en la que se explora el lado sonriente y retorcido de su música.

La primera mitad consta de temas más indie pop y la otra se ve mas orientada hacia los enfoques hip-hop de Wolf.

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400 Discos del 2006 ( 330 - 321)

2007-02-05T18:40:00.000-08:00

400 Discos del 2006 ( 330 - 321)

330. Dirty Sanchez - Dirty Sanchez

Con diversas influencias como B-52’s, Human League, Culture Club, Blondie, Depeche Mode, Dead or Alive, Ministry y Daft Punk, llega ésta banda Californiana llamada Dirty Sanchez, la cual fusiona esa gran cantidad de influencias de los 80 y las adapta a un sonido orientado hacia el neo-electro y el house de contenido sexual explicito en éste homonimo debut del 2006.

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329. OutKast - Idlewild

Soundtrack hecho por OutKast para la película Idlewild, dirigida por Bryan Barber y protagonizada por André 3000 y Big Boi.

El disco representa la unión de André 3000 y Big Boi en más de seis años y en éste, la música es simplemente centrada en un sonido más urbano, específicamente en el sonido del Sur de los Estados Unidos de los años 30, fusionando el blues y el swing de esa época con el hip-hop sureño y la extravagancia característica de OutKast

En Idlewild el dúo está rodeado de invitados como Macy Gray (quien también aparece en el filme), Sleepy Brown y Snoop Dogg.

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328. Vetiver - To Find Me Gone

Segundo trabajo discográfico de la banda comandada por el compositor Andy Cabic.

En To Find Me Gone, el sonido alt-folk/psych folk de su música continúa presente, así como su variada instrumentación influenciada por el blues, el country y la psicodelia heredada de los años 60 y 70, pero con la diferencia de que en éste trabajo, la banda presenta un sonido más atmosférico en comparación a su homónimo debut del 2004 y a su vez, se perciben pequeños roces con el rock y elementos propios del drone.

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327. Forget Cassettes - Salt

Segundo disco de la banda Forget Cassettes y el primero de la agrupación convertida en trío, tras la marcha de Doni Schroader a ...And You Will Know Us by the Trail of Dead.

En Salt, Aaron Ford (The Sincerity Guild) aparece como nuevo baterista y Jay Leo Phillips (Apollo Up!) se suma a la agrupación en el teclado, para formar así una base rítmica más variada y expandir un poco su sonido, que sigue fiel a su línea indie rock con la que debutaron en el 2003.

Su sonido recuerda mucho a la ola alternativa de los 90 y en parte a los primeros trabajos de P.J Harvey, en especial por el trabajo de su vocalista Beth Cameron.

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326. Pernice Brothers - Live a Little

En Live a Little, la banda americana continúa con su fórmula plagada de elegantes guitarras, pop orquestado y melodías brillantes inspiradas en Beach Boys y Elvis Costello.

Por otra parte, en Live a Little, se nota una orquestación más pronunciada y un sonido más brillante que evoca diversas influencias del sonido de R.E.M, The Cure y New Order.

Son unos The Pernice Brothers más sofisticados y con un sonido mucho más pulido.

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325. Mecca Normal - The Observer

En “The Observer” el dúo canadiense Mecca Normal le añadió a su sonido minimalista una instrumentación más variada que le dio cierto toque de experimentación a su música.

También se notan más apasionados que de costumbre y hasta juegan un poco con el ruido para expandir así un poco las ambientaciones de su sonido.

Por otro lado el aspecto lírico del álbum gira entorno a las relaciones a través de la internet.

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324. We Vs. Death - We Too Are Concerned / We Are Too Concerned

Tras realizar un EP de 7” y dos splits, la banda holandesa We Vs Death, presentó el pasado 2006 su primer larga duración titulado We Too Are Concerned / We Are Too Concerned, en el cual retornan para deleitarnos con su post-rock sónico e instrumental a base de afiladas guitarras y una dinámica sección rítmica dominada por crescendos que recuerdan los trabajos de Mogwai, Mono y en parte al último trabajo de Magyar Posse.

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323. Belong - October Language

Belong es un dúo compuesto por Turk Dietrich y Michael Jones. La música de Belong está trazada por un ambient gaseoso mezclado con ricas texturas hechas a base de guitarras. Como si la electrónica de los trabajos de Fennesz se fusionara con la experimentación sonora de las guitarras de Kevin Shields (My Bloody Valentine).

Un shoegaze carente de voces y arropado por gran cantidad de detalles sonoros y sustentándose en el sonido manipulado y las variadas texturas de sintetizadores y guitarras distorsionadas que se expanden dentro una inmensa pero lánguida atmósfera.

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322. My Robot Friend - Dial 0

Segundo álbum del colectivo liderado por Howard Rigberg, en el cual continua con su línea musical inspirada en el synth pop y el new wave de los 80, pero hecha de una forma muy personal orientada más a un sonido situado entre el downtempo y el electro y apoyado por letras que hablan sobre el amor y la lujuria.

En Dial 0, nuevamente se puede notar la influencia de Devo, B-52s y Soft Cell, aunque también hay muchos ritmos que recuerdan los trabajos de Kraftwerk, Grace Jones y The Normal.

Para ésta segunda producción, Rigberg contó con la colaboración Zombie Nation y Antony (Antony and the Johnsons).

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321. Roommate - Songs the Animals Taught Us

Roommate es el nombre adoptado por el director experimental y músico Kent Lambert, el cual en sus inicios surgió como un proyecto personal, pero que finalmente con los años se transformó en una banda.

En Songs the Animals Taught Us, Lambert expande la experimentación musical de su primer EP, recogiendo variadas y diversas influencias musicales.

Como si The Postal Service trataran de sonar como Xiu Xiu (pero sin tanta paranoia) y con un sonido más bien sumergido en una electrónica muy sutil y cálida, similar a la de un Nintendo 8-bit y con unas atmósferas que se encuentra entre los paisajes de Fennesz, Boards Of Canada y las tormentas sonoras de My Bloody Valentine y Cocteau Twins.

Todo un collage de influencias adornado por líricas que evocan los textos de Scott Walker y David Byrne referentes a las miserias de la vida, como la guerra, la economía, las clases sociales, los ideales utópicos y el miedo a la muerte.

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